/// ZU ZEITEN (freundlich)

PEAKING LIGHTS sonne scheint (draußen)

2012-02-01T15:54:00.001+01:00

PEAKING LIGHTS "936"

2011

Als wäre die Zeit stehengeblieben. Im Dub. Das tut sie eigentlich seit 30 Jahren schon. Immer wieder hat es den Anschein, als geht sie dann doch weiter, die Zeit: Echos verschwinden wieder, oder gehen in neuen Klanggeneratoren auf, die erst mal sehr aufregend sind, weil man so viel aus ihnen herauszuholen glaubt. Maschinen bieten prima Möglichkeiten, Musik am Laufen zu halten, aber das was da läuft, muss vorher trotzdem erst mal auf die Beine gestellt werden. Und wenn erst mal alles soweit steht, kann man's meistens auch einfach so lassen, ohne die Möglichkeiten der Maschinen gänzlich auszureizen. Und wenn statt einem Mehr das Wenige eigentlich reicht, kommt doch das Echo wieder zurück. Und damit der Dub. Ein ewiger Kreislauf.

Während aber besagte Tontechniker in den 1970ern im Dub eher die dunkle Seite des Originals herausarbeiteten, wo sie dann entsprechend mit Schlagzeugbomben, zischelnden Snares, vereinsamt stehen gelassenen Silbenfetzen oder Tonband-Endfiepen unheimlich Unheimliches hervorkriechen ließen, haben es Peaking Lights aus Wisconsin da eher mit der Sonnenseite des Lebens. An den Songtiteln von "936" kann man das Gemüt des zart dubbigen Duos gut erkennen: „All The Sun That Shines“, „Birds Of Paradise“, „Amazing And Wonderful“ oder auch einfach „Summertime“. Was aber natürlich nicht im Entferntesten schlechter ist, als immer nur dem guten Bösen das Wort zu reden, denn man kann ja nicht immer nur dem Dunklen und Hässlichen frönen (das sagte so ähnlich auch schon Greg Norton, der Bassist der Hardcore-Schredderer Hüsker Dü, als er mal sinngemäß feststellte, dass er sicher nicht Hüsker Dü’schen Hochgeschwindigkeits-Metal-Punk zu hören pflegt, wenn er mal tagsüber gedankenverloren mit dem Walkman durch Stadt spazieren gehen würde).

Und da man meist ausgerechnet in schattigen Studios oder Appartements an solch sonnigen Dingen arbeitet, also die Sonne genau dort nicht scheint, wo man ihr zu ehren ein paar Audiospuren vollgroovt, schwebt meist eine leichte Melancholie mit in den Tracks von Peaking Lights. Man will halt raus, dahin, wo der Grund für die Tracks liegt – das Leben in der Sonne - anstatt die Musik für diesen Grund zu machen. Die leichte Melancholie zeigt sich dann im etwas elegisch langgezogenen Gesang von Indra Dunis (die zusammen mit Aaron Coyes das Duo Peaking Lights bildet). Deren gefährlich elfenhafte Stimme wird zum Glück aber immer wieder hübsch konterkariert von brummeligen Bassfiguren, grummelnder Elektronik, rumpelnden Drums und kleindröseligen Keyboard-Figürchen. Das ist spannend zusammengeführt und will der Sonne gar keine Konkurrenz machen. Die macht draußen eh was sie will, nämlich scheinen.

Dass Peaking Lights aber trotzdem das Opfer auf sich genommen haben, sich fürs Kämmerlein und die Musik zu entscheiden, hat der Welt ermöglicht, dieses Album zu hören. Ihr Opfer hat sich gelohnt. Und jetzt raus aus dem Haus, Sonne genießen! Aber bitte warm anziehen.

ST. VINCENT packt drauf

2012-01-27T19:04:00.001+01:00

ANNIE CLARK a.k.a. ST. VINCENT

Ende der 1990er Jahre begann sich die Musikrezeption in den Musikmagazinen zu ändern. Zum einen wegen des vermehrten Aufkommens elektronischer Musik, die immer abstrakter zu werden schien, je mehr Menschen sie dazu befähigte, ohne andere Mitspieler Musik zu entwickeln. Die hohe Abstraktion machte es schwierig, der Musik eindeutige Inhalte und Zusammenhänge zuzuordnen, die über ihren Klang hinausgingen. Zum anderen fing langsam die Share-Kultur an, Musiken waren plötzlich schnell und immer problemloser verfügbar und mit zunehmender Audio-Flut auf der Festplatte purzelten ihre Entstehungszusammenhänge durcheinander. Der Kontext von Musik wurde immer weniger wahrgenommen, Musik wurde gleichzeitig immer weniger in Genres klassifiziert – oder eben in unendlich vielen Genres, was auf das Gleiche hinauslief, nämlich auf einer zunehmenden Bedeutungslosigkeit der Zuordnungen.

Viele Musikmagazine, die ihre Daseinsberechtigung zum einen aus der Kanonisierung von Musik in ihrem linearen Geschichtszusammenhang und zum anderen aus der Kreierung von „Genres“ speisten – Diszipline, mit denen Musikmagazine seit jeher versuchen, einen Wissensvorsprung zu installieren, dessen Egalisierung das Kaufargument für den Leser darstellen soll („Mitreden können“) – hatten Schwierigkeiten, neue (oft elektronische) Musik, für die der Kanon noch nicht greift, journalistisch aufzubereiten. Die Strategie war dann entweder, den eigenen Kanon dadurch zu zementieren, dass neue Musik an ihr scheitert („Alles schon mal dagewesen“) und quasi als Folge davon Wiederveröffentlichungen zum Anlass zu nehmen, den zementierten Kanon endlos wiederzukäuen; oder man ging weg von den geschichtlichen Zusammenhängen und konzentrierte sich mehr auf die Struktur der Musik selbst.

Stellvertretend für den herkömmlichen Weg der Kanonisierung steht das britische MOJO-Magazin, das oft in immerhin sehr gewissenhaft recherchierten Artikeln immer wieder die „alten Helden“ besingt, sobald wieder ein Jubiläum und/oder eine Wiederveröffentlichung in Form opulenter CD-Boxen winkt. Stellvertretend für den anderen Weg, nämlich die Musik innerhalb ihrer Strukturen zu beschreiben, steht vielleicht die WIRE oder die DE:BUG, die Musik mehr über ihren Klang, ihre Oberfläche und tieferliegende akustische Strukturen beschreiben und weniger über ihre Bedeutung als Pop, Rock, Elektronik oder was auch immer. Das Stichwort, an dem sich in diesem Zusammenhang häufig entlang gehangelt wird, ist die „Textur“ der Musik.

Der Vorteil von der Betrachtung von Musiktexturen: Sie ist eine Möglichkeit, Musik ein wenig aus ihrem Zeit- und Gesellschaftskontext zu lösen. Man muss nicht dauernd nach Zusammenhängen Ausschau halten, sondern kann Musik mit einem freieren Blick wahrnehmen. Das funktioniert nicht nur bei neuer, noch nie gehörter Musik, sondern ist auch ganz nützlich bei Musik, die man aufgrund ihres für den Hörer individuell prägenden Geschichtszusammenhangs nicht mehr hören mag, aber die man durch die Konzentration auf die Klangstrukturen wieder unter anderem Blickwinkel für sich entdecken kann. Dabei wird der Kulturzusammenhang nicht ausgelöscht – er kann gar nicht anders als immer zu bestehen, da muss man sich überhaupt keine Sorgen machen – er wird nur leichter gewichtet. Ich habe mir mit dieser texturellen Betrachtungsweise zum Beispiel wieder „Like A Hurricane“ von Neil Young ‚geholt‘, ein Song, den ich lange Zeit aufgrund der starken Verhaftung mit einer früheren Lebensphase komplett für alle Zeiten als unhörbar durchgenudelt empfand.

ST. VINCENT strange mercy
2011

Soll es hier wirklich noch um St. Vincent’s „Strange Mercy“ gehen, der dritten Platte der so zerbrechlich erscheinenden Annie Clark aus Austin, Texas? Unbedingt. Denn es ist eine ideale Platte für die Betrachtung von Texturen, in diesem Fall von eher selten zerbrechlichen, dafür oft genug durchaus unerwartet sperrigen bis brachialen Texturen, und zwar besonders von solchen, die von Synthesizern und ähnlichem elektronischen Zeug hergestellt worden sind.

„Strange Mercy“ ist nämlich vor allem eine Synthesizer-Platte. Sie quietscht, wird laut und ausfallend, beruhigt dann wieder, findet immer wieder ihren Platz im Groove, legt samtene Flokati aus, aus denen plötzlich spitze Nägel hervorluken, sobald man beginnt sich einzukuscheln. Sie enthält viele abstrakte, auch anstrengende Elemente und ist gleichzeitig als Songsammlung konzipiert, ist also nicht nur für einen kleinen Kreis von Freunden ‚freier‘ Musik interessant, sondern ein klassisches, in drei- bis vierminütigen Häppchen unterteiltes Album. Jeder Song unterscheidet sich dabei grundsätzlich von den anderen. Die viele Wagnisse führen dazu, dass „Strange Mercy“ polarisiert. Es gibt mehr glühende Ablehner, als glühende Befürworter, wenn ich mal so Revue passieren lasse, was im Bekanntenkreis und in Foren so erzählt wird. Es gibt nicht viele Listen, wo „Strange Mercy“ ganz oben steht, wenn sie überhaupt dort Erwähnung findet. Anzutreffen ist der Vorwurf, das Album wäre too much. Zuviele Schichten, zuviele Elemente, zuviel Progressivität auch im Vergleich zu vorherigen Arbeiten von St. Vincent, zu anstrengend, zuviele gekünstelte Wendungen vielleicht auch.

Dabei ist „Strange Mercy“ als Chart-affines Pop-Album konzipiert. Man merkt es an der edlen Aufmachung. Die LP-Version zum Beispiel steckt in einem in der Herstellung sicher nicht ganz billigen Klappcover, Buchstaben sind in das Cover eingedruckt und leuchten in luxuriösem Lila-Rot auf beigem Hintergrund edel fallender Stoffe. 4AD, das Label, steht sowieso für diese Art der kunstvollen Gestaltung. Aber trotzdem „Strange Mercy“ ein Pop-Album ist, will es nicht von allen gemocht werden, das ist eine ganz wichtige Erkenntnis. Es will auch mal überfordern, krachen und fies im Ohr sirren. Aus St. Vincents E-Gitarre schnellen dünne Verzerrungen, die nicht an Akkorden interessiert zu sein scheinen. Sie platzen mehr als Effekt und Sound in die Songs, wie ein ungebetener Überraschungsgast.

Der allumspannende Einsatz von Synthesizerspuren spielt immer mit mindestens einer Vintage-Komponente gleichzeitig. Mal lullt er ein, als würde er riesige Wattewolken aus dem Mainstream-Himmel der 1980er Jahre heranziehen, dann wieder hat er einige sehr große Augenblicke, wenn er entweder wirklich kreischende Soli aus heiterem Himmel einstreut, denen auch ein alter Analog-Synthie-Störgeräusch-Erzeuger wie Allan Ravenstine in einen Pere-Ubu-Jahren seinen Segen gegeben hätte.

„Northern Lights“ ist einer dieser Tracks, wo kreischende Parts plötzlich mit gedehnten Refrains abwechseln, die sich – immer ein guter Effekt – in langsamem Tempo auf den schnellen Hintergrund legen, und dann plötzlich geht ein Synthie-Schrei los, der in den femininen Vokal-Schrei St. Vincents übergeht, aus dem heraus dann NOCHMAL wieder der Synthesizer ansetzt zu einem NOCH freieren, kreischenden Solo. „Strange Mercy“ ist voll von solch gewagten Auftürmungen. Und so ist sie diejenige Platte des Jahres 2011, die die alte Kunst des Draufpackens-wenn-man-denkt- es-geht-nichts-mehr-Draufzupacken mit am überzeugendsten kompositorisch fernab des Zufalls umgesetzt hat.

BOB MARLEY & THE WAILERS to the bone

2012-01-24T19:20:00.002+01:00

BOB MARLEY & THE WAILERS rasta revolution
compilation 1974

Viel wird über Knochen erzählt, wenn es um Bob Marley und seine Zusammenarbeit Anfang der 1970er mit Produzent Lee Perry geht. So verordnete Perry - damals in der Prä-Black-Ark-Zeit noch nicht mit millionen Spuren operierend - Bob Marley und den übrigen Wailers eine musikalische Abspeckkur, die man mit Fug und Recht als „runter bis auf die Knochen“ bezeichnen kann. Nichts ist auf diesen Aufnahmen zu ahnen von den ausgepolsterten Gute-Laune-in-der-Entourage-Seifenarrangements, mit denen Bob Marley am Ende der Dekade als Superstar durch Babylon touren sollte. Stattdessen lösen sich die Wailers auf diesen frühen Aufnahmen von ihren amerikanischen Soul-Vorbildern und konzentrieren sich auf nackte, grimmige Grooves. Die Tracks bekommen (noch) keine Sonne ab, sie stampfen (noch) aus Räumen heraus, von denen die Farbe abblättert. Auf den wenigen einführenden Sätzen auf der Rückseite von „Rasta Revolution“ beschreibt Lisa McAvoy, wie ihr der Beat, den Marley und die Wailers auf ihrer ersten England-Tour in die Körper der Konzertbesucher klopften, noch tagelang in den Knochen gepocht hat.

Trojan Records brachte „Rasta Revolution“ 1974 auf den Markt. Die Zusammenstellung entstand also in jener Zeit, als die Reggae-Welt noch nicht mit unzähligen halbgaren Marley-Best-Of’s bis zur Verwirrungsgrenze zugekleistert worden war. Der Sound ist noch trocken, dumpf und extrem basslastig, was sich besonders auf späteren No-Name-CD-Zusammenstellungen zum Teil erheblich zu einer mittig konzentrierten Harmlosigkeit verändern sollte. Was kann da ein YouTube-Audio-Link schon Gutes demonstrieren? Nichts.

THE CARETAKER das knacken der ganzen welt

2012-01-12T23:56:00.011+01:00

THE CARETAKER an empty bliss beyond this world
2011

James Leyland Kirbys a.k.a. The Caretakers "An Empty Bliss Beyond This World" gefällt mir ausnehmend gut. Bin da vielleicht auch einfach Erwachsener meiner Zeit, denn die das Alte im Alten und gleichzeitig das Sehnsüchtige in der Sehnsucht verstärkende Musik scheint mir symptomatisch für die gegenwärtige krisenjapsende Phase, in der man sich einerseits die Rückgewandtheit in eine fantasierte gute, alte, unschuldige Zeit wünscht, andererseits aber nicht als sentimentaler Knochen dastehen will, weshalb dann der rückwärtsgewandte Blick einen der Gegenwart zuordbaren Filter verpasst bekommt. Das was eben im vorletzten Jahr als Hypnagogic Pop bekannt wurde. The Caretaker geht ungefähr in die gleiche Richtung, nur dass er sich einer noch viel früheren Musik als Ausgangsmaterial bedient.

Und ich schwöre, ich habe den "Shining"-Verweis schon herausgehört, bevor ich's nachgelesen habe! :-)

Leyland Kirby

Ganzes Album als Stream:

ALEX CHILTON free again: the '1970' sessions

2012-01-11T19:16:00.005+01:00

ALEX CHILTON free again: the '1970' sessions
2012

Schon jemand gehört? Ich brauch das, glaube ich. Dokumentiert den Übergang von den Box Tops zu Big Star. Ich halte ja "Bach's Bottom", die ebenfalls eine nur nachträglich veröffentlichte Übergangsphase dokumentiert - nämlich zwischen Big Star und "Like Flies On Sherbert" - für seine beste oder zumindest einfach für meine liebste Platte von ihm. Daher vermute ich eine ähnlich gute Übergangsmusik bei der "Free Again: The "1970" Sessions". Außerdem ist der Namensgeber "Free Again" auch auf "Bach's Bottom" drauf. Für mich als leidenschaftlicher Verkleber irrationaler Zusammenhänge daher ein Muss.

Wer hat's schon gehört und möchte berichten?

ROOTS UNDERGROUND erkennbar

2012-01-08T23:23:00.016+01:00

ROOTS UNDERGOUND tribesman assault
1977 [wackies]
2003 wvö [wackies - basic channel]

Gegenüber Brinkmann habe ich mal an anderer Stelle behauptet, ich könnte jede Dub-Version, die ich besitze, zielsicher der Platte zuordnen, auf der sie erschienen ist. Ich habe es nie zugegeben, aber es war gelogen.

Aber "Tribesman Assault" von Roots Underground würde ich erkennen.

"Tribesman Assault" basiert auf einem kleinen Sammelsurium jamaikanischer Aufnahmen, entstanden bevor Wackies sein New Yorker Studio aufgebaut hatte - so um 1975/76/77 herum. Dort wurden dann später nach Fertigstellung noch einige Instrumente addiert, unter anderem steuerte auch Jah Scotty noch ein paar frische Drum-Muster hinzu. Wahrscheinlich wurde er direkt nach Ankunft der Maschine aus Jamaika in New York ins Studio verfrachtet, ohne ihm zuvor was zu trinken zu geben. So durstig klingt sein Sound. Der Bass hält dagegen - und ehrlich gesagt weiß ich nicht, ob das auf den Originalpressungen auch schon so dermaßen präsent klang, oder ob das körperliche, zum Greifen nahe meisterhafte Mastering der Nachpressungen von Moritz von Oswald auf Basic Channel dafür eine Teilverantwortung trägt.

Was ist nun besonders erwähnenswert auf "Tribesman Assault", neben den Must-Do-Zutaten jeden Dubmixes, nämlich der Erzeugung von Raum und mehr Raum durch Echo und mehr Echo, gefolgt von weniger bis keinem Echo im Zusammenspiel mit dem kunstvollen Jonglieren derjenigen Spuren, die eben gerade nicht zu hören sind? "Tribesman Assault" addiert einen sehr schönen Leiereffekt, der sich erstaunlicherweise nur auf die Gitarrenspur zu legen pflegt, während Bass und Drum in vollendeter, knarztrockener Reduktion rollen.

Es ist immer ein besonderer Genuss, wenn man wieder einmal Zeuge jener geheimnisvollen Vorgänge wird, die aus einer reduzierenden Dub-Platte (es gibt auch nicht-reduzierende Dub-Platten) mit exakt den Zutaten anderer reduzierenden Dub-Platten eine besonders spannend reduzierende Dub-Platte werden lassen.

Ein schönes spirituelles Bonbon hält "Tribesman Assault" mit dem letzten Track bereit, wo mit K.C. White und dem Female-Vocal-Trio Love Joys ein einziges Mal Gesang zu hören ist. Und die Überraschung plötzlicher menschlicher Stimmen folgt derjenigen Dramatik, die Dub schon immer ausgezeichnet hat: Ein lange vorenthaltenes Element des ursprünglichen Tracks zieht die 'Version' plötzlich als Effekt nach vorne. Ein Raum biegt sich heraus, den man vorher gar nicht registriert hat. Und dieser neue räumliche Effekt vermittelt plötzlich einen sprachlichen Sinn: "Open the gates to Africa/ Africa we want to go". In solchen Momenten gehe ich überall hin mit.

BON IVER bon bon bon bon iver

2012-01-08T10:39:00.007+01:00

MUSIK 2011

"Was‘n das für prätentiöse Scheiße?“, entfuhr es mir, als ich „Bon Iver, Bon Iver“ das erste Mal hörte. So sämig schien mir die Musik verrührt, selten unterbrochen von einleuchtenden Ideen. Grünlich vermoost und verfarnt, angegriffen von Jahreszeiten, eingerissen und aufgerollt wie übereinander geklebte, alte Tapeten in schimmligen, längst sich selbst überlassenen Räumen – hatte mir bei diesen Assoziationen nicht schon das PlattencoverGEMÄLDE einen Streich gespielt? Und klingt Bon Ivers Stimme nicht auch so, als hätte sich der Schimmelpilz bereits auf die oberen Bronchialäste gelegt, sodass die Ausatemluft nur noch ein hohes, eunuchiges Wimmern zulässt? Ja, so klingt es, und was soll ich sagen, Mit-Platte des Jahres.

Bon Iver hat sich Zeit genommen für sein zweites „richtiges“ Album. Irritiert und abgelenkt vom Erfolg von „For Emma, Forever Ago“ ein paar Jahre zuvor musste er erst wieder lernen, fernab permanent entgegengebrachter Bewunderung, seinen eigenen Einschätzungen zu vertrauen. Runter auf Null. Was liegt da näher, als sich nach Neu-Promi-Zusammenarbeit mit Kanye West und anderen Seitenprojekten mal wieder voll in die Isolation zu begeben, mit Bruderherz Nate am Arsch der Welt am Aufbau des April Base Studios zu werkeln und ein paar Mitstreiter um sich zu scharen?

Von einer richtigen Band las ich viel, wenn es letztes Jahr um „Bon Iver“ ging. Die reichere Instrumentierung verbrummt Gitarren, Banjos, Trompeten, Beckentrommeln, Fahrradklingeln und Billigsynthesizer zu einem pelzigen, feuchten, nährstofffressenden Sound. Willst ne Hookline? Kannste warten! „Bon Iver, Bon Iver“ ist ein rätselhafter, klebriger Klumpen Privatlebens. Zehn Songs, nach zehn Orten benannt. Unüberhörbar amerikanischen Orten. Und so wie einige dieser Orte vielleicht gar nicht existieren, so sinkt auch die Stimmung auf „Bon Iver“ immer wieder ins Nebulöse ab, wo sich halb geschlossene Lider und halb geschlossene Augen gute Nacht sagen. Ein Sound, der es schwer macht zu sagen, was man wirklich hört und was man hinzufantasiert. Es sind nicht die schlechtesten Momente, denn selbst in erfundenen Erinnerungen steckt immer derjenige drin, der sie erfindet. Vielleicht sogar mehr als in Erinnerungen, die versuchen, ein wirklich geschehenes Ereignis bloß zu rekapitulieren.

Und so folgt das beigefügte Textblatt gerade mit seiner krickelnden Schreibschrift am Rande der Unlesbarkeit der Tradition einer bestimmten Sorte von Songwritern wie Neil Young oder Jason Molina, die in langen Bögen immer wieder das Unlösbare versuchen und mal traurig, mal wütend, mal unsicher ihr Scheitern daran zelebrieren - Amerika zu erfassen: „Lies nicht den Songtext mit, versuche höchstens vage hinter sein Geheimnis zu kommen“. Den Rest dichte einfach selber dazu. Wie auch die Melodien, großen Bögen und kleinen Wendungen. Ich bin mir nach wie vor nicht sicher, was nur da ist und was mich zwingt, es zu addieren. Was ich nicht addiert habe, ist ganz bestimmt der schreckliche Synthesizer-Sound auf dem letzten Stück, den ich mir aber mittlerweile altersmilde schönargumentiert habe. Er hat nämlich eine nützliche Funktion: Er sagt mir, dass ich gar nichts dafür kann. Es ist „Bon Iver, Bon Iver“, das den ganzen Sermon heraufbeschwört, den ich hier gerade jetzt in diesem Moment abgelassen habe. Ehre wem Ehre gebührt.

BON IVER bon iver, bon iver

2011

PJ HARVEY erste stunde: kriegsgeschichte

2012-01-04T23:35:00.014+01:00

MUSIK 2011

schüttel dein land

Nach dem Blick nach innen mit „White Chalk“ (2007) nun der Blick nach draußen: „Let England Shake“, P.J. Harveys mit Weltkrieg-1-Metapher-Lyrik getränktes musikalisches Angebot im letzten Jahr rauf und runter zu hören, scheiterte einzig und allein daran, dass mir selten der Sinn nach Weltkrieg-1-Metapher-Lyrik steht. Die halbes dutzend Male, die ich „Let England Shake“ hörte, haben mich dann allerdings wieder ziemlich überzeugt.

Ein Jahr lang hat sich Polly Jean Harvey mit den Lyriks beschäftigt. Hat Geschichtsbücher gewälzt, Verse umgeschmissen, Formulierungen gesucht, gefunden und verworfen. Am Ende blieb die Hälfte übrig. Die Texte sind Anklagen an ihr Heimatland, das nach wie vor – und damit steht England weiß Gott nicht alleine - auf Imperialismus und rücksichtslosen globalen Durchsetzungswillen setzt. Die Musik eine mir unerklärliche Mischung aus Folk, Marschmusik und altem Rock’n’Roll und Rock-A-Billy. Eine Mischung, die ich so in der Summe noch nie gehört habe. In dieser Hinsicht ist sich PJ Harvey wieder mal darin selbst treu geblieben, dass jedes ihrer Alben komplett anders und doch wieder total nach PJ Harvey klingt. Patti Smith sagte mal letztens irgendwo, so ein Song wie „ The Words That Maketh Murder“ wäre ihr auch gerne eingefallen. Ich sage, drei Viertel der Weltbevölkerung wäre er gerne eingefallen, ein Viertel würde ihn vielleicht gerne verbieten. Aber er fällt eben doch nur PJ Harvey ein.

Manchmal grollen sie von Ferne heran, die Töne. Und wenn sie näher kommen, wartet überraschend eine Zither auf sie. Mit dem Einsatz dieses eher im häuslichen Kontext der Familienmusik verhafteten Instruments lässt PJ Harvey eine wunde Besorgnis mitklingen, die die „große“ Politik wieder auf die Lebensgegebenheiten derjenigen zurückbricht, die die Staatsinteressen und deren Durchsetzung mit mitunter kriegerischen Mitteln immer mit voller Wucht zu spüren bekommen. Aus einem dichten, aber irgendwie auch zarten Sound formen sich PJ Harveys Worte heraus, als würden sie aus der Musik direkt entstehen. Ich habe dieses Jahr keine Platte erlebt, wo Musik und Text so stark miteinander in Verbindung stehen, wie auf „Let England Shake“. Nicht dass sich beide Elemente schnöde ineinander verschränken würden. Das eine wirft aber Schatten und Licht auf das andere zurück. Musik und Text stehen jeweils auch ganz unabhängig da, als würden sie durch das andere Element ihrer selbst nur noch bewusster werden. Die holprig eingebundenen Samples und offensichtlichen Zitate verstärken den Drift zur Reflektion noch: Sie verkannten frühe Zeugnisse des Aufbegehrens (1970er Reggae mit Niney The Observers „Blood & Fire“), der Sehnsucht (das in den 1920er Jahren entstandene „Kassem Miro“ von Said El Kurdi, wiederveröffentlicht auf "Give Me Love - Songs Of The Brokenhearted") und des Forderns nach Gerechtigkeit (1959er Rock’n’Roll mit Eddie Cochrans "Summertime Blues") in die Songs wie eingeschlagene, den reibungslosen Ablauf störende Klötze.

Und so packt PJ Harvey mit „Let England Shake“ England bei den Eiern, so wie sie als Kind von ihrem Vater das Abklemmen von Schafsbockhoden gelernt hat (ihr Vater selbst war dazu zu zart besaitet): Mit fachkundigem, gleichzeitig energischem und sensiblem Griff. Ob England laut aufschreit, bevor die Eier mangels Nachschub absterben? Als Soundtrack für durchfrorene Nächte im Occupy-Camp taugt „Let England Shake“ jedenfalls allemal. Nur leider habe ich aus keinem Zelt bisher derlei schallen gehört. Vielleicht muss ich aber auch einfach noch näher ran gehen.

PJ HARVEY let england shake

2011

PATRICK COSTELLO frailt wieder täglich

2012-01-02T12:10:00.018+01:00

PATRICK COSTELLO

Without this guy I couldn't have done to play an instrument. So I owe a lot to Patrick Costello. This is just an information for all of those who are interested in his video-workshops: Costello's "Daily Frail" is back. The first lesson is about playing guitar, but I'm sure he will also teach clawhammer-banjo in further lessons, as he did in the past.

According to the Daily Frail site the "Workshops will only be online for 24 hours, with a monthly archive available on DVD..."

A few of my faves from earlier workshops:

Blues banjo stuff.

That funky C7 hammer-on lick.

Cumberland Mountain Deer Chase.

The classic "Frailing Banjo Lesson One". 430,000 hits.

OZEAN short story

2012-01-01T23:26:00.003+01:00

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In den Ozean fallen.

Durch ein Spalier von Laternenfischen in die Tiefe gleiten.

Unten ankommen und schlechtgelaunten Kiemenatmern begegnen.

Von Schiff gerettet werden, das leider überladen ist.

REIN INS 2012

2011-12-31T11:56:00.006+01:00

All den zahlreichen Lesern von ZU-ZEITEN wünsche ich ein tolles 2012. Kommt da gut rein, und lasst euch nicht von den neuen, unerklärlicherweise legalen Monsterböllern den Kopf wegblasen.

Ahrensfeld

ASSOCIATES es ist freitag es ist ostern

2011-12-30T13:12:00.005+01:00

ASSOCIATES fouth drawer down
1981

Heute im Test: Associates (ohne vorangestellten Artikel!): "The Affectionate Punch" habe ich vor Ewigkeiten verkauft, "Sulk" habe ich vor Ewigkeiten verkauft, "Fourth Drawer Down" habe ich behalten. Wegen "Tell Me Easter's On Friday". Und besonders wegen "White Car In Germany" - das ist einer derjenigen Dinger, die mich in Dekaden nie verlassen haben. Und "Easter's" hat zudem noch einen absolut tollen Mittelteil, wo der Bass so reinmumpft, alles irgendwie in die Schwebe geht - super. "The Associate" ist ein irgendwie auf damaliges Zeitniveau gebrachter "Miss-Marple"-Soundtrack, gepaart mit den Residents (deren Musik der 1970er sich übrigens auch wieder mit einiger Macht in mein Leben zu drängen beginnt) - höre ich gerade und find's immer noch sehr gelungen.

Fantastisch auch der "White-Car"-Nachklapp "An Even Whiter Car": Auf Superzeitlupe runtergepitchter Synthie-Oper-Dub. "A Girl Named Property" hat am Anfang ein tolles Synthie-Riddim (kein Wunder, ist nämlich der von "White Car In Germany"), "Q Quarters" ist ein auch heute noch musikalisch interessanter dunkler Schleicher. Also ich sag mal: Mindestens die Hälfte von "Fouth Drawer Down" lohnt sich auch 2011. Ja, ich wage sogar die Prognose, mindestens die Hälfte von "Fouth Drawer Down" lohnt sich auch 2012.

THE FALL hat hirn

2011-12-29T00:02:00.004+01:00

MUSIK 2011

Von niemandem lasse ich mich so gerne beleidigen wie von Mark E. Smith. Da traf es sich gut, dass ich dieses Jahr zufällig eine alte, in schludrigem Scheißsound ratternde Fall-Platte von 1980 in die Hände bekam, wo er diese Disziplin live vor recht ahnungslosem Wochenend-Publikum ausspielen konnte („Totale’s Turn’s (‚It’s Now Or Never‘)“). Und so nutzte ich nicht nur die Gelegenheit, mich dafür verachten zu lassen, dass ich im Gegensatz zu The Fall kein Gehirn habe, sondern eben auch mal eine alte Fall-Platte gegen eine nagelneue abgleichen zu können.

Die nagelneue heißt „Ersatz GB“, und spontan dachte ich, der gute Mark meint mit Ersatzgroßbritannien vielleicht Berlin, wo er in den letzten Jahren zusammen mit seiner Lebensgefährtin einen nicht unbeträchtlichen Teil seiner Tour-losen Freizeit verbracht hat. Ein konzentriertes Lauschen auf die Lyrics von „Ersatz GB“ offenbarte mir dann allerdings keinen wirklichen Hinweis auf Berlin, sofern ich Mark. E. Smiths mittlerweile zahnlückengeprägtes Gesangspfeifen richtig interpretiert habe, aber wer in aller Welt versteht schon Fall-Lyrics ohne Textblatt? Das lange „Monocard“ deutet seine Tauglichkeit zum Fall-Klassiker an: Eine langsame, einprägsame Bassfigur wird von Billig-Synthie, hintergründig rumkratzender E-Gitarre und Drums kantig umspült, dazwischen zischt Mark E. seine Schlagzeilen-Verse wie alchimistische Formeln in der Tradition von „Bremen Nacht“, „Hotel Blöedel“ oder „Detectice Instinct“. Das Zeug hat Potenzial für über Jahre permutierte Live-Versionen.

Auf den anderen Stücken verlässt der Beat nur selten die Schnur, das Tempo ist hoch und ich würde mal behaupten, The Fall haben schon lange nicht mehr so formvollendet und bassbetont ihren Sound vermumpft und vergroovt wie auf „Ersatz GB“. Die Powerakkord-Hardrock-Schiene ist wieder in den Hintergrund getreten. Mehr Can als AC/DC. Ich frage mich gerade, ob ich überhaupt einen einzigen Refrain gehört habe, messe aber der Antwort darauf keine Bedeutung zu.

TOM WAITS böse gut

2011-12-28T00:11:00.005+01:00

Musik 2011

Mehr Heulen von Tom Waits, der nach sieben Jahren und seiner (für mich) besten und schmutzigsten Platte – „Real Gone“ – nun wieder etwas weiter ausholt und auf „Bad As Me“ für seine Verhältnisse ein wenig geschmeidiger seine Verlust- und Verlierer-Tableaus bereitet. Geschmeidiger, aber nicht gefälliger, denn auch hier wummert immer der Untergrund mit, legt sich eine dumpfe Schicht Lebenserfahrung auf die Songs wie ein Hörsturz. Neben ein bisschen Blech, seiner Frau und Co-Komponistin Kathleen Brennan, seinen langjährigen Bandgesellen wie Sohnemann und Drummer Casey Waits und dem wie immer stilsicher haarscharf neben der Spur spielenden Gitarristen Marc Ribot, ist ihm unter anderem auch Keith Richards unauffällig und mannschaftsdienlich beim Verdrecken der Akkorde behilflich.

Die bitter-melancholischeren Songs wie „Face To The Highway“ oder „Pay Me“ sind mit die besten, die Waits je zustande gebracht hat. Auch weil Waits hier seine Stimme einfach singen lässt, anstatt sie als Tom-Waits-Stimme auszustellen. Die rhythmischen, klopfenden Blues-A-Billy-Nummern wie „Raised Right Men“ oder das Titelstück wissen durch ihre belassene Primitivität zu begeistern. Ebenso das auf old-time gebürstete „Kiss Me“, wo Waits recht einsam im Treibsand alten Schellack-Rauschens versinkt.

Die zweite Albumhälfte scheint mir etwas abzufallen, aber das kann sich mit zunehmender Hördauer auch noch legen (ich gehöre ja immer noch zu den Irren, die Musik mehrmals hören). Das 16-seitige, LP-formatige Booklet der Vinyl-Version wartet übrigens mit sehr alters- und augenfreundlicher Großschrift auf. Dafür meinen herzlichen Dank. Eine CD-Version des Albums ist dem Vinyl beigefügt.

TOM WAITS bad as me
2011

THE 13TH FLOOR ELEVATORS heul doch!

2011-12-27T09:52:00.006+01:00

Musik 2011

THE 13TH FLOOR ELEVATORS the psychedelic sounds of the ...1966 - mono-reissue 2011

Bisher war in der kleinen Zu-Zeiten-Reihe "Musik 2011" nur von Klopf-, jedoch noch nicht von Heul-Psychedelik die Rede. Das ändert sich nun, gab es doch dieses Jahr eine Wiederveröffentlichung zu begehen, die einem jahrzehntealten bahnbrechenden Geheule und Geklapper endlich wieder im adäquaten In-die-Fresse-Mono huldigt. Ich rede von der ersten Platte der texanischen 13th Floor Elevators - „The Psychedelic Sounds of …“ – die 1965/66 im Prinzip die ersten waren, die Acid-Rock nicht nur erfanden, sondern gleich zu voller, giftiger Blüte entwickelten. Sundazed, das Speziallabel für Qualitäts-Reissues, veröffentlichte heuer das Album als Mono-LP-Version, von der damals bei der Erstveröffentlichung nur wenige Exemplare in den Verkauf gelangten. Das wummert und keift einen dermaßen offensiv und gefährlich an, wie es die zahlreichen, recht dünnsoundigen Nachpressungen und CD-Veröffentlichungen der Stereo-Version der letzten Jahrzehnte nie vermochten.

MASTER MUSICIANS OF BUKKAKE klopfpsychedelik

2011-12-26T11:33:00.012+01:00

Musik 2011

MASTER MUSICIANS OF BUKKAKE totem 3
2011

Sprach ich vorhin vor zwei Tagen von ernstzunehmenden Scherzkeksen, die sich regelmäßig unter dem Namen GRAILS versammeln, könnte man noch mehr Scherze, allerdings der derben Art, unter der Projektbezeichnung Master Musicians Of Bukkake vermuten. Gute Güte, dieser Name! Ich stehe nicht auf solche Wortschoten. Ein schlimmer Herrenwitz, zusammengesetzt aus den durchaus hier musikalisch Einfluss gebenden marokkanischen „Master Musicians of Joujouka“ auf der einen und einer besonders erniedrigenden, asiatischen Pornospielart auf der anderen Seite. So verbaute mir der Name lange Zeit den Zugang zu den Master Musicians Of Bukkake. Ich konnte jedoch nicht anders, als immer wieder eingeschüchtert um sie herum zu schleichen, denn die Eckdaten klangen vielversprechend: Ein Bandprojekt aus dem Umfeld von Earth, SunnO))) und anderen dem Metallgedoome nicht abgeneigten Bands, ergänzt um den ein oder anderen Gast aus dem Kreis der Sun City Girls oder aus der ans Traditionelle angedockten Musikszene Istanbuls.

Irgendwann riskierte ich dann doch mal ein Ohr in ihre „Totem“-Albumtrilogie - und siehe da, es gefiel mir. Rurale Klopfpsychedelik durchaus in der Tradition stehend von „Six Things To A Circle“ von den Residents oder „Sense Of The Senseless“ von den Sunburned Hand Of The Man. Aber auch This Heat’s „Fall Of Saigon“ kommt mir in den Sinn, nur dass dessen fiebriger Groove der Kriegführung einer Weltmacht neueren Datums geschuldet ist, während die Master Musicians of Bukkake ihre Rituale einem altertümlichen Sonnengott südamerikanischer Wahl darzubieten scheinen. Die komplett sample-freie „Totem“-Trilogie folgt denn auch mehr dem Weg kultureller Weiterentwicklung anstatt bei In-Die-Steinzeit-Zerbombungen und Kriegstraumata stehen zu bleiben:

Wird auf „Totem 1“ noch vermehrt mittels archaisch-rituellen Klopfens eine wie auch immer erreichte Errungenschaft gefeiert, beschreibt „Totem 2“ manchmal zwischen den perkussiven Prozessen Phasen der Kontemplation: Tiefe e-gitarreske Drones und langezogene Gesänge zeugen von der gedanklichen Verarbeitung des Erreichten – durchaus auch mal in Form von Albträumen. Auf „Totem 3“ schließlich führt die Verarbeitung zu ersten symbiotischen Ergebnissen: Das Instrumentarium erweitert sich, die Musik differenziert sich aus anfänglichen tibetanisch angehauchten Brummchören, Klingeln, Flöten und Trompeten über eine geradezu fröhliche Tanzweise zu vermehrt eingebauten elektrischen Krachflächen. Am Ende steht dann nach zwischenzeitlich etwas ödem Gebetsgemurmel ein Synthesizer-Stück, dessen markantes Motiv nach einer narrativen Verfilmung der Gesamtereignisse durch John Carpenter ruft.

Wem das aber alles zu sämig und zäh erscheint, der greife sofort zu jener EP der Meistermusikanten, die sie letztes Jahr für Latitudes (Southern) aufgenommen haben: Zwei Live-Stücke, von denen „Elogia De La Sombra“ von einem unwiderstehlich motorischen NEU!-Beat angetrieben wird, der sich über 16 Minuten in das gleichnamige Gedicht von Jorge Luis Borges hineindreht.

GRAILS im motivationsverlies

2011-12-24T23:30:00.015+01:00

Musik 2011

GRAILS deep politics

2011

Auch dieses Jahr wird wieder rundum geschlagen. Denjenigen, die über die häufig gepflegte Tradition der Jahresrückblicke meckern müssen, sei gesagt, dass das kalendarische Jahresende auch meist eine Zeit ist, in der man ein wenig aus dem Arbeiten herauskommt, der Kopf aber noch so im Arbeitsmodus steckt, dass er endlich mal aus freien Stücken formulieren will, bevor dann die große, lähmende Erschlaffung der Festtage folgt. Jahresrückblicke zur Weihnachtszeit bieten sich daher gut an, diesem Formulierierungsdrang ein flauschiges Heim zu bereiten. Schallend lachend mit dem Finger zeigen sollte man dagegen auf Jahresrückblicklisten, die nur kommentarlos Name und Titel hinklatschen und denken, mit einem stumpfen YouTube-Link wäre auch nur irgendwas erklärt. Listen und Rückblicke gehören mit begleitenden Worten geschmückt, sonst sind sie (außer für den Auflister) völlig uninteressant.

Also an die Arbeit.

Gearbeitet habe ich übrigens mal für ein global aktives, amerikanisches Unternehmen, wo sich ein Tropf berufen fühlte, eine CD voll „motivierender“ Unternehmensmusik zu komponieren. Die Tracks wurden mit kurzen Beschreibungen hinterlegt, die die stimulierenden Effekte für Mitarbeiter und Konsumenten herauszustellen versuchten. Ich habe die CD leider nicht mehr finden können. Auf Tagungen kam die völlig bedeutungslose, auf Simpelstdramatik und handzahmen Midi-Sounds aufgebaute Musik auch nie zum Einsatz. Dort lief immer nur „I Got The Power” (Snap), „Simply The Best“ (Tina Turner) oder „All Together Now“ (The Farm). Umso mehr weiß ich die feine Ironie der trippigen Spießgesellen namens GRAILS zu schätzen, die eben genau mit dem Unterbau „Unternehmensmusik“ ihren sieben Giganto-Post-Rock-Tracks auf „Deep Politics“ ein subversives Fundament bereiten, um deine niedersten Kaufimpulse zu wecken, lieber Verbraucher.

Welcher Verkaufsartikel nach dem Anhören allerdings den Weg in den Warenkorb findet, vermag ich nicht zu sagen. Wird er Glück versprechen oder allgemeine Lähmung? Ich wähle letzteres. Denn GRAILS sind Meister in der Vermengung von kellerfolterig dunklen und dröhnenden Stimmungen mit ihren irgendwie hauptstromigeren Verwandten, die da wären zum Beispiel Ennio-Morricone- und ähnlich gekonnt mystifizierende Score-Kompositionen, Indien, Castaneda-Schamanentum, Strange Listening Musik von Martin Denny oder Esquivel bis zu den Töchtern von „Bilitis“. Diesmal lassen GRAILS das Pendel mehr in Richtung Morricone ausschlagen, es hat aber auch schon Alben gegeben, wo das Folterverlies durch Pappmaché-Wände aus Eso-Versatzstücken einen etwas anderen Tarnanstrich bekam. Es lohnt sich jedenfalls immer wieder, diesen ernstzunehmenden Scherzkeksen in ihre Monumentaltracks zu folgen.

Musik 2011 wird fortgesetzt

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DR. JOHN cracks unter kontrolle

2011-11-06T23:40:00.011+01:00

DR. JOHN city lights
1978

Ich kenne die erste von Dr. John, "Gris-Gris", ebenso „Gumbo“ und ebenso „In the Right Place“. Dazu noch eine Platte von 1974 in faszinierend grottiger Pressung mit faszinierend obergrottigem Cover unter dem Namen „The Nite-Tripper His Very Best“, oder so. Zu den vier genannten Platten passt noch „Desitively Bonnaroo“, die sumpfigen Glam-Stomp mit mittelgroßem Funk-Bahnhof zelebriert und bei der Alan Touissant nicht unwesentlich an den Strippen der Voodoo-Puppe zieht. Allesamt tolle Platten - und trotzdem werfe ich „City Lights“ in die Runde, sollte es einmal so weit kommen, das beste Tonkonservat des umtriebigen Doktors zu benennen. Entstanden 1978, als der Doktor den riesigen Zeremonienmeister-Federschmuck zugunsten eines gut geschnittenen, dunklen Anzugs nebst elegantem Gehstock getauscht hatte, mit dem er sich sodann echt schnieke in die Ecke einer Kunstgalerie statuierte, so zu sehen auf der Coverrückseite. Und ich glaube, er war auch kurz vorher beim Frisör, schon schön waren die Haare gelegt.

Bedenkt man nun noch, dass sich auch David Sanborn – der nicht unwesentlich dazu beitrug, dass das Gefühlssaxophon so einen abgestandenen Geschmack bekam und in der Folge die 1980er Jahre vergiftete – in die Riege der recht prominenten Studiohengste einreihte, ist es schon erstaunlich, wie überzeugend „City Lights“ doch gelungen ist. Ja, von allen Dr.-John-Platten ist es diejenige, die ich mit Abstand am häufigsten in den letzten Dekaden gehört habe. Produziert und bespielt auch unter anderem von Gitarren-Oberprofi Hugh McCracken, von dem ich mir gut vorstellen kann, dass sein Nachname nicht unentscheidenden Anteil an der Wortschöpfung „Studiocrack“ hat.

Aber jeden Gedanken an fade Studiomuckermusik kann man sich auf „City Lights“ abschminken. Nicht weil hier nicht absolut professionell rumgemuckt wird, sondern weil das Ganze auf der Basis wirklich toller Songs passiert, das Muckertum also in disziplinierte Bahnen gelenkt wird, die ich Dr. John so gar nicht unbedingt zugetraut hätte. Der Doktor ist auch gesanglich absolut auf dem Höhepunkt. Und an den Songs hat zudem noch New-Orleans-Legende Doc Pomus mitgeschrieben. Das erklärt vielleicht ein wenig ihre zusätzliche Klasse.

Und so hangelt sich jede der zwei Plattenseiten von slickem Funk mit kleinen Jazz-Umwegen über New-Orleans-betatschte und mit Backgroundsänger/innen beseelte Stücke bis zum jeweiligen Schlusspunkt, der beide Male aufs Wunderbarste in Elegie verpackt wird, und zwar durch gewohnt scharf und lang gezogene Streicherarrangements meines Lieblingsstreicherarrangeurs Claus Ogerman.

Auf der Rückseite des beiliegenden Textblatts ist der smarte Doktor in seinem gut geschnittenen, dunklen Anzugs plötzlich aus der Galerie-Ecke verschwunden. Nur sein eleganter Gehstock steht noch da wie ein überdimensionierter Zauberstab. Er hatte also auch Ende der 70er Jahre das Hexen nicht verlernt!

JOHNNY CASH minimalismus und jugend

2011-10-10T07:14:00.006+02:00

JOHNNY CASH the man in black vol. 1, 1954-1958
5-cd-box

Mir war gar nicht klar, dass Cash und seine Tennessee Two auch mal den Rhythmus nicht halten und zudem auch Einsätze schön verkacken konnten. Vol. 1 versammelt alle Sun-Aufnahmen und ein paar der ersten Columbia-Aufnahmen des jugendlichen Cash, der zu jener Zeit wohl ungefähr das Lebensalter eines Durchschnitts-Intro-Lesers gehabt haben dürfte.

Große Ewigkeitsmomente sind immer dann zu hören, wenn sich Cash und seine Mannen auf ihren Minimalismus (Cashs Donnerstimme, Akustik-Bass, E-Gitarre, Akustik-Girtarre, manchmal rurale Drums) besinnen. Leider haben sie ein ums andere Mal dieses einmalig gut funktionierende Konzept mit zusätzlichem Nerv-Klimper-Piano zu erweitern versucht, was - man ahnt es sicher - keine so gute Idee war. Trotzdem machen mir gerade diese supoptimalen Stellen nochmal klar, wie gigantisch Cash und die Tennessee Two doch waren, wenn sie sich einfach auf sich besinnt haben.

Ich spare schon auf Vol. 2.

GRIMM ein kessel schwärze

2011-09-16T23:54:00.033+02:00

GRIMM vol. 1 buch 1

Ganz in Schwarz, ein unheiliger Block erlesensten, langlebigen Papiers, auf dem luxuriös eine erhoben aufgedruckte Schabe thront. Der Einband so pappfest, dass sich an ihm jedes Ungeziefer auch in zig Jahren noch die Mandibeln stumpfreiben wird. Gedruckt für die Ewigkeit, also „bis zum Atomkrieg“ (Redakteur Lars Brinkmann) – das ist GRIMM Vol. 1 Buch 1, die erste Ausgabe eines schummrigen Kultur-Almanachs aus dem Jahre 2010 nach unserer Zeitrechnung, der so locker blasphemisch in der Hand liegt wie das Necronomicon des verrückten Arabers Abdul Al-Hazred.

Grafisch und auch thematisch kann man GRIMM durchaus als Nachfahre des legendären, 1969 von Rolf-Dieter Brinkmann und Ralf-Rainer Rygulla herausgegebenen „ACID“-Readers, lesen. „Es ist der Versuch, neue Perspektiven aus einem veränderten Kulturbewusstsein heraus zu schaffen. Ein Non-Stop-LSD-Trip alltäglichen Lebens“ beschrieb Rolf-Dieter Brinkmann die erhoffte Wirkung von „ACID“. Für das GRIMM-Projekt könnte irgendwann das Gleiche gelten – falls der Atem für noch mehr als diese eine Ausgabe reichen sollte, die immerhin auch schon wieder anderthalb Jahre auf dem grimmigen Buckel hat, was aber in Zeiten, wo sowieso alle kulturellen Zeiten bis zum Stillstand ineinander purzeln, auch schon wieder egal ist.

GRIMM hangelt sich ohne Rücksicht auf Kontinuität oder Zielgruppendefinition durch die unterschiedlichsten Bereiche von Kunst und Wissenschaft, wildert in der Musik genauso wie in den bildenden Künsten, der Wirtschaft, Biologie, Literatur, Politik und dem ghanaischen Sargschreinerwesen. Ein Bericht über das unabhängigste Bakterium der Welt findet dort ebenso seinen Platz wie eine feuchte Delirierung zu Abba-Ikone Agneta Fältskog. Der neugierige Umblätterer begegnet einer Abhandlung über die Bedeutung von Büchern für die Waffen-SS (Fazit: Ziemlich wenig Bedeutung, außer es geht um die Vermeidung von Stromschlägen beim Pinkeln von Brücken auf Starkstrommasten), ebenso wie einer Fotostrecke über eine preisgekrönten Plakatserie gegen den Irak-Krieg, wo quasi die Waffen den Kriegführenden bildlich in die eigenen Schwänze beißen - wenn man mit den Plakatmotiven Säulen im vollen Umfang umklebt.

Und GRIMM lässt dabei selten eine Gelegenheit aus, auch den P!O!P!-Schreibern mit einem warmen Strahl kundiger Sätze ans Bein zu pinkeln. Das Leben ist halt echt nicht so einfach zu erklären, böse Menschen haben doch manchmal gute Lieder, und man muss differenzieren, ohne mittels popkultureller Kontextualisierung gleich wieder zu verharmlosen („Ist doch alles nicht so ernst gemeint!“). So etwas lernt der der Kunst Verfallene, wenn die Kunst zuerst da war und man erst bei näherer Beschäftigung merkt, dass eventuell doch ein Arschloch dahinterstecken könnte. Dann muss man sich entscheiden: Die jeweilige Kunst trotzdem lieben oder sich enttäuscht abwenden. Spätestens, wenn man sich für die Kunst entscheidet, beginnt die Differenzierung wichtig zu werden.

Eine Prise Satan verstreut der Bericht über die auch von mir geschätzten belgischen, dunkeldürren Dröhndruiden „Sylvester Anfang“, die sich vor einiger Zeit in „Sylvester Anfang II“ umbenannten. Und wer jetzt ob der „II“ die Biege zu kosmischen Krautkommunen kriegt, der gewinnt einen Ziegenhoden – den man mit etwas Glück vielleicht auch in der Fotoserie finden kann, die Alfred Jansen in einem Schlachthof unserer Republik schoss. Da kann sich Deutschland endlich mal auf die Schulter klopfen: Ohne das mutige Konsumverhalten der deutschen Karnivoren wären solch ästhetisch in Szene gesetzten Motive roher Fleisch-, Fell- und Knochenberge dem Fotograf wohl nie vor die Linse bekommen. Bei einer entsprechenden Ausstellung wurden die Bilder – wie GRIMM berichtet - aus der Ferne gar für liebliche, farblich ansprechende Blätterhaufen gehalten. Da kommt das Grauen dann bei näherer Betrachtung umso schleichender angekrochen. Das verstört. Das soll es auch.

Und so gestalten Brinkmann („Die Redaktion bin ich“) und seine Designergesellen mit Detailreichtum bis zum Overkill immer wieder gegen die mancherorts streng konzipierte und nicht selten preisgekrönte Layout-Langeweile der Print-Welt an. Es gibt entsprechend viel zu gucken bei GRIMM. Kleine, dunkle Stollen optischer Reize, die in Labyrinthe unterschiedlicher Schrifttypen führen, bis man sich unversehens auf der nächsten Seite plötzlich einer fast leeren, weißen Seite gegenüber sieht, auf der nur wenige Buchstaben tanzen. Solche Layout-Wagnisse kann man nicht twittern. Die kann man noch nicht mal E-Book-en, denn gegen die haptischen Eindrücke unterschiedlichsten Papiers, das hier zum Einsatz kommt, verkommt der Bildschirm zum seelenlosen Plasmablubberer.

Was die Freude etwas trübt: GRIMM Vol. 1 Buch 1 ist ein Männermagazin. 27 von 27 Beiträgen sind von den Herren der Schöpfung erstellt, wenn mich nicht alles täuscht. Die einzige Frau, die im Umfeld von GRIMM Erwähnung findet, ist eine ältere Dame, die die Auflage von 1500 Stück handnummerieren durfte. Da sollte der Männer-Club vielleicht mal über seine Satzung nachdenken und auch Frauen nicht nur zu Handlangerdiensten die Aufnahme gewähren. Aber vielleicht interessieren sich einfach auch nicht so viele Frauen für einen kulturellen Schlagabtausch zwischen Trash-Abseiten, Schlachthof-Thrill, H.R.-Giger-Rip-Offs, barbusigen Action-Comic-Figuren in-a-hell, dezenten Satanisten-Provokationen und anderem dunklen Zeugs aus Musik, Film, Fernsehen und weiteren angeschlossenen Kunsthäusern. GRIMM ist aber wiederum auch gerade wegen seiner Unausgeglichenheit ein Gewinn. Es ist faktisch unmöglich, wirklich alle Beiträge gut zu finden, denn dann wäre man automatisch Lars Brinkmann, die One-Man-Redaktion. Und so gibt es in GRIMM Vol. 1 Buch 1 jede Menge prima Gelegenheiten, sich aufzuregen, interessante Abseiten zu entdecken, sich gammelfleischig zu ekeln, und überhaupt sich in einen faszinierend heterogenen Kosmos einsaugen zu lassen.

GRIMM Vol. 1 Buch 2 (oder GRIMM Vol. 2 Buch 1? - man weiß es nicht) sollte eigentlich schon im September letzten Jahres folgen, aber vielleicht wurde die in China gedruckte Auflage auch mitsamt Frachtschiff in irgendeinem Ozeansturm von dunklen Mächten in die Tiefe gezogen. Denn auch da unten am Meeresgrund möchte man womöglich etwas Erbauliches zum Lesen haben. Und mit ein bisschen Wohlwollen der Mächtigen könnte das Meer die Auflage etwas später ausgelesen wieder ausspucken. Vielleicht erscheint GRIMM 2 dann ja frisch gewaschen in Weiß, wie John und Yoko. Die Brinkmann übrigens nicht mag, soviel ich weiß.

Restexemplare von GRIMM Vol. 1 Buch 1 sind vielleicht noch in gut sortierten, aber extrem unaufgeräumten Bahnhofsbuchandlungen zu finden. Ansonsten einfach mal bei grimmoire.de nachfragen.

Nach neuesten Informationen erscheint die zweite Ausgabe voraussichtlich Anfang 2012. Bleibense dran.

Alle Fotos: grimmoire.de

HELENA ESPVALL & MASAKI BATOH erntedank in babylon

2011-06-02T00:04:00.027+02:00

HELENA ESPVALL & MASAKI BATOH overloaded ark

2009

Keine Musik hat mich die letzten Monate fröstelnder gemacht als Helena Espvalls „Travessa do Cabral“, zu finden auf einem Tribut-Album zu Ehren des amerikanischen Stahlsaitengitarristen Robbie Basho - „We Are All One, In The Sun“. Getrieben von diesen eiskalten Cello-Spuren, angeschupst von Espvalls Cello-Arbeit bei den zeitlupig drone-igen Philly-Folkern Espers - jener wundersamen, leider auf Eis gelegten Band der lebenden Giacomettifigur Greg Weeks - las ich ein paar kurze Zeilen über Helena Espvall in „Seasons They Change“, dem gekonnt narrativen Rundumschlag von Jeanette Leech über alles, was unter den eierigen Begriffen „Acid And Psychedelic Folk“ kreucht und fleucht, selbst wenn die Kreuchenden und Fleuchenden gar nicht wissen sollten, dass sie unter „Acid And Psychedelic Folk“ kreuchen und fleuchen. Muss man aber auch nicht immer auf die Goldwaage legen, die strenge Zuordnung. Unterhaltsames Buch jedenfalls.

Nun, jedenfalls wurde meine Aufmerksamkeit auf Helena Espvall gelenkt. Ich wollte ihren Spuren ein wenig folgen und gelangte dabei zu den beiden Alben, die sie mit dem japanischen Grateful-Kraut-Barden und Bandleader der Free-Impro-Gong-Inkarnationsgruppe Ghost – Masaki Batoh - aufnahm. Ist der erste Versuch der beiden für mich nur dadurch interessant, dass ich Kulturfremder offensichtlich noch nicht mal finnische von japanischer Folklore zu unterscheiden in der Lage bin (denn genau das meinen meine laienhaften, am Finnischen und Japanischen gänzlich untrainierten Ohren hier zu hören), habe ich dagegen einen kleinen Narren an ihrem zweiten Werk – „Overloaded Ark“ – gefressen.

Ich höre dort angedubbte, länger dümpelnde Tracks, die klingen wie an den Marktgeräuschen Babylons orientiert. Dann wieder sind's kleine heimelige, ganz leicht angepschyschedelischte Weltfolk-Intermezzi, in lustigen Sprachen intoniert (Finnisch? Schwedisch? Latein? Französisch?) und mit Seele durchhaucht, ohne ein dramatisch überschnappendes Gesangsorgan bemühen zu müssen. Die Espvall staubt halt nicht groß rum, um auch gesanglich zu überzeugen.

Die beiden Hauptprotagonisten an Gitarre, Cello, Harfe, Electronics, Orgel, Sho und Banjo holen sich übrigens kompetente Verstärkung durch die Bandkollegen von Ghost in Form von Junzo Tateiwa und Kazuo Ogino ins Archenhaus. Die bedienen zwar neben Drums, Perkussion und Piano auch so rätselhafte Instrumente wie Darbuka und Riq, können aber trotzdem nicht gegen die noch viel rätselhafterer geheißenden Instrumente anstinken, die der Meister antiker Musiken, Haruo Kondo, beisteuert: „Rauschpfeife, Crumhorn, Cornamuse, Hurdy Gurdy“. Allein die Poesie dieser Wortreihenfolge ist das Geld der Platte wert. Und natürlich erst recht, was die Beteiligten an musikalischen Exzerpten so damit raushauen.

In meiner verkorksten Fantasie feiern und tanzen auf derlei STOFF wie das fröhlich eröffnende „Little Blue Dragon“ nachts schottische, isoliert lebende Inselbewohner, wenn sie kurz zuvor in der Dämmerung ein brennendes Menschenopfer dargebracht haben, um den schlechten Ernteertrag der letzten Jahre für die Zukunft zu beenden. Da fällt mir ein: Hilft ein Menschenopfer eigentlich auch dabei, meine armseligen Fertigkeiten auf dem Banjo zu verbessern?

Ziehen wir diese Frage zurück und widmen uns lieber weiter der üppigen Landschaft von „Overloaded Ark“, die auch durch das an prächtigen Gelb- und Orange-Farben reiche Coverfoto in gleißendem Licht erscheint. Das Foto zeigt übrigens keine Prozession unbekannten Inhalts im Nahen Osten zu Zeiten der Arche Noah, sondern vermutlich eine Szene in Japan des 21. Jahrhunderts (Möbeltransport?), als zu gleißendem Licht in der japanischen Natur noch nicht der fade Beigeschmack von Caesium hinzu assoziiert wurde.

Auch auf der Coverrückseite sieht man die beiden Protagonisten noch friedlich an der japanischen Küste wasserumspült am Strand sitzen. Sie schauen zu uns auf wie junge Erwachsene, die das Leben noch vor sich haben. Aber als hätten sie den aktuellen japanischen Super-GAU schon 2009 geahnt, zieren Fotos vom atomar zerstörten Nagasaki den Label-Aufdruck der Vinylausgabe.

So freundlich und harmlos wirkt die Musik auf „Overloaded Ark“ nämlich gar nicht. Sie ist vielmehr durchsetzt mit dezent unheimlichen Stimmungen, wie sie unbeleckte Hörer befallen können, wenn sie Musik gewahr werden, deren Zusammenhang ihnen ein Rätsel ist. Denn fehlt die Kenntnis des Zusammenhangs, entspringt noch dem unschuldigsten Laut die vage Möglichkeit, dass er es nicht gut mit einem meint. Und einmal sogar versucht ein Track, mit unvermittelt einsetzendem fiesen Fiepen das Hörerohr zu sprengen! Ein Rat zur Güte: Lass dich drauf ein, aber erwarte nicht, dass es für dich automatisch ein gutes Ende nimmt.

ZUZEITEN-REDAKTIONSORCHESTER bis morgen

2011-05-29T23:13:00.011+02:00

Aufbruchstimmung in der Zu-Zeiten-Redaktion. Die für eine Stunde anberaumte außerplanmäßige Sitzung des Redaktionssicherheitsrats ist nach ungefähr zehn Minuten bereits beendet. Vielleicht hätte man den Termin auch nicht unbedingt auf einen Sonntag legen sollen. Jedenfalls wurde der Tagungspunkt – Mitarbeit an einem durchaus nicht uninteressanten Indie-Projekt mit angeschlossener Label-Präsentation – in beachtenswerter Eile abgehandelt:

Redaktionsmitglied Musicmatic lehnte eine Mitarbeit dankend ab mit der einleuchtenden Begründung: „Spätestens dann, wenn so was zur Pflicht ausartet, hab ich darauf keine Lust mehr “. Lustigerweise hat das völlig pflichtlose Abhängen von Monsieur Musicmatic in der Zu-Zeiten-Redaktion trotzdem nur zu einem (!) Artikel in vier (!) Jahren geführt.

Brinkmann a.k.a. GRIMM - per Skype aus den somalischen Gewässern zugeschaltet, wo er die Schiffspassage der gesamten Printauflage der zweiten GRIMM-Ausgabe überwacht - wirkt unkonzentriert. Der Vorschlag einer Mitarbeit sei „goldig“, entfährt es ihm, während er recht hektisch Waffen an die Schiffscrew verteilt. Vielleicht will er uns auch nur durch die Blume zu verstehen geben, dass er im Moment verdammt noch mal andere Dinge zu tun hat, als Indie-Portale mit seiner Feder zu veredeln.

„Und du, Ahrensfeld? Du tust doch sonst alles, um berühmt zu werden! Für dein Geltungsbedürfnis ist so eine klickratengeile Indie-Windie-Veranstaltung genau das Richtige“, kann sich Brinkmann noch zu einem seiner gewohnt vorsichtig formulierten Einschätzungen durchringen, bevor die Skype-Verbindung abbricht.

Tja, ist das wirklich was für mich? Ich halte es da doch lieber mit Musicmatic: Wenn’s zur Pflicht wird, macht’s nicht mehr soviel Spaß. Werde gleich morgen mal eine Pressekonferenz einberufen und das Ganze als gerade noch abgewendete feindliche Übernahme verkaufen. Bisschen Wirbel kann für die erbärmliche Zu-Zeiten-Klickrate nicht schaden.

Wie gesagt, in zehn Minuten statt einer Stunde ist das Thema durch gewesen. Blieben noch fünfzig Minuten zur freien Verplanung. „Möchte nicht vielleicht noch jemand einen Nachruf auf Gil Scott-Heron …“ - „Bis morgen!“, flötet die blutjunge, stinkfaule Praktikantenschar in den Satz hinein und stromert zum Ausgang. „Bis morgen, bis morgen – verdammte blutjunge, stinkfaule Praktikantenschar!“ flöte ich zurück.

„Dann kann ja der Rest der Redaktion seine Instrumente auspacken, schließlich wollten wir uns sowieso demnächst wieder zum ZuZeiten-Redaktionsorchester zusammenfinden, um …“, will ich noch einwerfen, um die Stimmung zu retten. „Hab’ den Sampler zu Hause gelassen. Bis morgen, lol“, fällt mir Musicmatic ins Wort und verschwindet urplötzlich nach Süddeutschland. „Ihr kriegt mich nicht klein! Ihr nicht!“ rufe ich noch hinterher – und mache mich kurz darauf in aller Stille über mein Banjo her.

Bis Morgen by wahr

BOB DYLAN zum 70sten: überlagerungs-dub revisited

2011-05-26T23:47:00.008+02:00

der dylanologen-kongress has left the building

Was ich lange, lange Zeit an Dylan so verabscheute - seine Uneindeutigkeit, seine gleichzeitig in allen Zeiten verpflanzte Musik, seine Nachlässigkeit und Sprunghaftigkeit dem eigenen Material gegenüber - kumulierte in meiner völligen Intoleranz gegenüber seiner Stimme. Ich spürte schon immer irgendwie, dass sie der Schlüssel zu seiner Gesamtkunst darstellt, der Kern dessen, warum sie nicht greifbar ist. Ich spürte auch, dass ich Dylan eigentlich gut finden müsste. Dass ich es nicht tat, machte mich seinem Werk gegenüber zynisch und herablassend. Dylan war für mich ein erledigter Fall, mein Fall sowieso nie, und allenfalls erträglich, wenn jemand einen Dylan-Song coverte, was immer der Dylan-Version vorzuziehen war. Das machte mich noch wütender gegenüber seinem Werk. Wieso schaffte der Typ es nicht wenigstens, seine eigenen Songs am überzeugendsten zu spielen? Wieso konnten selbst das andere besser als er?

Dann hörte ich zufällig eine aktuelle Platte von ihm - „Modern Times“ - und fand plötzlich seine Stimme sehr angenehm sanft und Dylan-fremd. Aber auch „Modern Times“ war nicht einfach für mich. Mich störte, dass Dylan alles zusammengeklaut hatte. Ich las, er hätte ganze Passagen aus fremden Songs und Texten zusammengetragen und zum Teil wortwörtlich übernommen. Für die Musik galt das gleiche: Keine Sekunde war neu, die Songs waren aus bekannten Versatzstücken zusammengebaut, trotzdem autorisierte er sie als Dylan-Kompositionen. Aber das geht doch nicht, empörte ich mich, wo bleibt denn da die Eigenständigkeit? Klaut einfach und gibt es als das seine aus! Ich hatte daran zu knacken (und sah erst später, dass die Kunst darin liegt, das vorliegende Material sich überlagern zu lassen, woraus sich eine andere, ganz eigene Textur ergibt; im Prinzip baut sowieso alle Kunst auf vorher von anderen geschaffener Kunst auf - Gegenbeweise nehme ich gerne entgegen).

Die Songs auf „Modern Times“ jedenfalls waren mit einer großen Lockerheit gespielt. Seine Band schien musikalische Geschichten und Querverweise der amerikanischer Pop-Kultur schlafwandlerisch aus dem Ärmel zu ziehen. Ich war fasziniert - und froh, endlich einen Zugang zu Dylans Stimme gefunden zu haben. „Modern Times“ wurde die erste Dylan-Platte, die ich mir kaufte.

Von hier aus können wir schneller skippen: Von diesem winzigen ersten Zugang zu Dylans Stimme aus rollte ich das Feld von hinten auf: Ich las Heinrich Deterings Dylan-Büchlein von 2007 (Reclam), besorgte mir „Dylan Live 66 (The Bootleg Series Vol. 4)“ und war total begeistert von der rauen Musik und der arrogant-irrisierenden Aura des Gipfelstürmers und Enigmaten, den Dylan 1965/66 darstellte. Ich lernte seine Art des Gesangs und der Intonation zu schätzen. Ich kenne eigentlich niemanden, der Verse in dieser Weise in den Sog ziehen, peitschen, betonen und formen kann, wie Dylan es zu seiner Punk-Zeit 1965/66 vermochte. Außer Johnny Rotten vielleicht, der eine ähnlich pointierte Leistung hinbekam, als er beispielsweise „I don’t want a holiday in the sunnnya!/ I just wanna go to the new Belsennnya“ sang.

Dylans „Holidays In The Sun“ heißt „Subterranean Homesick Blues”, ein atemlos virtuoser, schneller Versfluss, erschienen 1965 auf „Bringing It All Back Home“. Eine unerreichte Fluchtfahrt durch Amerika, die das äußere nach innen kehrt. Die Musik ein schnelles, dichtes elektrisch-akustisches Gelärme, noch so gerade als Blues erkennbar. In Form gehalten durch Dylans virtuosen Schnurgesang. Es gibt auch reine Folksongs auf „Bringing It All Back Home“, jedoch mit einer Schärfe und Attitude gespielt und gesungen, dass sie den elektrischen Songs in nichts nachstehen.

Beispielsweise auf „Gates Of Eden“ oder auch „She Belongs To Me“ bekommen die Lyrics eine nachdrücklich rhythmische Betonung (statt eine melodiöse), wie sie so ganz ähnlich auch im Hip Hop Jahre später eingesetzt wurde. Sowieso hat der Dylan (nur zu jener Zeit? Zu allen Zeiten? Zu bestimmten Zeiten?) ein ähnliches Sprechgefühl wie viele Rapper sie haben. Ich sehe da starke Ähnlichkeit zum Beispiel zu Rakim. Dylan selbst war/ist ja HipHop ziemlich zugetan, er arbeitete mit Kurtis Blow zusammen, der ihn mit Public Enemy, Ice T. und N.W.A bekannt machte. In seinen „Theme Time Radio Shows“ verirrt sich auch immer mal wieder ein HipHop-Track.

Auch toll: Dylan 1965/66 klingt arrogant wie Sau! Du kannst ihm nichts, ich kann ihm nichts, the Government kann ihm nichts. Er arbeitet nicht mehr für jemand anderen. Auf Interviewfragen gibt er Nonsense-Antworten, er versteckt sich hinter seiner Sonnenbrille, den Wuschelhaaren, verrätselten Versen und dem schrammeligen Strom seiner Songs. Dylans Ich war hinter der Linse seiner Kunst nicht scharf zu stellen und ist es bis heute nicht.

Und dann merkte ich irgendwann, dass ich auch über meine Liebe zu Dub-Reggae zu Dylan hätte finden können. Denn Dylan und Dub geht gut zusammen. Auch im Dub wird der Autor vom Track entfernt, durch Elektromechaniker und Tontechniker wie Scientist und King Tubby auseinandergenommen und seiner Ich-Bezogenheit beraubt. An dessen Stelle tritt der abstrakte Effekt, oder ein anderer Sänger oder DJ (oder ein DJ, der über einen anderen DJ drübersingt, der über den Sänger drübersingt).

Aus Zitaten und ganzen Originalpassagen eines Reggae-Tunes entstehen so im Dub wieder neue Texturen, wie bei Dylan, der sich den gesamten Schatz amerikanischer Folk-, Blues-, Country- und Rockmusik einverleibt und mit geklauten Passagen eines japanischen Yakuza-Romans verschränkt, was im Dub der Phase entsprach, als Geräusche und Kontexte von Bruce-Lee-Kung-Fu-Filmen die Dubversionen in neue Zusammenhäge stellten. Auch Dub-Adepten wie Moritz von Oswald entziehen ihren elektronischen Dubs das eigene Ich, geben keine Interviews und lassen sich nicht per Foto oder Film personalisieren. Und Sie dachten jetzt, das kommt bei Oswald/Rhythm&Sound/Basic Channel wegen Elektronik-Background, Weißmusterplattendingens, Pseudonymenspiel und Anonymisierung im Techno-Kontext, was? Hahaha! Aber es kommt von Dylan, Dylan, Dylan!!! Nur Dylan! Lasst mich! Weg! Lasst miph…!!!

("wahr" wird überwältigt, szenerie verdunkelt sich, man hört beruhigend einredende stimmen, bis auch sie verhallen)

„I’m Not There“, der episodische, Dylan kaleidoskopisch spiegelnde Film, ist übrigens nicht so toll. Vielleicht, weil sich Dylan dann eben doch nicht in die einzelnen Phasen seiner Kunst/ seines Lebens aufspalten lässt, ohne dass selbst in der Summe Essenzielles verloren geht.

URGE OVERKILL tauchgang

2011-05-18T23:41:00.022+02:00

URGE OVERKILL - rock & roll submarine

2011

Gestern gekauft. So richtig klassisch im Plattenladen statt im Mailorder. Als LP. Und ich muss nach dem ersten Hören sagen:

Urge-Overkilliger Hard-Rock auf gewohnt hohem Niveau. "Rock & Roll Submarine" hat vielleicht nicht immer ganz die Songoberklasse von "Saturation" (1993!!), aber das kann auch erstmal täuschen. Härter, elektrischer, dichter jedenfalls als die letzte Studioplatte "Exit The Dragon" (1995!). Aber auch ein paar zarte Stellen sind darunter, wo der Harmoniegesang ganz ohne konterkarierendes Riffwesen glänzen darf.

Gute Platte. Nach dem zweiten Durchhören sage ich: Sehr gute Platte. Schön auch das Cover mit dem Rock'n'Roll-U-Boot. Weitere Details der Verpackung offenbaren für den Hobbybastler in uns den Bauplan des U-Boots und die Band im Steuerraum (wo sonst?) inna Comic-Style. Das Submarinen-Setting ist natürlich eine Steilvorlage für platitüdischen Symbolismus, dem ich mich gerne hingebe: Tauchen sie jetzt so richtig wieder auf oder bald schon wieder so richtig ab? Ich hoffe ersteres. Wir hätten es verdient. „Überraschendste Rückkehr der letzten Jahre“ sagte mein Plattenladenfachverkäufer beim Eintüten. Wir mussten beide lachen. Urge Overkill machen immer noch Spaß.

LP kommt mit DL-Code. Vinyl-Pressung ist tadellos.

GARCIA & GRISMAN selbstverständlich klingt es

2011-05-07T00:49:00.016+02:00

Jerry Garcia & David Grisman
1991

Ich poste das weiter unten verlinkte YouTube-Video nur deshalb, weil ich lange Zeit das Gefühl hatte, das Musikstücke, die im Umfeld er Grateful Dead entstanden sind, mich, wenn überhaupt, dann immer nur zufällig kriegen würden. Nie als Bestandteil bestimmter Platten, nie als Bundle. Tatsächlich hatte mich noch keine einzige Platte von den Grateful Dead überzeugen können. Aber wenn ich in ganz anderen Zusammenhängen ohne Absicht auf etwas aus ihrem Dunstkreis stieß, dann hatte es mir meist doch gefallen. So z.B. der Soundtrack Jerry Garcias zur „Twilight Zone“-Serie, oder eine Liveversion von „Dear Prudence“ als YouTube-Video.

Und so eben auch der Track von Jerry Garcia & Mandolinist David Grisman, den Banjo-Bauer Neil Turner einem Video unterlegt, das im Zeitraffer zeigt, wie Neil einen Banjohals aus einem einzigen Stück Holz herausarbeitet. Zufällig hat Neil Turner auch den Hals meines Banjos gefertigt. Aber ich lasse diesen Umstand nicht als Besonderheit und unzulässige Voreingenommenheit gelten. Der Song heißt "Dreadful Wind and Rain". Ausnahmslos jeder Mensch wird ihn als gut empfinden. Das steht für mich außer Frage.

Und jetzt kommt das Wunder: Ich besorgte mir daraufhin tatsächlich eine CD von den beiden - „Jerry Garcia & David Grisman“ von 1991 - und war sofort tranquiliert von der meisterhaften Entspanntheit, mit der die beiden in totaler Selbstverständlichkeit die lockerste Folkmusik der Welt aus Gitarre und Mandoline (sparsam begleitet von Standbass und Perkussion) heraushauten. Der Bann war gebrochen: Ein Album aus dem Dead-Umfeld überzeugte mich von der ersten bis zur letzten Sekunde. Es gibt Tage, da kriege ich von diesen in tiefsten Tiefen amerikanischer (und auch mal arabischer) Kultur versinkenden Folk-Tauchgängen nicht genug.

HEAD OF WANTASTIQUET schlurfende zusammenkunft

2011-05-05T23:14:00.021+02:00

HEAD OF WANTASTIQUET

dead seas

2010

Wenn Platten auf Label veröffentlicht werden, die Mad Monk, Eclipse und Conspiracy Records heißen, wenn eine Violine altersschwach und dröhnsägend durch zeitlupig rumpelnde Banjos fährt, wenn wisperiges Genuschel mehr sagt als tausend vernünftige Worte, wenn erschöpfte E-Gitarrenverzerrungen ihre letzten Atemzüge an schwer zugänglichen Hügeln hauchen, dann ist Paul LaBrecque – in Belgien ansässiger Schwippschwager im Geiste der Sunburned Hand Of The Man – meist nicht weit.

Im letzten Jahr schien der gute Paul einige unheimliche Zusammenkünfte mit Gleichgesinnten im Land der Toten Seen abgehalten zu haben. Head Of Wantastiquet's „Dead Seas“ ist auf wackeligem Boden stehende Ritualmusik. Erschlafft, primitiv, irgendwie abgenutzt klingt sie, als würde sie im Schlurfschritt immer wieder am Opferstein gerieben. Nur zufällig kann sie den Weg in ein Aufnahmegerät gefunden haben. Es scheint nicht erwünscht, ihr außerhalb der Zeremonie zu lauschen. Die Musik gefällt nicht mit Könnerschaft und Kompositionskunst. Die Fähigkeiten der Musiker scheinen mit dem zeitlupigen Gezupfe ihr unseliges Maximum erreicht zu haben. Die Musik auf „Dead Seas“ scheint keinen Wert an sich zu haben. Sie macht nur Sinn innerhalb einer bestimmten Zeremonie. Dort befeuert und unterstützt sie die vor langer Zeit festgelegte Abfolge der Riten. Mal freundlich, mal grimmig. Mal pluckernd, mal dröhnig. Irgendjemand in der kleinen, sozialen Gemeinschaft muss sie halt spielen, also werden diejenigen ausgesucht, die es einigermaßen hinbekommen, damit das Ritual stattfinden kann, denn nur das Ritual ist wichtig, nicht die Musik.

Und so wird ein nicht eingeweihter Zeuge dieser Geschehnisse zu einem heimlichen Zuhörer. Ängstlich legt er eine Hand über die Pegelanzeige seines Aufnahmegerätes, damit ihr Leuchten ihn nicht verrät. Aufs Geradewohl schießt er ein Foto aus seinem Versteck in den hohen Gräsern der Lichtung. Leidlich geschützt durch Dämmerlicht und dünnen Rauchschwaden. Später wird er sich das Foto anschauen. Er wird undeutliche Gestalten über ihm aufragen sehen. Einer wird einen Stoffumhang tragen, dessen Kapuze eine undefinierbare Schädelform umschließt. Geweihartige Zweige scheinen aus dem Schädel zu wachsen. Eine zweite Gestalt im Hintergrund wird durch eine schmalere Kopfbedeckung auffallen, aus der rückwärtig eine sehr lange Feder fast horizontal herausragt. Die Tonaufnahmen wird der heimliche Zuhörer später in Ermangelung eines besseren Titels nach dem Landstrich benennen, in dem dies alles geschah: „Dead Seas“. Immer wieder wird er die Aufnahmen hören, um sich immer wieder durch ihre Existenz seiner Erlebnisse zu vergewissern. Der ahnungslose Zeuge weiß bis heute nicht, ob er zusammengekauert im lichten Gras wirklich unentdeckt geblieben ist, oder ob die seltsame Gesellschaft ihn nur einfach aus völligem Desinteresse nicht weiter beachtet hat.

DEERHOOF bekannt verzogen

2011-05-04T23:43:00.015+02:00

DEERHOOF deerhoof vs. evil

2011

[cover-rückseite]

Die Rezeption von Deerhoof ebbte mit dem Erscheinen von „Deerhoof vs. Evil“ Anfang des Jahres in den einschlägigen Blogs/Mags ziemlich schnell ab, schien es mir. Ich las leise Enttäuschung daraus - trotz der Titelgeschichte im WIRE (dessen positiver Grundton von der darauf folgenden Rezension wieder relativiert wurde). Wahrscheinlich erwartete man einen ähnlichen Klopfer wie den Vorgänger „Offend Maggie“, der mit dem Neuzugang von Ed Rodriguez als zweitem Gitarristen großenteils mitreißenden Beefheart-Rock zum Besten gab, bei dem das polyphone Spiel von Drummer Greg Saunier sowieso den Verdacht nahe legte, er wäre in den Besitz geheimer Schlagzeug-Pattern von Magic-Band-Drummer John French gelangt.

„Deerhoof vs. Evil“ wirkt im Vergleich dazu auch erstmal etwas ernster, mehr wie eine einzige, während einer Außendiensttagung in Arbeitsgruppen zusammengesetzte Pachwork-Komposition. Auch die helle, dünne Stimme von Satomi Matsuzaki, der schon mal vorgeworfen wird, sie klänge eindimensional und affektiert naiv („one dimensional cutesy-poo vocals“ WIRE, März 2011) trägt nicht unbedingt dazu bei, eine gewisse Angestrengtheit zu verbergen.

Trotzdem ist es nicht ganz fair ist, Satomi Matsuzaki ihre Bubidu-Stimme vorzuwerfen. Denn sie steht im interessanten Kontrast zum gegenläufigen Krach und den kleinen Zickigkeiten, die auch auf „Deerhoof vs. Evil“ wieder um sich greifen, aber eben kleinteiliger und präsenter als auf dem rifforientierten Vorgänger. Ganz harmonisch passt die Stimme natürlich zu den gar nicht mal so selten Bossanovismen, die sich in die Arrangements schleichen wie ein verdeckt arbeitendes Ermittlerteam, das plötzlich öffentlich zuschlägt. Vielleicht ist diese Kleinteiligkeit wirklich ein Ergebnis der vergrößerten räumlichen Trennung der Band, sind sie doch mittlerweile vom heimischen San Franzisko aus in alle Winde verstreut worden (New York, Tokyo, Wisconsin, Oregon).

Und so schultern Deerhoof ihren Sound anders als vorher. Etwas pathetisch formuliert: Die Fackel der Perkussion - auf „Offend Maggie“ noch mehrheitlich von den Drums gewuppt - wird hier auf alle Instrumente übertragen. Es werden sozusagen kleine Perkussionsfackeln gezündet. Jawohl, sie leuchten mit entzückenden - zum Glück auch manchmal ungesunden elektronischen – Farben!

Großes Lob von meiner Seite für die vinylfreundliche Kürze des Albums. Bei einer Spielzeit von gerade mal 30 Minuten schmeckt jeder Soundhappen hier noch mal so gut, so tief, so hoch, so bass. Also an all die Trillionen Musiker da draußen, die diesen Blog lesen: Macht Alben, die 30 Minuten gehen. Gerade in der heutigen Zeit, in der ja bekanntlich immer alles schnell, schneller, schnellerer geht, müssen auch Alben schnell, schneller, schnellerer zu Ende gehen. Kein Schwein hört mehr als 30 Minuten dieselbe Musik! Eigentlich reichen 15 Minuten auch. Also eine LP-Plattenseite. Man kann sich erstmal ausruhen und dann die Plattenseite umdrehen, wenn man noch Lust dazu hat. Wer keine LPs kauft, kann auch die CD umdrehen, oder den i-Pod. Dreht den Computer um! Seid kreativ! Nutzt die elendigen Produkte der Warenwelt entgegen ihrem bestimmungsgemäßen Gebrauch! Seit wie Deerhoof und kämpft gegen das Böse!

MIKE WATT in opernstimmung

2011-05-03T16:26:00.007+02:00

MIKE WATT

hyphenated-man
2011

Mike Watt, Mann! Sieben Jahre ohne Platte, Mann. Hat sich an seine Taten mit den Minutemen erinnert. Als Songs anderthalb Minuten gingen (wenn’s hoch kommt) und sie’s dem Punk-Publikum gezeigt haben. Ihr wolltet „No rules for Punk“? Ihr bekamt „No rules for Punk“! Nämlich Punk und Hardcore nicht als klischiertes Sparsamstakkord-Geschwindigkleitsgeschrabbel, sondern als vertracktes, schnelles, muskuläres BassBassBassDrums-Gefrickel mit dünner E-Gitarre und Agit-Lyrics aus dem Leben einer Freundesbande. Oder als Folk, als Mainstream-Übung, als Free Jazz. Gesungen wie man spricht, gespielt wie eine Provokation an Punk-Fetischisten. In Flanellhemden und Normalo-Jeans. Klamotten, die nicht nur aussahen wie Trag-ich-immer-Klamotten, sondern die so sehr Trag-ich-immer-Klamotten waren, dass Bühnenbewacher die Minutemen als Fußvolk betrachteten und nicht auf die Bühne zu ihren Instrumenten ließen. Deshalb hing die Band immer schon vorher auf der Bühne ab. Die Schicht muss pünktlich beginnen. Ehrensache.

Das ist 25 Jahre her. Und nun hat sich Watt wieder daran erinnert. An D. Boon und George Hurley, Mann. Und wie gut es tut, zu dritt kurzen, ver-spiel-ten Lärm zu machen. Flanellhemden trägt er immer noch, daran musste er sich nicht mehr groß erinnern. Hat sich dann zwei Typen gesucht, Mann. Tom Watson an der E-Gitarre, Raul Morales an den Drums, Mann. Tony Maimone produzierte den Scheiß, Mann. Jener Maimone Tony, der schon bei den Proto-Post-Prä-suchdirselbstwasaus-Hardcore-FOLK-Gesellen Pere Ubu spielte, der den ein oder anderen Track von Ex-Hardcore-Kollege Bob Mould mit trockenem Sound vergewitterte.

Wieder anderthalb Minuten pro Song, 30 (!) insgesamt. Das Album heißt „Hyphenated-Man“. Der Sänger und Bassist heißt Mike Watt, Mann. Er schneidet die 30 Songs auf Pass aneinander, dass dir Hören und Sehen vergeht. Welcher Songs ist das gerade nochm…, ach ne, ist schon der nächste. Und irgendwie ergibt dann alles zusammen eins, weil in den verwirrenden Hardcore-Puzzle-Teilen die absichernde Orientierung flöten geht. So wie bei den Minutemen halt, Mann. Mike Watt, unser Mann aus Pedro, nennt es eine Oper (remember „No rules for punk“?), die 30 Teile sind seine kleinen „Econo“-Tracks. Econo kommt von ökonomischem Spielen, Mann. Streiche alles Überflüssige, wiederhole nichts, beende schon bevor sich Langeweile zeigt.

Alle Songs enden auf „-man“, Mann. Wer ist noch dabei? Raymond Pettibon, früher SST-Cartoonist, später hochangesehener Künstler, Mann. Hier macht er auch wieder das Cover - wie schon bei den Minutemen, genau. Pettibon lässt keinen fliegenden Hippie im LSD-Rausch mehr in einem sehr, sehr kurzen und wahrscheinlich nur sehr, sehr kurz glücklichen Flug über den Hochhausrand gleiten. Stattdessen schlüpft ein entschlossener Dämon aus einem Ei, den ein Speer durchbohrt, Mann. „ALL WORDS BY MIKE WATT ∙ THANK YOU TO HIERONYMOUS BOSCH”. Es ist gut, jetzt endlich den Jahrzehnte alten Kram der Minutemen nicht mehr hören zu müssen. Es gibt jetzt den „Hyphenated-Man“!

SARAH JAROSZ 'follow me down' im stream

2011-05-02T23:05:00.016+02:00

SARAH JAROSZ follow me down
2011

Abertausende Leser können sich noch daran erinnern, wie Zu-Zeiten das erste Album von der damals 17-jährigen Sarah Jarosz mit weisen Worten abfeierte. Nun, zwei Jahre später, winkt uns die Vorab-Hör-Site NPR freundlich heran, um das neue, erst am 17. Mai erscheinende Album der Jarosz - "Follow Me Down" - zur Gänze als Stream zu kredenzen.

Erste Eindrücke: Der verflucht gekonnt möblierte Kammer-Folk ist geblieben, nur dass die Kammer jetzt ein paar Quadratmeter zugelegt hat. Fiddeliger, funkiger, vollmundiger, ein paar Ideen soundgewaltiger, ein bisschen hauptstromiger. Aber der Hauptstom von heute ist ja sowieso (irgendwann, irgendwann, mein Freund) die Avantgarde von morgen. Platten, zu denen mir solche Sätze einfallen, sind unheimlich gut. Offiziell gut. Geschmacksunabhängig gut.

TIM COHEN schichten ins ungefähre

2011-05-01T00:01:00.004+02:00

THE TWO SIDES OF TIM COHEN

2009

Solo-Alben. Sie werfen sich manchmal auf seltsame Weise auf sich selbst zurück. Im Sound und in den Arrangements wird es einsam und zugig. Im Multitrackverfahren vermengt der Soloist seine instrumentalen Fähigkeiten mit den Nichtfähigkeiten. Das Unfertige findet Einkehr, weil man nicht auf allen Instrumenten gut sein kann. Skip Spence (SF!), Ana Da Silva, PJ Harvey am Piano oder der Zither, und auch Tim Cohen.

Tim Cohen ist sonst Spieler und Sänger einer eher unscheinbaren, recht hibbeligen, neuerdings hochgelobten Neu-Sixties-Band aus San Francisco namens The Flash & Onlys. Im Solo-Werk gewinnt er eben jene Dimension hinzu, die schon andere auf sich zurück Geworfenen ausgezeichnet hat: Instrumentale und gesangliche Limitierungen werden nicht bereinigt, sondern als notwendige Bestandteile eingearbeitet. Das Tempo ist verhalten, keine Band im Rücken treibt voran. Das Tempo bestimmt man selbst, und dieser Umstand kann den einsamen Soloisten recht erschrocken zurücklassen, sodass der einsame Soloist das Tempo zurückfährt, unsicher vielleicht, ob man der Vielzahl an einsamen Entscheidungen gewachsen sein mag. Wen soll man auch fragen? Die Fragen eines Soloisten kommen als Hall zurück.

Ein bestimmter Hall scheint mir San-Francisco-typisch. Ich höre ihn auf Skip Spence's „Oar“ von 1969, und ich höre ihn bei Tim Cohen. Ein signifizierender Hall, wenn man so will. Ein Sound, der Vakuen enthält, die sich nicht berühren. Sie grenzen nur aneinander. Wie sollen sie sich auch berühren, wenn sie zu verschiedenen Zeiten vom gleichen Menschen gespielt worden sind? Ihre Ebenen können nur nebeneinander existieren und sich nicht durchdringen. Und das ist ein großes Plus einsamer Entscheidungen einsamer Soloisten. Wenn's gar nicht anders geht, holt man sich Mitspieler hinzu. Aber auch nur dann.

Tatsächlich erinnern mich die simplen Pianoteile in „Haunted Hymns“ und „Unjeweled Splender“ an PJ Harveys schutzlose Klavierfiguren auf „White Chalk“, nur dass statt des eisigen Windes, der auf den eisigen Hügeln von Harveys Heimatgegend zu wehen pflegt, bei Tim Cohen die kalifornische flirrende Hitze den Wahrnehmungsapparat Dinge hinzuaddieren lässt, die schwer von Fantasiegebilden zu unterscheiden sind. Wer das Schutzlose und Immaterielle freilegen will, der ballert seine Musik eben nicht mit Irrsinnsakkordfolgen und Lautstärken voll. Der schichtet, wenn überhaupt, die Klänge ins Ungefähre, in die Zwischenzustände, die nie ganz erfassbar sind. Gitarren werden zu dunstigen, diesigen Scheinfiguren, Songs zu Skizzen, zum „Take 1“, dem aber kein perfekter „Take 36“ mehr folgt. Dass es bei Take 1 geblieben ist – ich bevorzuge ihn oft, denn den Rest addiere ich einfach selbst dazu, wenn die Substanz die eigene Gedankenleistung zu tragen imstande ist. Hier auf „The Two Sides of Tim Cohen“ trägt sie.

Mit religiösem Glauben scheinen Cohens Innenwelten auch was am Laufen zu haben. Ob die Waage eher in Richtung Zweifel ausschlägt oder in die Hingabe, lässt sich nicht immer so genau ausloten. Aber dass Tim Cohen auf „Two Sides ...“ innere Kämpfe mindestens höflich ausgeficht, scheint in allen Übergangszonen, in denen Text und Musik nur als vages Gefühl wahrgenommen wird, ziemlich surreal durch. „We're living up in the shadow of the hall of justice/ We're living up in the shadow of the house of spirits/ They rise above the hill like a big tidal wave is falling/ They are made of photographic flashes in a magic frame/ We're living up in the shadow of the house of games/ We never go in/ We never go in“. Leben im undurchdringlichen Schatten. Vielleicht können Soloalben diese Schatten besser beschreiben als Gemeinschaftswerke, wo sich jeder durch die anderen, gleichberechtigt Mitwirkenden davon ablenken kann.

KEITH RICHARDS open g award

2011-04-30T00:05:00.010+02:00

Keith Richards, die großartige Pfeife, ist vor ein paar Tagen mit dem "Tribeca Disruptive Innovation Award" ausgezeichnet worden, und zwar dafür, dass er das Open-G-Tuning des Five-String-Banjos auf die Gitarre übertragen hat. Offene Stimmung bedeutet, dass das Anspielen aller Saiten schon einen Akkord ergibt, ohne dass man einen Akkord mit der Griffhand noch extra greifen muss.

Richards widmet sich auch in seiner Biographie der Stimmung im offenen G. Im Prinzip hat er seit "Jumping Jack Flash" so gespielt. Bis heute. Ich find's einfach deswegen toll, weil ich a) Five-String-Banjo spiele und b) das ebenfalls fast nur in Open G. Es ist ein sehr direktes Tuning, mit dem man eine Menge Lärm machen kann, wenn man die Saiten nur ordentlich rannimmt. Ich kann es nicht besser erklären.

Ich verstehe sowieso nicht, warum Gitarren nicht generell so gestimmt sind, dass ein Schramm ohne Griffhand schon einen Akkord ergibt. Beim fünfsaitigen Banjo ist das gang und gebe. Richards kam laut Biographie jedoch eher über schwarze Blues-Gitarristen auf den Open-G-Trichter und nicht so sehr übers Banjo. Blues-Gitarristen spielen nämlich gerne in offener Stimmung, wenn sie ein Bottleneck benutzten.

"Keith Richards was recognized for his “Open G Tuning” method of guitar playing, and his manager of 25 years, Jane Rose, accepted on his behalf. Festival co-founder and disruptive innovation spearheader Craig Hatkoff demonstrated Richard’s unique method by snapping the string off a banjo and exaplaining that he had always wondered why his Honky Tonk Woman rendition never sounded quite right. When he finally discovered Open G, “it sounded like a goddamn orchestra,” he said."

GRAILS enter g

2011-03-07T15:46:00.006+01:00

GRAILS burning off impurities

2007

Ich weiß nicht warum, aber jedes Mal, wenn ich den 8-GB-USB-Stick an die Media-Anlage des Autos anschließe, kommt als erstes Stück das erste vom Grails-Album „Burning Off Impurities“ (2007), obwohl noch einige andere Alben auf dem Stick enthalten sind, die im Alphabet früher als „G“ kommen. Bevor Grails auf dem Stick landete, kam immer das erste Stück vom ersten Gillian-Welch-Album. Mein Stick steht auf G!

Jedenfalls dadurch, dass ich jetzt ständig immer mindestens den ersten Grails-Track ins Ohr bekomme, bin ich ein kleiner Fan ihres Indianer-Post-Rocks geworden. Gute Platte, mit wohlgesetzten Gewaltigkeiten und therapeutisch zweifelhaften, mir aber gut tuenden Schamanismen.

In diesem Monat erscheint übrigens ein weiteres ihrer Werke des rituellen Schleichens ums Stammesfeuer: Deep Politics.

ALIEN SOUNDTRACKS chrome basho-junghans ornette coleman radiohead

2011-02-25T07:29:00.015+01:00

STEFFEN BASHO-JUNGHANS
(foto: dothephantomlimbo)

Diesmal in „Musik für 2011“: Gitarren, Gitarren, Gitarren. Akustisch, elektrisch, schallend, knisternd, modifiziert, gestimmt, ungestimmt. Und fremd bisweilen auch. Sehr fremd, unheimlich fremd, willkommen fremd. Mit merkwürdigen Versuchsanordnungen und fiesem, manchmal sogar esoteriknahem Unterbau. Das neue Ding seit 700 Jahren.

Helios Creed ist ein ähnlich signifikanter Gitarrist wie beispielsweise Jimi Hendrix oder Michael Rother. Allesamt ziehen sie ihre Kunst nicht so sehr aus ihren zum Teil gigantischen technischen Fähigkeiten, sondern aus der sehr besonderen sonischen Sprache, die sie sprechen und die sie mit dem Rest ihrer Musik ziemlich einmalig verschränken.

Creeds Gitarrenspiel liegt dabei so ziemlich genau zwischen den oben genannten: Von Hendrix hat er den Feedback-Krach übernommen und um einiges brachialer weitergetrieben. Von Rother hat er die langgezogenen Schleifen und Schlieren übernommen und bis zum Ohrenschmerz scharf zugespitzt. Ein Meer undurchdringlicher Hässlichkeit umspült sein Spiel. Vielschichtige, fremde Etwasse aus Feedback und gleißenden Schreien, die in Wellentälern aus Bandmaschinen- und Sequenzer-Lärm untergehen und die sich ihnen dann wieder lärmüberströmt entgegenstemmen.

„Alien Soundtracks“ ist nicht nur Namensgeber dieses vierten Teils der 2010->2011-Serie, sondern auch der Titel eines Albums von 1978 von Chrome, der aus San Francisco stammenden Band von Helios Creed und Damon Edge, die ihre besten und verstörendsten Arbeiten in der Zeit von 1978-1983 veröffentlichten. In den letzten Monaten hat mich ihre Musik beständig begleitet, wie durch den schlürfender Rüssel eines Raumschiffs aus „Krieg der Welten“ wurde ich in ihre lärmigen Kammern gesogen.

Das musikalische und visuelle Gesamtkunstwerk von Chrome bildet eine unheilige Allianz aus vertrashten Science-Fiction- und Horror-Versatzstücken („Zombie Warfare“), DNA-Unkontrolle („Chromosome Damage“) und erstem Winken aus der binären Datenwelt („All Data Lost“). Songs faden einfach mittendrin aus, um dann wieder mutiert neu zu starten. Kosmische Neu!-Beats treiben den Lärm an und werden von Sequenzer und Metal-Gitarre zerraspelt wie Tauben in Flugzeugturbinen.

Chrom’sche Plattencover wirken wie in einem DoItYourself-Klebe- und Collage-Kurs an der Volkshochschule für mutierte Gestaltung entworfen: Ein Heile-Welt-Wohnzimmer der 1960er Jahre, in ungesundes Rosa getaucht, bekommt riesige Augen und einen Mund verpasst. Darüber ist mit Edding-Stift der kantige „Chrome“-Schriftzug gezogen („Alien Soundtracks“). Auf „Half Machine Lip Moves“ mimt eine bandagierte, bekittelte Schaufensterpuppe eine Mumie, eingefasste TV-Ausschnitte einer Treppe gaukeln die labyrinthischen Gänge einer Pyramide vor, die auch gleich noch als Y-Tong-artiges Dreieck abgebildet ist. „Third From The Sun“ ziert das grobkörnige Foto einer Türklopfer-Fratze, der einfach schrägstehende Augen aufgeklebt sind. Bau dir einen furchterregenden Alien in nur vier Minuten – oder, wie zeitgleich die artverwandten Devo, einen verrückten Wissenschaftler aus Malerkittel, Putzhandschuhen und Chlorbrille!

Von „Alien Soundtracks“ über „Half Machine Lip Moves“, „Blood On The Moon“, „Red Exposure“ und „Third From The Sun“ liefern Chrome in den Jahren 1978-82 ein konstant irrsinniges Stück Musik ab. Am Ende, auf „Third From The Sun“, ist die sowieso schon immer im Sound vergrabene Stimme von Damon Edge so sehr zur Zombiestimme mutiert, als läge sie nun endgültig unter der Erde. Creed und Edge entfremdeten sich in den folgenden Jahren zusehends und nach meiner Kenntnis hat die Band nie wieder ganz an ihre große Zeit anknüpfen können. Damon Edge starb im Sommer 1995 vereinsamt in seinem Apartment in Los Angeles. Herzversagen. Erst knapp vier Wochen später wurde sein Leichnam entdeckt.

Mehr Alien-Musik aus Nordthüringen/Südharz. Woher sonst? Ein ganz großer Meister der akustischen Stahlsaitengitarre kommt aus dieser für uns in Mitteleuropa Geborene völlig normalen, recht bewaldeten Hügellandschaft. Eine Gegend, mit der der oberflächlich bewanderte Wandersmann vielleicht Fachwerkhäuschen und Rentnerkohorten verbindet - oder einsame Wetteransager, die auf dem winddurchtosten Brocken direkte Eindrücke von meist ungemütlichen Wetterlagen zum Besten geben. Für Fremde kann diese Gegend einen faszinierenden Schrecken haben: Die in New York gegründete Konzept-Krach-Band Liars hat sich vor ein paar Jahren von Harzer Hexensabbat-Mythen zu einem schrecklich-sperrigen Gitarrenlärm-plus-Elektronik-Album inspirieren lassen. Der Verfasser dieser Zeilen verbindet mit dem Harz noch schemenhaft die pubertäre und gruselige Erinnerung an einen Horror-Groschenromans, wo aus den Tiefen des Harzer Waldes das Böse in Form von zotteligen Blondinen hervorkroch.

Vielleicht ist es dieser krude Schrecken, der Steffen Basho-Junghans dazu bewegt hat, einen Teil seines Lebens in Berlin zu verbringen. Berlin, diese „schöne kleine Stadt“ (Helge Schneider) - ein Ort der Erholung von den Seltsamkeiten der Provinz? Ich könnte es gut nachvollziehen, erhole ich mich in Berlin doch auch immer bestens vom Zweihunderttausend-Seelen-Kaff, in dem ich mein Dasein sonst so gestalte.

Um Basho-Junghans originäre Meisterschaft an der Stahlsaitengitarre zu erkennen, muss man gar nicht unbedingt die inhaltlichen Vorgaben nachvollziehen, unter denen seine jeweiligen Arbeiten entstanden sind. Weder muss man eine „musikalische Vision von Geburt und Evolution“ teilen („7 Books“-DoCD) noch eine „Beziehung zu Struktur, Raum und Zustand in Natur wie in der Kunst“ („Waters In Azure“-CD) imaginieren. Es reicht schon sich nach und nach auf die ungewohnten Sounds einzulassen, die er den Stahlsaiten entlockt – immer in der zwielichtigen Zone zwischen Tradition und radikaler Neuformatierung.

Und so hangele ich mich seit einiger Zeit mit Begeisterung an seinen Projekten entlang, oder auch an denjenigen, an denen er neben anderen Musikern beteiligt ist. „156 Strings“ (2002) etwa, einer Zusammenstellung von Arbeiten von 19 Akustikgitarrenspielern (von denen Fred Frith, Peter Lang und Richard Thompson die bekanntesten sein müssten), oder die diesjährig erschienene Hommage-CD an den Stahlsaiten-Guru, Verschränker fernöstlicher, indianischer und amerikanischer Musiktraditionen, Geiger und kruden Drama-Sänger Robbie Basho - „We Are All One, In The Sun“. Die Namensähnlichkeit ist nicht zufällig: Steffen Junghans inkorporierte das „Basho“ in seinen Namen als Ehrerbietung für Robbie Basho, dem er einen eigenen Zweig auf seiner Website widmet.

Neben absolut virtuosen traditionelleren Musikarbeiten beeindrucken mich besonders Basho-Junghans’ experimentellere Arbeiten, denen teils abenteuerliche Vorgaben zugrunde liegen und die tatsächlich zu bisher ungehörten, in fremden Pulsen pochenden Ergebnissen führen.

Auf „Inside“ (2001) und „Waters In Azure“ (2002) spielt Basho-Junghans dabei komplett sein eigenes Sternensystem. Es gibt dort die feinen, in seltsamen Stimmungen schwingenden Entwicklungstracks - wie von fremden Sonnen beschienen -, und es gibt die fast schon minimaltechnoiden, stehend pulsierenden Stücke, die um keinen Mittelpunkt kreisen, weil sie selbst der Mittelpunkt sind. Vielleicht ist der Vergleich etwas hergeholt, aber mir scheint das tranceartige, schnelle Pochen gar nicht weit entfernt vom seltsam statisch brodelnden Funk-Gewusel von Ornette Coleman & Prime Time auf „Dancing In Your Head“ (1976), nur eben nicht aus der Vielheit heraus entwickelt, sondern aus der Beschränkung, denn bei Basho-Junghans muss eine einsame Stahlsaitengitarre all das alleine wuppen (no overdubs!), wofür Ornette Coleman noch zwei gleichzeitig spielende Bands zur Verfügung hat.

Zudem bedient sich Basho-Junghans auf drei Tracks („ONE No 1, Part I-III“, auf „Waters in Azure“) einer eigens entwickelten Technik, mittels derer er nur mit einem Finger der Griffhand spielt (ohne Spielhand!), und kommt dabei zu absolut staunenswerten Ergebnissen nie gehörter, sirrender und rhythmischer Sounds, gleichzeitig komplex und minimal.

Es gibt noch mehr wagemutige Projekte von ihm. Seine Arbeit mit dem „Virgin Orchestra“ etwa, bestehend aus Steffen Basho-Junghans, einer gerade reparierten Gitarre und frisch aufgezogenen, aber noch nicht gestimmten Saiten. ‚Virgin’ deshalb, weil sich Gitarre, Saiten und Spieler vorher noch nie begegnet sind. Als Basho-Junghans die Saiten nach dem Aufziehen und vor dem Stimmen das erste Mal anspielte, eröffnete sich ihm plötzlich ein spezieller konzertanter Gesamtklang. Mehrere Nächte lang nahm er die Ergebnisse seiner Klangforschung auf. Junghans beendete das „Virgin“-Projekt erst, als er sich so weit in die Nicht-Stimmung als Stimmung eingefühlt hatte, dass er eine Veränderung der Saitenspannung schon wieder als Verstimmung wahrnahm. Die dreieinhalb Stunden Musik des Virgin Orchesters harren weiter der Veröffentlichung, aber immerhin hat Basho-Junghans auf „156 Strings“ einen fast neunminütigen Ausschnitt davon veröffentlicht. Erstaunlich, wie schnell man sich in die fremden „Nicht“-Harmonien hineinhört. Wenn sie zu Harmonien werden, was wird dann aus den „wirklichen“ Harmonien?

Einen guten Einstieg in Basho-Junghans’ Musik bietet sein letztjähriges Album „IS“. Im Schnelldurchlauf wird die ganze Bandbreite seiner Gitarrenkunst durchgespielt: Das Robbie-Basho-eske Slide-Opus „When The Plains Are Singing“ eröffnet den Reigen, „Changes“ konstruiert eine Art Stahlsaiten-Wall-of-Sound, während „Azure No 8“ ein weiteres Beispiel für die charakteristischen pulsierenden Tracks gibt. „Waiting For The Clouds“ ist von der traditionellen Folk-Seite aus betrachtet der vielleicht schönste Track, aus dessen verhaltenem Anfang Basho-Junghans plötzlich ein einnehmendes Motiv herausimprovisiert. „Leaving Eden“ ist so etwas wie die Summe all dessen, was vorher auf „IS“ zu hören war: Eine überzeugende Verschränkung von Tradition, Moderne und Individualität. In solchen Momenten kommt mir Basho-Junghans wirklich wie ein moderner Wiedergänger seines erklärten Vorbilds Robbie Basho vor. Im letzten Stück, „And Like The Wind We Go“, wird noch einmal deutlich, wie viel Einfluss Basho-Junghans fernöstlicher Musik zu verdanken hat.

„IS“ ist über Diogenes als Download zu beziehen und kostet umgerechnet etwa sechs Euro. Das liegt noch einen Euro unter dem Download-Preis des neuen Radiohead-Albums „The King Of The Limbs“. Ich erwähne es zum einen, weil sich in beiden Fällen die Anschaffung lohnt, und zum zweiten, weil Radiohead auf „The King Of The Limbs“ lustigerweise manchmal ganz ähnliche Strukturen statischen Funks verwendet wie die eingangs erwähnten Ornette Coleman & Prime Time auf „Dancing In Your Head“. Tja, und nun könnte man damit schon wieder ein interessantes Fass aufmachen, ad infinitum. Es gibt immer was zu schreiben über Musik. Aber es reicht erstmal.

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Steffen Basho-Junghans. Einer der pulsierenden Tracks. Laut Basho-Junghans geht es hier nicht darum, im Regen zu stehen, sondern sich selbst innerhalb des Regens selbst zu fühlen.

Chrome zeigens dem Zombie bzw. uns:

Du bist dupliziert!

DNA DoItYourself

XTC hosen runter für atheisten-pop

2011-01-17T16:48:00.016+01:00

XTC skylarking
(1986 - remastered und erweitert 2010)

Andy Partridge wiederveröffentlichte unlängst auf seinem Ape-Label XTCs "Skylarking" als Doppel-LP mit originalem, natürlich in letzter Minute abgelehnten Genital-Cover und der ursprünglich für "Skylarking" konzipierten, dann aber natürlich in letzter Minute abgelehnten Atheisten-Hymne "Dear God" plus des ebenfalls für "Skylarking" geplanten "Mermaid Smiled".

Darüber hinaus konnte noch die Produktion bereinigt werden, die irrtümlich in "reverse polarity" veröffentlicht wurde, was immer das bedeuten mag, denn "Skylarking" klang auch mit der umgekehrten Dingsda ganz fantastisch. Nun aber ist alles noch besser, schöner, farbvoller. Die Platten gibt es in einer normalen Doppel-LP-Version (die ich mir zugelegt habe) und in einer Superduper-Schnickschnack-Version mit exklusivem Booklet und Gekritzel der Herren Partridge und Moulding. Näheres erfährt der Interessierte auf der Basisstation von Swindon's größtem Wunderkind: http://ape.uk.net/acatalog/XTC.html

MUSIK IN 2010 FÜR 2011 punk, newsom, harper

2011-01-16T17:13:00.016+01:00

[MUSIK IN 2010 FÜR 2011]

Meine kleine Serie „Musik in 2010“ nenne ich um in „Musik in 2010 für 2011“. Warum? Weil erstens im Januar 2011 auch Musik vor Januar 2011 gehört werden muss, denn man kann ja zu diesem frühen Zeitpunkt des Jahres nicht schon nur Musik aus 2011 hören - die Auswahl wäre viel zu klein. Zweitens will am 16. Januar 2011 kein Mensch mehr einen Text lesen, der sich ausschließlich vergangenheitsorientiert mit „Musik in 2010“ beschäftigt. Ist doch total unaktuell! Drittens klingt „Musik in 2010 auch für 2011“ etwas holpriger und damit auch etwas charmanter.

So wie Rufus Wainwright in „Gay Messiah“ Pornofilme der 1970er Jahre verklärt, so verkläre ich kalifornische Punkmusik der 1970er Jahre. Eine Zeit der Unschuld, vor dem großen Sterben durch AIDS oder Drogen. Auch wenn es sich bestimmt nicht so unschuldig zugetragen hat, denn das wirkliche Leben ist immer härter, sonst müsste man es ja nicht verklären. Noch eine Gemeinsamkeit von Kalifornien-Porno und –Punk: Ich kenne von beiden nicht besonders viel – außer Black Flag, Dead Kennedys und John Holmes natürlich.

Trotz oder wegen meiner relativen Unkenntnis habe ich mir seit jeher California-Punk als ein Schlaraffenland aus Stakkato-Gesang, Alles-ist-möglich-Gefühl und angenehm unbritischem Anti-Posertum zusammenfantasiert. Immer mal wieder echote dabei in den letzten Jahrzehnten eine Zusammenstellung kalifornischer Punk-Bands von 1979 durch meinen Kopf, von der ich nur las und sie nie zu hören bekam – „Tooth And Nail“, von Punk-Urgestein Chris D. auf seinem eigenen Upsetter-Label veröffentlicht. Mein Verlangen, „Tooth And Nail“ zu besitzen, war recht schwach, mir reichte die irreale, mythische Erhöhung völlig aus, ich brauchte den Scheiß nicht auch noch zu hören, zumal die längst gestrichene LP sowieso nur zu Fantasiepreisen in einschlägigen Portalen zu haben war.

Ungefähr 100 Jahre nach der Erfindung des Internets kam ich alter Freizeitpunk schließlich im letzten Jahr endlich auf die Idee, mir „Tooth And Nail“ einfach mal völlig außerhalb bestehender Gesetze herunterzuladen. Ich fand sehr schnell einen Blog mit dem angemessenen Namen Punk Not Profit, der einen kratzigen LP-Rip zum Download bereitstellte, und nun konfrontierte ich einfach mal testweise die Musik von „Tooth And Nail“ mit meiner Wirklichkeit. Und die Überraschung: „Tooth And Nail“ hielt ihr stand.Sechs Bands, unter denen die Germs und Chris D.'s Flesheaters noch die bekanntesten sind, schreien insgesamt 16 Songs für heutige Ohren eigentlich recht melodiös heraus. Das US-Punk sich mehr an amerikanischen Sixties-Garagen-Bands orientierte (ich schreib mal stellvertretend: The Sonics), als es die britischen Punk-Kollegen taten, kommt auf "Tooth And Nails" energisch und außerst kurzweilig zum Tragen.

Ebenfalls ein essenzieller Pluspunkt: Die dünne, zusammengedrängte Produktion – eine wohltuende Beleidigung für jeden HiFi-Fan. Kalifornische Punkmusik sollte nämlich nicht remastert werden. Sie ist ja quasi die Antithese dazu, sie muss zum Wegwerfen klingen. Remastern hieße dem Feind in die Hände spielen, würde die Ewigkeit konservieren, anstatt den Augenblick für ein paar zusammengeschnorrte Dollars billig und roh zu feiern. Mit leichtem Unbehagen denke ich daher an die diesjährige, von Jon Savage kuratierte Zusammenstellung „Black Hole“, die sich eine CD lang kalifornischer Punk-Musik der Jahre 1977-80 widmet. Sie remastert, was im Gegenteil entmastert gehört. Der Widerspruch, hier und jetzt dem Sound des Augenblicks das Wort zu reden und im Gegenzug eine über dreißig Jahre alte Platte abzufeiern, ist mir durchaus bewusst. Ich halte ihn locker aus.

Von der schneidend-dünnen Fuzz-Punk-Gitarre zur volltönenden Harfe ist es nur ein kleiner Schritt, abgesehen davon, dass es irrsinnig lange dauert, eine Harfe zu stimmen. Der Harfenist Rhodri Davies hat nicht nur das Stimmen einer Harfe thematisiert, sondern sogar gleichzeitig den Wunschtod einer jeden richtigen E-Gitarre – auf der Bühne zerlegt zu werden – seiner Exklusivität entrissen und in einer quälend langen, fünfstündigen Performance eine Harfe gefoltert, indem er ihre 47 Saiten nacheinander kappte und anzündete, um sie sodann wieder neu zu bespannen (Performance Cut and Burn, Installation Room Harp, Hatton Gallery, Newcastle upon Tyne). Der Harfenistin Joanna Newsom liegt derlei Zerstörungswerk fern, komponiert sie doch in der Regel Musik, die gut zu ihrem Background als Tochter einer kalifornischen Intellektuellenfamilie passt.

Hat sie auf dem Vorgängeralbum „Ys“ (2006) noch den legendären Über-Arrangeur Van Dyke Parks Harfenklang und Kieksstimme in dicht gewebte, bilderreiche Streicherarrangements verpacken lassen, so schickt Joanna Newsom mit „Have One On Me“ (2010) ein faszinierend unübersichtliches Triple-Album nach. Viel Platz lassen diesmal die spärlichen Arrangements, die um ein kleines Kammerensemble aus Klavier, Perkussion und dem ein oder anderen Blech- und Zupfinstrument kreisen, wenn sich die Newsom nicht gleich ganz auf ihr Solospiel konzentriert.

Die Lücke im Ton fordert Konzentration – diese alte Faustregel (die ich mir gerade ausgedacht habe) findet auf „Have One On Me“ ihre Bestätigung. Wer aber hat noch die Zeit, sich ein langgezogenes, über große Strecken refrainloses Werk anzuhören, das zudem nicht selten harft, harft und nochmals harft? Jeder – vorausgesetzt man kappt alle binären Zeitfresser-Accounts und zwingt sich mental entkleidet und offline in Joanna Newsoms Musik hinein. Zum simplen Drüberhören, während man gleichzeitig 140 Twitter-Zeichen vollplappert, ist „Have One On Me“ nicht gemacht. Warum auch in einem Satz sagen, was man in einem Roman ausdrücken kann? Und so ist „Have One On Me“ ein Zeitschenker-Album, von dem ich mich immer wieder gerne in den Mono-Tasking-Modus zurückversetzen lasse.

Den epischen Ansatz ihrer akustischen Kunst hat Joanna Newsom übrigens maßgeblich unter dem Einfluss von Roy Harpers „Stormcock“ (1971) entwickelt, ihr „favourite record of all time“, wie man in der WIRE lesen konnte. Flugs besorgte ich mir besagtes Album und konnte sofort verstehen, warum die Newsom so wählte: Harper entwickelt auf „Stormcock“ lange, mit Akustikgitarre grundierte Songs, an entscheidenden Stellen mit Streichern, Gesangsschichten oder einem Jimmy-Page-Solo beschickt. Harpers Stimme ist kräftig und modulationsfähig. Sie erinnert zum einen in den etwas höheren Tonlagen an David Bowie, wie der zu „Hunky Dory“–Zeiten manchmal stimmlich zum Drama ansetzt, dann wieder verliert sie sich ähnlich instinktsicher und konzentriert, wie es Tim Buckley in seinen strafferen Stücken vermochte. Kann sich noch jemand an den Gesang auf „Have A Cigar“ von Pink Floyd erinnern? Das ist Roy Harper. Das Songwriting ist vom Feinsten, keine Sekunde ist hier trotz der Länge der vier Songs – keins unter sieben Minuten - überflüssig. Ganz tolles Album. Es kann doch immer wieder sehr lohnend sein, Einflüsse geschätzter Kunstschaffender wie Joanna Newsom zurückzuverfolgen.

Musikbeispiele auf einschlägigen Portalen.

Teil vier folgt demnächst in diesem Kino. Dann mit vielen Kurzfilmen, statt mit wenigen Spielfilmen wie bisher. Unter anderem dabei: Neil Young und Überraschungsgäste.

MUSIK IN 2010 das zittern der ganzen welt

2011-01-06T07:20:00.012+01:00

(MUSIK IN 2010)

Teil zwei meines kleinen, zusammengezurrten Rundumschlags zu Musik in (und nicht nur aus) 2010.
Diesmal mit Lauten und Dröhnen.

CATHERINE CHRISTER HENNIX the electric harpsichord

Der belgische Lautenspieler Jozef Van Wissem vermochte es, mich in einem Augenblick akuten Berufsstresses augenblicklich mit den ersten Tönen von „A Priori“ (2008) mental derart notzubremsen, dass mir plötzlich mein gesamtes augenblickliches Tun und Werden völlig absurd vorkam. Dafür und für seine dunkle, reduzierte und fernzeitige Kunst des Lautenspiels zwischen Mittelalter und Minimalismus der Moderne habe ich ihm sehr zu danken. „A Priori“ ist auf ubuweb.org anzuhören, dem Portal für avantgardistische Kunst jedweder Couleur, was immer sich dahinter auch verbergen mag. Ich glaube, es ist sogar legal.

Bis vor Kurzem dort auch zu hören, bis es schließlich offiziell veröffentlicht wurde: „The Electric Harpsichord“ von Catherine Christer Hennix, ihres Zeichens Philosophin, Elektronik-Minimalistin, Jazz-Drummerin und zeitweilige Mathe-Professorin aus Schweden. Dass die Quantenphysik und ihre eigenartigen Unwahrscheinlichkeitsgesetze so manchen strammen Naturwissenschaftler aus der Bahn des materiellen Denkens geworfen hat (oder gerade besonders tief in es hinein), ist spätestens seit Niels Bohr („Wer von der Quantenphysik nicht schockiert ist, hat sie nicht verstanden“) und Erwin Schrödinger bekannt. Letzterer wandte sich irgendwann dem Hinduismus zu, auch weil er in ihm die Quantenvorstellung am ehesten repräsentiert sah. Dass man darüber hinaus aber auch versuchen kann, aus den Skalen eines Tambura spielenden indischen Gurus, zusammen mit den trockenen Programmierformeln eines Sinuswellen-Drones, auf dem elektrischen Cembalo das Vibrieren aller Atome, Nicht-Atome und des restlichen Universums erfahrbar zu machen, hat mein Entdeckerherz nochmal ganz besonders berührt.

Ob es Catherine Christer Hennix während ihrer einzigen Performance von „The Electric Harpsichord“ - am 23. März 1976 im Stockholmer Moderna Museet – wirklich gelang, das ubiquitäre Zittern - aus dem einer neueren Quantentheorie zufolge das Universum und alle Materie hervorgegangen ist - ansatzweise abzubilden, sei mal dahingestellt. In der richtigen Lautstärke gehört, können einen diese knapp 26 Minuten Sound aber schon ahnen lassen, wie es sich für einen Physiker angefühlt haben mag, als ihm, den Gesetzen der Quantenphysik gewahr werdend, „der Boden unter den Füßen weggerissen“ (Albert Einstein) wurde.

Das italienische Label „die Schachtel“ hat „The Electric Harpsichord“ im vergangenen Jahr in einer taschenbuchgroßen, silbrig matt glänzenden Box erstmals offiziell veröffentlicht. Flankiert von einem erläuternden Text von Philosoph und Geiger Henry Flynt, zwei Gedichten von Drone-Urgestein LaMonte Young (in dessen New Yorker Wohnung Hennix 1969 eine musikalische Initialzündung erlebte, als sie sich mehrere Tage einem Youngschen Drone aussetzte, der unaufhörlich durch die Räume surrte) und einer dem Sinuswellen-Drone zugrunde liegenden Formelsammlung. Mein Lebensplan sieht vor, mich erst in etwa fünfzehn Jahren mit der Formelsammlung zu beschäftigen, da ich sie im Moment für völlig uninteressant halte. Der Text von Flynt dagegen ist aufschlussreich, beleuchtet er doch neben der Entstehungsgeschichte von „The Electric Harpsichord“ auch einige biographische Details aus Hennix’ Leben. In Anbetracht der zitternden, seltsam zarten Wucht der universellen Sinuskurven-Dröhnung aber kann das Wort dem Sound nichts Wesentliches hinzufügen. Frau Hennix empfiehlt übrigens ein Hören bei 100 Dezibel, was knapp einer Autohupe entspricht.

Im Auto habe ich denn auch so manches Mal das geballte vibrierende Monster von „Electric Harpsichord“ von der Leine gelassen und meine Moleküle verwirrt und mit Staunen durchsirren lassen. Für die Ohren ungefähr das, was für die Augen ein langer, ungemilderter Blick in die pralle Sonne bewirkt: Kurzwellige, helle Explosionen der Sinne, die auch vor Erscheinungen nicht halt machen. Am Anfang erschuf Gott die Vibration. Wer hätte das gedacht?

Und Afrika erschuf den Vuvuzela-Drone. Das Eröffnungsspiel der Fußball-WM 2010 am 11. Juni in Südafrika bot die Bühne für ein Setting, das sich Drone-Minimalist LaMonte Young oder Vokal- und Klangflächenkomponist György Ligeti nicht mal im Traum ausgedacht hätte: Ungefähr 60000 Menschen blasen gleichzeitig zweimal 45 Minuten in ungefähr 60000 Plastiktröten und erzeugen einen sehr lauten, gleichbleibenden, um die eigene Achse irisierenden, im Stadionrund vielfach gespiegelten Brummton.

Zum Glück hatten die westlichen Übertragungsstationen beim Eröffnungsspiel noch nicht raus, wie sie diesen gewaltigen Monoakkord mittels Mikrophonfilter wieder in einzelne, abgeschwächte Trötentöne verharmlosen konnten. Und so bekamen hunderte Millionen Menschen eine mächtige, sich unbedingt Gehör verschaffen wollende Musik in ihre Medienträger eingespeist, der sie sich sonst nie und nimmer ausgesetzt hätten. Die usurpatorische Kraft des Vuvuzela-Drones ließen die Sendeanstalten schließlich im Laufe der WM zu einem Winseln herunterfiltern - unter dankbarem Klatschen der meisten westlichen Stubenhocker vor den Flachbildschirmen.

Merke: Rhythmus und Drone als dauerinsistierende Elemente in der Musik rütteln an den Verhältnissen, sie werden daher von den Bewahrern des Status Quo gefiltert und zensiert. Melodie dagegen ist mit den Verhältnissen zufrieden und richtet sich buchstäblich harmonisch in ihnen ein. Nie würde eine Melodie zensiert werden!

Nach der Zensur kommt dann meist das Verbot. Folgerichtig verbot der europäische Fußballverband UEFA ab der Saison 2010/2011 den Gebrauch von Vuvuzelas in den Stadien während der Spiele in allen UEFA-Wettbewerben.

Keine Musik hat mich im letzten Jahr unmittelbar stärker beeindruckt als der Vuvuzela-Drone während des ersten Spiels der Fußball-WM 2010.

Demnächst Teil drei in diesem Kino.

Teil eins: hier

JACK ROSE andere saiten

2010-12-30T10:55:00.011+01:00

(MUSIK IN 2010)

HONEST STRINGS: A TRIBUT TO THE LIFE AND WORK OF JACK ROSE

2010

Wie schon im letzten Jahr, werde ich auch dieses Jahr in kurzen, unglaublich knappen Sätzen kredenzen, was mich die letzten 12 Monate musikalisch so umtrieb. Wobei es sich um Musik in 2010 und nicht unbedingt nur aus 2010 handeln wird. Anders als in 2009 werde ich nicht pro Album/CD/LP/Download jeweils einen Text schreiben, sondern ein paar gesonderte Texte in unregelmäßigen Abständen einstellen, die ich thematisch einigermaßen zusammenzuzurren versuche. Mal sehen, wohin es führen wird.

Los geht’s mit dem Jack-Rose-Tribut „Honest Strings“. Der Text dazu ist allerdings so lang geworden, dass er die gesamte erste Folge einnimmt. Gemessen am gewaltigem Ausmaß des Tributs – „Honest Strings“ hat eine Länge von über sechseinhalb Stunden - und gewaltiger Güte erscheint mir das aber durchaus angemessen.

Der aus Philadelphia stammende, trinkfreudige Gitarrist Jack Rose, der parallel an vielen Rändern alter primitiver amerikanischer Musik wirkte, starb am 5. Dezember 2009 völlig überraschend an Herzversagen. Er wurde nur 38 Jahre alt. Mit seiner Band Pelt hatte er seit Mitte der 1990er Jahre an archaischem Dröhnen („Drones“) gearbeitet, das das Trio vorrangig mit akustischem Instrumentarium erzeugte und damit auch die uralte Tradition aufzeigte, in der der Drone verhaftet ist. Denn was ist eine nur leicht variierte Melodiefigur auf einer Fiddle anderes als ein um die eigene Achse flirrendes Dröhnen? Einen dauernden Grundton erzeugt auch die fünfte, mit dem Daumen gespielte Saite eines Five-String-Banjos, dessen „halb-barbarischer Twäng“ sich für das menschliche Ohr rätselhafterweise selbst dann noch unter die Musik legt, wenn er gar nicht immer durchgespielt wird.

Neben der Ensemblearbeit bei Pelt ergänzte Jack Rose auf seinen Solo-Aufnahmen den Ansatz uralter Musik um sehr spielfreudige Varianten auf der Stahlsaitengitarre. Rose war ein Riese auf seinem Instrument. Bei aller Virtuosität war die Rohheit dabei stets präsent. Das hatte er gemein mit seinen Vorbildern John Fahey, Robbie Basho oder Sandy Bull. Ein Schönspieler im klassischen Sinne war er nicht.

Was für ein weitverzweigtes Netz sozialer und künstlerischer Beziehungen Jack Rose mit den Jahren aufgebaut hatte, zeigte sich in der Vielzahl an Projekten, die in diesem Jahr seiner gedachten. Neben dem „Honest Strings“-Tribut fand im Januar diesen Jahres in Philadelphia ein „Jack Rose Memorial Concert“ statt, bei dem unter anderem Sonic Youths Thurston Moore und der stark von Rose beeinflusste Gitarrist Glenn Jones auftraten. Steffen Basho-Junghans – unser grenzüberschreitende Stahlsaiten-Mann aus dem östlichen Harz - und Paul Labrecque – unser Psych-Myth-Folk-Mann aus den Belgischen Bergen – nahmen ebenfalls an Projekten teil, die Jack Rose gewidmet waren.

Umso trauriger, dass erst der Tod eines geschätzten Menschen die Kräfte zu einem in allen Belangen überzeugenden Tribut bündeln musste. Gut fünfeinhalb Stunden größtenteils unveröffentlichte Musik auf 40 Tracks, dazu noch eine einstündige Lesung: „Honest Strings“ ist ein labyrinthisches Kompendium zeitgenössischer „amerikanisch-primitiver“ Musik in seinen vielfältigen und vieldeutigen Schattierungen. Von der klirrenden Direktheit einer einsamen Stahlsaiten-Gitarre (Luther Dickinson, Cian Nugent, und viele andere), dem stolzen Krach einer wütenden E-Gitarre (Chris Forsyth), dem Einfluss indischer Skalen und tibetanischer Tonfolgen auf das „Alte Primitive“ (die den Hintergrund für eine bewegende, gesprochene Widmung an Jack Rose von Byron Coley bilden), über die Ensemblearbeiten mit Fiddle, Mandoline, Gitarren und Banjo (Charlie Parr & Mike Gangloff, Hans Chew), elektrischem Freeform-Rock-Noise (Bill Nace, Kohoutek, und andere), ultrazeitlupigem Mundharmonika-Gitarren-Folk, wie er als Genre von Neil Young mit einem einzigen Song – „Will To Love“ - begründet wurde (MV & EE) bis zum sägenden, dunklen Drone (Pelt). Höhepunkte herauszustellen, würde dem Rest nicht gerecht werden.

In dieser zugleich komprimierten und ausufernden Form einer stundenlangen, zeitgenössischen Musikzusammenstellung ist „Honest Strings“ meines Wissens ohne Beispiel. Für mich persönlich stellt „Honest Strings“ schon deshalb eine Zäsur dar, weil es das erste für mich wichtige „Album“ ist, das nicht nur ausschließlich als Download-Only erschienen ist, sondern gleichzeitig auch folgerichtig den limitierenden Zeitrahmen verlässt, an den ein physikalisches Medium wie Vinyl oder CD zwangsläufig gebunden ist.

Und so reichte dieser riesige 1-Gigabyte-Datenklopps für jahrelange Auseinandersetzung, würde man den einzelnen Musikern in ihr spezielles, trotzdem um Kontakt bemühtes Universum folgen. Mit zunehmender Beschäftigung können Zusammenhänge archaischer Ur-Musik plötzlich klarer werden oder ergeben sich womöglich für den Hörer das erste Mal. Man spürt, ein geheimer roter Faden zieht sich durch dieses Projekt, dessen verzackte Wege sich erst nach und nach zu zeigen beginnen, und sich dabei vielleicht auch nie vollständig beschreiten lassen.

Dieser Entdeckergeist ist es, der das Tribut-Projekt so wertvoll macht. Man kann sich darin verlieren, es kann nerven und beruhigen, anregen und ermüden, immer aber hat man das Gefühl, es speist sich aus mindestens einer gemeinsamen, sehr, sehr alten Quelle. Bitter ist nur, dass derjenige, um den sich auf „Honest Strings“ so viele versammelt haben, nicht mehr miterleben kann, wie sich ein verschlungenes, wurzeliges Netzwerk „auf der Suche nach Nahrung“ (Naturfilmer Heinz Sielmann, Zitat zweckentfremdet) ausbreitet. Wie alt war noch mal dieser eine Wald, der aus einem einzigen Baum besteht? 30000 Jahre? So wie dieser Wald, so ist auch „Honest Strings“.

„Honest Strings: A Tribute To The Life And Work Of Jack Rose“ ist nur als Download inklusive Booklet-Datei über fina-music.com zu beziehen und kostet 15 Dollar. Der Erlös kommt zur Gänze der „Jack Rose Estate“ zugute. Über den Link gelangt man auch zur vollständigen Track-Liste.

Teil 2 von „Musik in 2010“ demnächst in diesem Kino.

DON VAN VLIET alias CPT. BEEFHEART: 1941-2010

2010-12-23T10:44:00.012+01:00

DON VAN VLIET 1993

Don van Vliet alias Captain Beefheart starb vergangenen Freitag im Alter von fast 70 Jahren. Er hat sein Leben gelebt, vermute ich. Mir fällt es daher leicht, Beefhearts Musik jetzt eben in diesem Augenblick mit Freude zu hören. Bei John Lennon war das anders. Als er erschossen wurde, konnte ich mehrere Jahre keine Lennon-Musik mehr hören. Denn Lennon wurde nur kurze 40 Jahre alt, war also quasi gerade erst geboren.

Geburtstag

Als Captain Beefheart dagegen 40 Jahre alt wurde – am 15. Januar 1981 – standen er und seine magische Band auf der Bühne der „Showbox“ in Seattle. Die in diversen Besetzungen diverse Male reinkarnierte Magic Band spielte sich konzentriert und zielstrebig durch einen Querschnitt des Beefheartschen Art'n'Abstract'n'Roll-Outlaw-Blues-Punk: Vom anfänglich ruralen Elektro-Blues von „Safe As Milk“, über das hart erarbeitete Chaos von „Trout Mask Replica“ und „Lick My Decals Off, Baby“ bis hin zu seinen späteren Alben ab 1976, in denen Beefheart seine musikalischen Visionen mit einer Generation von jungen, mit „Trout Mask Replica“ bereits sozialisierten Musikern entwickeln konnte.

Die Band zelebrierte in der „Showbox“ Beefhearts Geburtstag (zu hören auf dem Bootleg „Don's Birthday Party“). Der Captain selbst zeigte sich gerührt und verhagelte bei „Bat Chain Puller“ seinen Einsatz, weil ihm seine eigenen, verknuppelten Lyrics nicht mehr einfallen wollten. Er ließ die Band stoppen und entschuldigte sich. Es sei nicht die Schuld der Musiker, er hätte nur die Lyrics vergessen, es sei eben sein Geburtstag. Bedenkt man, mit welchen bisweilen tyrannischen Spielchen er gut ein Jahrzehnt davor zu Zeiten von „Trout Mask Replica“ seinen Mitmusikanten auf die Nerven ging (Magic-Band-Drummer John French und Gitarrist Bill Harkleroad schrieben Bücher darüber), scheint der spätere Beefheart, wie er sich um die 1980er Jahre herum präsentierte, ein gutmütiger, milde verschrobener Zeitgenosse gewesen zu sein. Trotzdem ließ es sich der Captain auch in dieser Lebensphase nicht nehmen, z.B. Gitarrist Gary Lucas die Finger vom Griffbrett zu reißen, wenn der nicht genauestens nach seinen Vorgaben spielen sollte.

Mythos

Es ist gar nicht so einfach, Don Van Vliet hinter seiner ungeheuerliche Kunst zu entdecken, wenn man sich durch die diversen Mythen und vermuteten Wahrheiten kämpft. Auch wenn durch die vermuteten Wahrheiten die Mythen naturgemäß doch ein wenig dahinbröckeln. Hat er wirklich zweieinhalb Jahre lang nicht geschlafen? Existieren die 600 Gemälde und die Seekiste mit den unveröffentlichten 15000 Gedichten, 30-40 Dramen und 10 Romanen (Stand: 1972) etwa doch nicht? Verkaufte er ernsthaft Aldous Huxley einen Staubsauger? Hielt sich Don Van Vliet wirklich für „die Reinkarnation eines Rembrandt-Freundes und Malers gleichen Namens, dem dieser zu seinen stets unvollkommenen Werken schrieb: 'Ich bin ganz gut, aber wenn du mal eines zu Ende brächtest … wow!' (aus „Rock Session 3“, Rowohlt, 1979)? Was der Captain jedenfalls jede Menge besessen haben muss, ist Humor. Das bestätigen nicht nur viele seine Mitstreiter in unzähligen Anekdoten, sondern das scheint auch in einigen Lyrics durch, ebenso in den kryptischen Titeln, die er seinen Gemälden zu geben pflegte. Ganz zu schweigen von den Fantasienamen, mit denen er liebevoll die diversen Magic-Band-Musiker bedachte. Und schaut man sich die beiden Gastspiele Beefhearts bei der David-Letterman-Show 1980 und 1982 an, dann kann man sich gut vorstellen, wie inspirierend und faszinierend er auf sein Umfeld gewirkt haben muss.

Natur

Beefhearts Naturbeobachtungen sind Wahrnehmungsritte durch Flora und Fauna. Sieh in „I Like The Way The Doo Dads Fly“ durch das Auge einer Libelle im Angesicht von Gottes glücksgrüner Zunge wie ein gigantischer Seestern in Meer und Schaum versinkt. Auf „Trout Mask Replica“ lässt Beefheart die Musik durch ein Fliegenohr hindurch aufnehmen, welches nur durch ein Fliegenauge zu erkennen ist („Master master/ This is recorded thru a flies ear/ And you have to have a flies eye to see it!“, aus „The Blimp“). Auf dem Cover von „Trout Mask Replica“ schaut/riecht/spricht der Captain durch das Gesicht einer Forelle (die in Wirklichkeit ein Karpfen ist). Ein Oktopus träumt in Alliterationen ("Neon Meate Dream Of A Octafish"). Die Natur-Lyrik Beefhearts ist fern jeglicher Romantik oder Kitschigkeit, denn sie nimmt auch mit nicht-menschlichen Sinnen wahr. Die Menschheit macht dabei zudem eher eine unglückliche Figur: Sie schießt sich als Affenpaar in den Weltraum, bildet seltsame Hybridwesen aus, wird shanghait, beutet die Vorkommen an Erdöl aus (was laut Beefheart nichts anderes als Saurierblut ist) oder muss beinlos am Strassenrand Bleistifte verkaufen.

Aus des Captains dichterische Stolpersteine ragen krude Vergleiche wie Kaktusblüten aus der mit abseitigem Vokabular gespickten Poesie: “Lilies leaped like flat green hearts with white hearts/ Squirting yellow pollen...cocks.../ Ferns ran like cool spades...fossils...away from rocks” (aus „Making Love To A Vampire With A Monkey On My Knee“). Es prasseln Reime auf Reimimprovisationen (“Artifact on rose petals/ 'n flesh petals 'n pots/ Fack 'n feast 'n tubes tubs bulbs/ In jest incest injest injust in feast incest/ 'n specks 'n speckled speckled/ Speckled speculation”, aus „Neon Meate Dream Of A Octafish“) auf wütende, selbstreflexive Verse („God, please fuck my mind for good/ Making love to a vampire with a monkey on my knee/ Oh fuck that thing...fuck that poem...”). Das klingt wunderbar kantig und geschliffen zugleich. Selbst wenn man kein Wort verstehen sollte!

Auch einige musikalische Ideen ließ sich der Captain von der Natur und den Geräuschen derjenigen Technologien diktieren, mit der der Mensch versucht, sie zu beherrschen: Dem Groove von „Bat Chain Puller“ liegt das Geräusch des Scheibenwischers von Beefhearts altem Volvo zugrunde, das er auf Tape aufnahm, als er an einer Bahnschranke wartete, während der Zug an ihm vorbeirauschte. Und das ist eigentlich auch eine gute Metapher für den Eindruck, den Beefhearts Musik in seinen stürmischen Momenten auf den Ersthörer macht. Ein anderes Mal soll Beefheart der Legende nach einem seiner Musiker den Rhythmus eines neuen Songs erklärt haben, indem er einen Stock gegen die Wand warf. Das zufällige Klacken beim Aufprall auf Wand und Boden bildete dann die Grundlage des Beats. Und das wiederum ist eigentlich eine gute Metapher für „Trout Mask Replica“:

Trout Mask Replica

„Trout Mask Replica“ ist das schönste und das schlimmste Album zeitgenössischer Musik, das ich kenne. Ein totales, konzeptionelles, von einer handvoll Idealisten hart erarbeitetes, in seiner Konsequenz filterloses und freies Kunstprodukt. Geerdet in allen nur denkbaren Formen amerikanischer Musik. Dem elektrischen Blues und Ornette Coleman ebenso geschuldet, wie den Klangarchivaren alten Folkguts wie Alan Lomax oder Harry Smith, angereichert mit gesprochenen Gedichten, Field-Recordings und Lyrics mit Fokus auf die Verstümmelten und Fettleibigen, die Armen, die Hässlichen, die Heimatlosen und die Shanghaiten; auf die armen Fürze, Hobos und Massengemordeten; auf die Macht uralter Religionen im Schein des Mondes von Vermont; auf die Gleichzeitigkeit von Mensch und Tier und auf das Denken gelebter und noch lebender Kreaturen ausserhalb unseres Wahrnehmungsvermögens. Kurz: „Trout Mask Replica“ ist sowas wie ein modernes, radikal vertontes „Moby Dick“. Die Art und Weise, wie jagende, gegenläufige, sich überlagernde Rhythmus- und Melodie-Muster die Tracks durchziehen, erinnert stark an die afrikanische Art des Banjo-Spiels, wie sie mit den Sklaven nach Amerika kam. Nur, dass Beefhearts Magic Band mit einem Grundgerüst aus zwei E-Gitarren, einem Bass und den unvergleichlich klöppelnden Drums von John French a.k.a. Drumbo die Polyrhythmie noch um einige Windungen weiterdreht.

Die Metapher zigfacher, diffuser kultureller Spiegelungen ist sehr schön im Plattencover von „Mirror Man“ eingefangen, wo sich ein Bild Beefhearts in dutzenden kantigen Splittern reflektiert. Und was ist der Anfangsvers eines Songs auf „Mirror Man“ - „Mayflower child met a 25th Century quaker“ - anderes als die Beschreibung eines kulturellen Aufeinandertreffens, wie es sich auch an Bord der Pequod hätte abspielen können?

Wüste

Beefheart verbrachte eine Großteil seines Lebens in der Mohave-Wüste, was an sich schon kurios ist, denn er litt unter einer Sonnenallergie und kam erst im Dunkeln aus seinem Wohnwagen heraus, um buchstäblich den Kojoten gute Nacht zu sagen. „I was born in the desert“ ist der erste Vers, der auf Beefhearts Debutalbum „Safe As Milk“ zu hören ist. Nicht zufällig begann auch PJ Harvey ein Album mit diesen Worten, stand sie doch laut eigener Aussage seit vielen Jahren im regelmäßigen Telefonkontakt mit Van Vliet. Sie übernahm sogar das Anfangsriff und pitchte es auf Zeitlupe herunter.

In Van Vliets Malerei ist die Wüste omnipräsent und ubiquitär belebt. Jeder energisch gezogene Strich, jede in diffusen Grenzen ausfließende Farbfläche auf der Leinwand scheint ein Eigenleben zu leben. Menschliche Gestalten haben Tierköpfe, auf Tierkörpern thronen menschliche Fratzen, Gliedmaßen ragen undefinierbar aus den Körpern heraus. Seine Bilder überlagern sich in verwirrender Gleichzeitigkeit, wie es seine musikalischen Ideen ebenfalls zu tun pflegen. Legendär ist das große Skizzenbuch, das Beefheart in den 1970er Jahren häufig in einer Plastiktüte bei sich trug, und das randvoll bemalt war mit den zwittrigen Wesen seiner wüsten Fantasie. Nach seinem Rückzug aus der Musik 1982 entwickelte sich Beefhearts Malerei zu immer abstrakteren Motiven. Der Maler und Filmregisseur Julian Schnabel machte ihn in Kunstkreisen bekannt, die Galerie Ludwig stellte aus, Beefhearts Bilder erzielten hohe Preise, und erstmals konnte Don Van Vliet von seiner Kunst gut leben. Damit war der Rückzug aus der Musik besiegelt.

Einfluss

Reicht der Einfluss Captain Beefhearts wirklich weiter als zu den bis zum Erbrechen immer wieder genannten PiL, Devo, The Fall, Tom Waits, P.J. Harvey oder Pere Ubu? Im Prinzip führt jede an organisiertem Chaos und Noise interessierte Band den Beefheartschen Weg mehr oder weniger unbewusst fort. Die New Yorker Liars fallen mir ein, die sowohl in der Bearbeitung ihrer E-Gitarren wie auch in ihren Perkussion-Experimenten die polyphone Wirrnis der Magic Band zu reflektieren scheinen. Oder Bands wie Hair Police, die gleich ganz ihren vielfach gebrochenen Krach von jeglichen Gefälligkeitsspuren befreien.

Interessanterweise bekennen sich oft Musiker zu Beefheart, deren eigenes Musikschaffen seit gefühlten Ewigkeiten nicht mal in die Nähe seiner Musik kommt. Zu denen zählt auch Sean O'Hagan, der einen sehr guten Text zu Beefhearts Tod auf Freitag.de veröffentlicht hat, und dessen letzte, gemächlich daherdümpelnden Werke der High Llamas ein Beefheartscher Notensturm gut getan hätte. Wie übrigens auch dem erklärten Beefheart-Fan Andy Partridge, der sich mit seiner Band XTC irgendwann im kunsthandwerklich gediegen getöpfertem Sixties-Pop verlor.

Empfehlung

Ich erliege zu bestimmten Zeiten der Versuchung, einem Beefheart-Unkundigen einen musikalischen Fahrplan zusammenzustellen, mit dem ich hoffe, „Trout Mask Replica“ möge sich dadurch in angenehmerer Weise erschließen als in der unvorbereiteten direkten Konfrontation. Meist empfehle ich dann als Einstieg die letzten drei Alben des Captains – „Shiny Beast (Bat Chain Puller)“, „Doc At The Radar Station“ und „Ice Cream For Crow“ - weil sie vieles, was auf „Trout Mask Replica“ noch erkämpft werden musste, mitreißend und weniger knollig fortführen.

Aber so ein Fahrplan ist Quatsch. Es gibt nichts, was einen auf „Trout Mask Replica“ vorbereiten kann. Herman Melvilles „Benito Cereno“ bereitet einen ja auch nicht auf „Moby Dick“ vor. Es gibt keine Abkürzung. Man muss den vollen, langen Weg gehen, egal, von wo man kommt. Und das ist vielleicht auch die Lehre, die man aus Beefhearts Kunst insgesamt ziehen kann: Mache Kunst, auf die man sich nicht vorbereiten kann.

Lyrics, Gedichte, Malereien, Fotos, Clips, Essays, Musik, etc. auf beefheart.com

FEELIES x minuten intro zwei minuten song

2010-11-14T23:22:00.008+01:00

THE FEELIES - crazy rhythms (1980)

Die Urmutter pubertären Indieschrammels, nur viel besser und akzentuierter. So nie wieder erreicht. Vielleicht auch von niemandem so wieder versucht. Es ist aber auch verdammt schwer, einen technisch ähnlich guten Drummer zu finden wie Anton Fier. Vielleicht kann man das afrikanische Geklöppel neuerer NYC-Bands noch als Nachhall nennen (Vampire Weekend). Gilt im Prinzip auch für das Cover: Klassisch, stilbildend. Nie hat sich eine jugendliche Vorstadt-Band so brav und subversiv in Szene gesetzt: zugeknöpftes hellblaues Polo-Shirt, Wollpullover mit V-Ausschnitt, ordentliches Hemd und ordentlich gekämmte Frisuren vor hellblauem Himmel – ein Anti-Punk-Statement – und dabei hat die Energie ihrer Musik so ziemlich alles vom Teller geklopft, was sich 1980 als Punk definierte.

SUFJAN STEVENS um acht ins bett

2010-10-20T23:46:00.011+02:00

SUFJAN STEVENS: the age of adz (2010)

Fazit nach dem ersten Durchlauf: Mit Knarz- und Bollerelektronik wahllos aufgebrezelter Bullshit. Fazit nach dem zweiten Durchlauf: Mit Knarz- und Bollerelektronik wahllos aufgebrezelter Bullshit mit ein paar netten Einfällen, von denen kein einziger selbst einen zweiten Outtake-Aufguss von "Illinois" überstanden hätte.

Ich hoffte beim letztjährigen mau-chaotischen "BQE" noch auf ein nur kurzzeitiges Prog-Austoben, mit dem sich Sufjan Stevens mittels viel heißer Luft vielleicht aus dem Erwartungsdruck befreien wollte. Sehe meine Hoffnung aber enttäuscht angesichts von "The Age of Adz", das so klingt, als hätten die Flaming Lips ihre psychedelischen Erwachsenen-Monster an eine familienfreundliche Vorabendserie verhökert.

Schade, dabei klang die "All Delighted People"-EP sehr vielversprechend. Sie lässt mich dann doch weiter auf zukünftige Stevensche Knaller hoffen.

BERT JANSCH zupfen im canyon

2010-10-18T22:52:00.005+02:00

BERT JANSCH l.a. turnaround (1974)

Mir kommt des öfteren im Moment Bert Jansch mit "L.A. Turnaround" (1974) in das Abspielgerät. Ich fremdelte anfangs noch ein wenig mit seinem Gesang, weil ich dieses artifiziell Englische nicht immer so mag, aber ich komme mittlerweile gut damit klar. "LA Turnaround" ist durchweg hervorragender Brit-Folk, der durch den Pedal-Steel-bewimmerten Laurel Canyon geschleift wurde.

Jansch ist ein ganz außerordentlicher Akustikgitarrenspieler, der kanten und runden kann, wie es ihm gerade passt. Das kommt natürlich auf den drei Solo-Aufnahmen des Albums noch mal deutlicher zur Geltung. Die Aufnahmen mit Musikermannschaft sind ebenfalls alle außerordentlich gut, die Band ist mit dezentem Gefühl voll dabei.

Einige Bekannte sind auch darunter: Klaus Voormann am Bass, Monkee Mike Nesmith hat produziert und unterstützt Jansch auch an der Gitarre. Klingt so als hätte nicht viel gefehlt, und das wäre ein sicherer Millionenseller geworden. Irgendwas ging aber schief und Bert Jansch musste sich vor ein paar Jahren selber eins der wenigen Original-Exemplare von "L.A. Turnaround" bei Ebay ersteigern.

Kleines feines Booklet mit schönen Fotos und einem informativen Text in glitterhousekatalogkleiner Schrift (immerhin noch größerer als diejenige der Lyrics). Es gibt Bonus-Tracks auf der WVÖ-CD und einen kleinen Film - "LA turnaround ... the movie". Bert Jansch hat am Remastering der CD mitgewirkt. Bitte hören.

MARTIN BÜSSER IST TOT

2010-09-24T09:43:00.001+02:00

Das ist wirklich ein Schock.

http://nationofswine.ch/2010/09/24/martin-busser-rip/

Nach kurzer schwerer Krankheit. Jahrgang 1968. Ich hatte mit Martin Büsser kurz zu tun, als ich einen Text zu einem Buch beitrug, das in seinem Ventil-Verlag erschien. Mir fiel er natürlich auch schon vorher auf, weil er den durchaus streitbaren Begriff "Anti-Folk" zumindest im deutschen Sprachraum entscheidend mitprägte. Büsser war für mich immer ein sehr leidenschaftlicher Vielschreiber in Sachen Musikkultur, enorm kenntnisreich, auch wenn ich nicht immer mit ihm übereinstimmte. Und sowas wie den Ventil-Verlag, der ja sehr viele interessante Bücher im Programm hat, muss man erstmal wuppen. Letztes Jahr lernte ich bei einem Banjo-Jam zufällig einen langjährigen guten Freund von ihm kennen. Er berichtete mir, Büsser wolle demnächst eine Weile in Brooklyn leben und über die dortigen Szenen schreiben. Es ist entsetzlich traurig, dass Martin Büsser nun nicht mehr lebt.

THE DB'S zweimal gut

2010-09-23T08:24:00.007+02:00

Die dB's starteten 1981 mit „Stands For Decibels“ sensationell: Van-Dyke-Parks-artige Hosentaschen-Suiten („She's Not Worried“, „Moving In Your Sleep“) wechselten sich mit knackigen Anderthalbminütern ab („Big Brown Eyes“), die zwingende Melodien mit jenem Kunststrand berieselten, in dem Brian Wilsons Käsemauken steckten, als sogar „Pet Sounds“ noch in der Zukunft lag.

Der Zweitling - „Repercussion“ (1982) – spielte etwas auf Sicherheit, war aber ähnlich gut. Alle folgenden Alben der dB's wollten wir, das Häuflein versprengter dB's-Fans in Kiel, gut finden. Diese unausgesprochene Absicht empfanden wir als so unabdingbar notwendig, dass wir tatsächlich viel Gutes an den Platten (er)fanden. Wir täuschten uns über ihre Mittelmäßigkeit hinweg, so tief hatten die ersten beiden Werke der dB's auf uns eingewirkt.

DOCTOR MIX & THE REMIX trotzdem gut

2010-09-01T14:27:00.007+02:00

DOCTOR MIX & THE REMIX
wall of noise
1979

Doctor Mix & The Remix ist der wohl blödeste Name einer tollen Band, der mir jemals untergekommen ist. Haben nur eine Platte gemacht. 1979. Auf Rough Trade (Rough 6). Schmirgel-Fuzz mit Rhythmusbox, Gruftstimme und erlesenen Coverversionen. Steht bei mir in der physischen Sammlung neben Dälek. Und da gehört's auch hin. Lohnt sich also immer noch.

ELP und HAUNTED MUSIC

2010-08-26T23:52:00.019+02:00

Dies ist der zweite Teil der sporadischen Kolumne 'Musik zu aktuellen Zeiten trifft Musik zu Urzeiten'.

POCAHAUNTED

"Tarkus" von Emerson, Lake & Palmer? …Hm… Was sagt der AllMusicGuide? Denn - unter uns - ich habe diesen aufgeblasenen Quatsch seit 19 Jahren nicht mehr gehört. Es können auch 29 sein. So genau weiß ich das nicht mehr. Ich weiß auch nicht mehr genau, wie "Tarkus" klingt. Auf alle Fälle schwierig und lang. Sehr lang. Ich habe versucht, die Platte bei ebay zu ersteigern. Aber ich merkte schnell, dass meine Preisvorstellung unterhalb des Mindestportos lag. Egal. Emerson, Lake & Palmer sind keine Gruppe, die heutzutage in Musikcheckerkreisen Punkte einbringt. Das muss als Charakterisierung genügen.

Ich gehe trotzdem an die Öffentlichkeit Mitteleuropas, um zu sagen: Es ist OK, Tarkus im Schrank zu haben, sie ausgewählt zu haben und die lange Titel-Suite durchgehört zu haben. Denn jeder sollte mal in früher Pubertät durch ein langes Hochkultur-Prog-Epos durch. Und wenn auch nur zu dem Zweck, sich entweder von derlei Kraftmeierei nachhaltig einseifen zu lassen oder für den Rest des Lebens mit Grausen abzuwenden. Man muss gar nicht tief in die miefige Grabbelkiste von 1970er Progrock greifen, um eine der beiden Initialerfahrung zu machen. Denn was damals ELP im Angesicht von großkotzigen 16-Tonnen-Synthesizern, Drum-Batterien und Klimper-Bombast in zig Monaten Studioarbeit umringt von einer Kohorte Tontechniker fabrizierten, das spielt heute eine Math-Rock-Band wie Mars Volta zum Aufwärmen im Tourbus.

Mittlerweile sind lange Tracks sowieso wieder eine völlige Selbstverständlichkeit, zumindest wenn man sich beispielsweise für Freeformrock-Kollektive aus Oregon interessiert oder die geisterhaften Gebiete erforscht, in denen Leute wie Pocahaunted, Sylvester Anfang II oder LA Vampires & Zola Jesus unheimlich herumhuschen. Dooms und und Drones gehen ja auch locker mal über eine Stunde. In jener haunted music wird nicht gekraftmeiert, sondern eine sehr spezielle Körperlosigkeit und Stase hergestellt, die - das ist meine Theorie und außerdem ein völlig anders Thema - viel gemein hat mit der Körperlosigkeit des Internets.

"Tarkus" dagegen ist uraltes, anachronistisches Technokratenhandwerk. Ist wie Zuckerwatte mit Löffel essen: schwierig und verzichtbar. Ist: Schaut, was ich alles an der Orgel kann! Rock ist gar nicht simpel, sondern schwierig wie Klassik. Wir können das technisch spielen, ihr nicht. Ätsch! Mehr steckt nicht dahinter, außer vielleicht eine gehörige Portion Eigentestosterondoping.

Zum Plot (denn ohne Plot kein Prog): "Tarkus" ist eine Art lebender Panzer mit Hybridmotor, der allerlei abenteuerliche Kämpfe auf dem aufklappbaren Albumcover besteht. Gegen andere lebende Hybrid-Panzer-Wesen, die mit Kanonen, Raketen, hakenbewehrten Eisenkettenschwänzen und ähnlichem bewaffnet sind. Stellvertretend habe ich versucht, dieses Panoptikum an Fabelwesen durch eine Briefwaage zu versinnbildlichen (siehe Foto).

Tarkus besiegt die Maschinenwesen jedenfalls fast alle und zieht buchstäblich kopflos auf dem letzten Bild von dannen. Wahrscheinlich sehr einsam. Kann sich ja jeder ausmalen. Wir lebende Panzer hauen uns gerne zu Klump, sind aber danach ganz schön traurig, weil wir einsam zurückbleiben. So in der Art etwa. Das ist das sehr bedeutsam, klar. Konzept. Komme mir keiner mit: Ihr müsst euch ja nicht prügeln. Sooo einfach ist das nicht. Was soll man denn machen, wenn man statt Arme nur Kanonen hat? Dann muss man ballern. Keine Widerrede. Haudraufundschluss.

Mittlerweile habe ich die ganze Platte doch mal wieder gehört, um der journalistischen Sorgfaltspflicht zu genügen. Auf der zweiten LP-Seite gibt es ein paar hübsche und weniger klotzig-lange Songs zu hören, von denen ich das leicht ironisch fließende "Jeremy Bender" sogar sehr gelungen finde. Greg Lake singt dort gar ein bisschen wie John Lennon, wie ich gerade in diesem Moment zu meinem Erstaunen feststellen muss. Bitte trotzdem nicht mehr Geld für "Tarkus" ausgeben, als eine Briefwaage wert ist.

Tarkus-Suite:

Jeremy Bender

Pocahaunted:

Die tollen LA Vampires & Zola Jesus: zwar nicht lang, aber haunted

Sylvester Anfang II:

Mars Volta

EDGAR BROUGHTON BAND abhängen mit den broughtons

2010-08-26T17:54:00.019+02:00

Dies ist der erste Teil der sporadischen Kolumne 'Musik zu aktuellen Zeiten trifft Musik zu Urzeiten'.

Diese Kolumne wird sich im Verlauf mit Tier-Maschine-Hybriden, 16-Tonnen-Synthesizer, gut abgehangenen Schlachthaushälften, Drogies, Lazy-Playing in Kingston/Jamaica, geilen Auflösungserscheinungen, offenen Hosenställen und I-Was-Holzfällerhemd-Before-You-Were-Holzfällerhemd-Rock beschäftigen - falls nichts dazwischen kommt.

Ich komme im Moment einfach nicht raus aus den vergilbten Zeugnissen ferner Epochen, auch wenn das normalerweise gar nicht meine Art ist und ich jene Zeit, um die es hier geht, nicht unbedingt am Puls derselben verbracht habe, sondern eher am Rockzipfel meiner Mutter oder auf dem Bolzplatz einer beliebigen Kleinstadt mit Doppelnamen. Um dem Verdikt der Aktualität zu entsprechen, will ich versuchen, neuere Kulturerzeugnisse geschickt in die Fortsetzungstexte einzubauen, damit spätere Generationen sie auch genau auf 2010 datieren können.

Schuld an dieser momentanen Abkehr vom aktuellen Musikgeschehen ist übrigens mein Schwager, den ich durch reine Gedankensuggestion dazu brachte, mich zu fragen, ob ich nicht ein paar seiner alten Platten haben möchte. Ich schwöre, so ist es gewesen! Ich sagte also nicht nein und zog mit einem dutzend LPs von dannen, die mich zu jenen Urzeiten (bzw. etwas später) doch ziemlich prägten, als ich als 13 bis 16 Jähriger fast uneingeschrängten Zugriff zu seiner Sammlung hatte. Und da Popmusik im Moment sowieso nur noch die Bedeutung des Soundtracks zur Software hat, kann ich mich ja auch gleich in verruchte Epochen begeben, in denen Männer noch kein Deo kannten und Kupferkessel nur einmal die Woche Samstags heißes Badewannenwasser bereit hielten.

Den Anfang macht die Edgar Broughton Band.

1971, back in the heydays of sozialistische Rockerideologien made in Britain, kommt ihr selbstbetiteltes drittes Album heraus. Gemessen an dem rohen Coverfoto, das eine Halle voller Rinderschlachthälften zeigt, zwischen denen ein nackter Mann kopfüber, äh, abhängt, ist die Musik selbst schockierend einschmeichelnd und durchdacht, dabei durchaus mit Eingeweiden (die auf dem Cover schon fachgerecht entfernt sind) und Pathos (dunkel flirrende Streicher, Bläser, Chor), mit schwerem Bluesrock bisweilen, immer jedoch mit der dunklen Stimme Edgar Broughtons, die selbst in käsigen Momenten noch eine Gefährlichkeit markiert, wie sie sich damals zwangsläufig auch in Bart und fettigem Langhaar manifestierte. Das sind Rocker, Mann!

Die Innenansicht des Klappcovers mit den blutverkrusteten Gesichtern könnte als Blaupause späterer kuttenbehängter Sunn O)))-Pressefotos herhalten. Auch aktuelle Softrocker wie Midlake könnten sich ihre Bärte einmal im Spiegel der Edgar Broughton Band betrachten.

Die kämpferische Attitude Broughtons nimmt auch private Rückzüge in sich auf („All I want is a piece of my own/ A lot of land/ And some sticks to build a home“) oder sieht das Ende nahen, als sich ein Vogelschwarm kurz zu einer riesigen Säule formiert („Evening Over Rooftops“). Tatsächlich kann die Platte sehr überzeugend verbergen, wie gut sie auch heute noch ist.

Bewertung: 20 von 22 Fleischerhaken bei vorschriftsmäßiger Kühlhaustemperatur

Als Bonus nahm ich noch die zweite Broughton „Sing Brother Sing“ mit, auf der mir bis heute allerdings nur ein Song gefällt („There’s No Vibrations But Wait!“), der Rest ist uninspirierter Hippie-Rock-Psych-Jam-Kram. Die Platte ist signiert: „Peace Edgar Broughton“ + unleserlich. Das macht's nicht besser. Trotzdem: Peace.

Bewertung: 3 von 31 Prog-Drops.

(wird fortgesetzt, ausser es hagelt Proteste)

REAKTIONEN sternenhaufen entdeckt

2010-08-24T16:12:00.006+02:00

Nachdem die letzte Sternchenbewertungsaktion aufgrund technischer Dauerprobleme kläglich gescheitert ist, hat sich die ZUZEITEN-Redaktion einstimmig für ein neues, simpleres Bewertungssystem entschieden.

Der geneigte Leser beachte bitte die kleinen Sternenhäuflein, die sich unter den Beiträgen eingefunden haben. 4 Sterne = prima, 1 Stern = nicht so. Der Rest liegt in der Mitte, wie sicher jeder schon messerscharf geschlussfolgert hat. Wer es also zu eilig hat oder gerade zu lethargisch ist, um einen Kommentar zu schreiben, kann seine Marke auch in Form von Sternchen setzen. Wir hier in den hallenden Hallen der ZUZEITEN-Redaktion fühlen uns dann ein kleines bisschen weniger einsam, sam, am.

ZUZEITEN-REDAKTIONSORCHESTER bluesimprovisation 1

2010-08-20T13:14:00.013+02:00

Am 20.8. tagte das vollzählig erschienene ZUZEITEN-REDAKTIONSORCHESTER, um sich einen Blues zu pluckern. Anwesende: Ahrensfeld auf dem 5-String-Banjo.

Bluesimprovisation 1 by wahr

DANIELSON FAMILE kirchentagshorde in gut

2010-08-18T12:08:00.005+02:00

[RAW RELIGION]

Danielson Famile

DANIELSEN FAMILE

Daniel Smith formte mit seiner Danielson Famile den Prototyp einer durchgeknallten Christenband. Preise den Herrn mit einem Sammelsurium aus lose chaotischem Folkgewusel! Ich preise gedankenlos mit.

SUFJAN STEVENS suchen und finden in pickeral lake

2010-08-18T11:53:00.008+02:00

[RAW RELIGION]

Sufjan Stevens

Überzeugter Christ, der sich nicht zu schade ist, auch Kirchenmusik in seinen musikalischen Kanon einzubauen. Stevens versucht so etwas wie eine allumfassende Melange aus Folk, Gospel, Cheerleader-Chor, Peanuts-Soundtrack und Elektronik zu entwickeln und ist damit sehr sehr weit gekommen – auch wenn er auf seinem letzten Werk "The BQE" (2009) die thematisch angebetete Zubringerbrücke Brooklyn-Queens Bridge mit viel heißer Luft beschallt.

Seine beiden Hauptwerke - „Michigan“ und „Illinois“ - halten sich mit offensichtlich christlichen Themen relativ zurück. In die volle christliche Metaphernlandschaft, wo sich Gott und Teufel gute Nacht sagen, geht er bei „Seven Swans“, das er auch gleich bei New Jerusalem/Sounds Familyre veröffentlichte, dem Label von Daniel Smith.

Trotzdem wählt die ZU-ZEITEN-Redaktion ein Stück aus dem "Michigan"-Album aus: „Oh God, Where Are You Know? (In Pickeral Lake? Pigeon? Marquette? Mackinaw?)“:

SPIRITUALIZED® pharmakodynamisch

2010-08-18T09:55:00.008+02:00

[RAW RELIGION]

Spiritualized^®

Spiritualized^®: Jason Pierce's Nachfolgeband von Spacemen 3. Gingen weiter auf dem selben Pfad und verbreiterten ihn zu einer üppigen Prachtstraße, die geradewegs in die Kathedrale führt. Mit viel mehr Gospel, Chöre, Orchester, Country und Elektronik, o Lord. Die Drogen blieben und spiegeln sich auch in der an Pharma-Design angelegten Bandpräsentation (http://www.spiritualized.com/admissions/). Empfehlenswerte Alben: „Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space“, „Let It Come Down“, „Amazing Grace^®“.

Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space (live, 2009)

SPACEMEN 3 gehenlassen mit jesus

2010-08-18T00:23:00.007+02:00

[RAW RELIGION]

Spacemen 3

SPACEMEN 3

Spacemen 3 haben den Katholizismus mit Zitronensaft aus einem mit einer geweihten Kerze erhitzten Löffel in die Spritze gezogen. Brüder im Geiste der Velvet Underground und der Stooges. Wenn sie den Lord besingen, einfach Heroin mitdenken (und andersrum).

„Feel So Good“

„Walkin' with Jesus“

„Come Down Easy“

BLIND WILLIE JOHNSON transzendent war die nacht

2010-08-16T08:41:00.009+02:00

[RAW RELIGION]
Blind Willie Johnson: "Dark Was The Night"

BLIND WILLIE JOHNSON

Als John Fahey in den 1950ern über die (US-)Lande zog, hörte er Blind Willie Johnsons "Praise God I'm Satisfied" auf einer Schallplatte und pries es als das beste Stück, welches er je gehört habe. Blind Willie Johnson war ein singender Straßenecken-Evangelist (oder wie würdest du „A singing street-corner evangelist“ übersetzen?), der die sehnendste Slide-Gitarre spielte, die mir überhaupt machbar erscheint. Da Johnson zudem noch ein tiefes, kratziges Brummen in seiner Kehle erzeugen konnte, hatte er alle Voraussetzungen, um mit „Dark Was The Night“ das "most transcendent piece in all American music“ (Ry Cooder) zu sliden und zu summen. Da transzendentale Stücke sich durch ihre universelle Bedeutung auszeichnen, verzichtet „Dark Was The Night“ auf Worte und lässt jedes verdammte Leid und jedes verdammte Hoffen in diesem flehenden Summen und den flirrend in der Luft stehenden Slidefiguren ihren Ausdruck finden. Nur ein "ooo, Lord" und "aaa, well" (oder "world" statt "well"?) entfleucht Blind Willie Johnson ab und zu mal.

Gepresst auf einer Schallplatte aus purem Gold fliegt der Song im Reisegepäck der Voyager den Sternen entgegen. Und hier mein Merksatz für alle angehenden Priesteranwärter: Wenn ein Mitschnitt Deiner Predigt mit einem Raumschiff zu den Sternen geschossen wird, dann hast Du es geschafft – und wenn Du es stattdessen immerhin schaffen sollten, eine einzige Seele davon zu überzeugen, keinen haltlosen Unfug über andere Personen zu erzählen, dann bist du in meiner Achtung sogar noch ein bisschen höher gestiegen.

Ein Video zu "Dark Was The Night" wartet mit einer kurzen, animierten Biographie auf, alle anderen Videos zu Blind Willie Johnson verbietet mir die tumbe Sony:

Music Matters - Blind Willie Johnson (23-3-10) from Music Matters on Vimeo.

JOHN FAHEY over and over again

2010-08-15T10:13:00.018+02:00

[RAW RELIGION]
John Fahey: "In Christ There Is No East Or West"

John Fahey

Überzeugter Christ und enorm einflussreicher Stahlsaiten-Gitarrist, Verstärker und Archivar primitiver amerikanischer Musikkulturen, Freund von Wiederholungen statt von Variationen, und darin so etwas wie der James Brown der Steel Guitar (Fahey: „No, there's no variation. I just play the same thing over and over“). Achtung, bitte nicht weiterlesen! War schwul!

Zudem war er noch bis zu seinem Tod Betreiber des Revenant-Labels, das sich auf die Dokumentation eben jener „Primitive Music“ spezialisiert hat, der Fahey seine musikalische Leidenschaft verdankt. Motto einer Sammlung alter Vorkriegsgospelmusik auf Revenant („American Primitive Vol.1“): Salve Christmas Guilt! Get Raw Religion! Und nun bitte mal raten, von wem ich den Serientitel RAW RELIGION geklaut habe.

Weswegen ich den Clip zu "In Christ There Is No East Or West" auswähle? Einmal wegen der rauen Religion, dann weil in eben jener Show mit Laura Weber - 'Guitar, Guitar' von 1969 - das "No variation"-Zitat gefallen ist (according to Sufjan Stevens), und außerdem weil es ein wunderbarer Effekt ist, wenn Fahey zu Anfang ein bisschen zart herumspielt, es nicht klar ist, ob das zum Track gehört, um dann erst richtig in das Thema einzusteigen. Keine Variation, nur Wiederholung, oder nicht?

Ich kenne leider das Interview nicht, das während der Show stattfand. Sufjan Stevens beschreibt es im Booklet zu einer John-Fahey-Tribut-CD als "awkward". Ferner soll John Fahey in Ermangelung eines Aschenbechers in das Korpusloch seiner Gitarre geascht haben!

PERE UBU könig im königreich

2010-08-14T11:16:00.008+02:00

[RAW RELIGION]

Pere Ubu: „Jehova's Kingdom Comes!“

PERE UBU new picnic time

LP 1979

Ein Schock unter der kleinen Gemeinde der Liebhaber der Krach-Rock'nRoll-Synth-Avantgarde war es um 1979 herum, als bekannt wurde, dass David Thomas, Sänger der Krach-Rock'nRoll-Synth-Avantgarde-Gruppe Pere Ubu zu den Zeugen Jehova's konvertiert war. Das schien die Gruppe aber überhaupt nicht davon abzuhalten, ihr sperrigstes, fragmentarischtes Album zu erkämpfen: „New Picnic Time“ (1979), dessen letzter Track besagtes „Jehova's Kingdom Comes!“ war. Nach Abschluss des Albums war die Band ein Haufen vergifteter Beziehungen, der sich erstmal eine zeitlang aus dem Weg gehen musste.

„Jehova's Kingdom Comes!“ ist ein sumpfiger Surf-Rocker, in den sich ab und an ein Jerichobläserartiger Synthie durchschlägt. David Thomas jammert, brabbelt und croont sich mehrstimmig durch den Song, wiederholt die Zeilen „Jehova's kingdom comes!“ und „These are the best times of all!“ wie ein Mantra. Seltsame Vibrationen für den Königreichssaal!

Auf „Datapanic in the Year Zero“, einer CD-Box, die die ersten sieben Schaffensjahre der Band dokumentiert, wurde aus „Jehova's Kingdom Comes!“ einfach nur noch „Kingdom Come“. David Thomas ließ Stimmspuren aus dem Track entfernen. „Jehova“ war nicht mehr zu hören. Was blieb: „These are the best times of all!“ Offenbar war Jehovas Königreich so schnell gegangen, wie es gekommen war.

Was soll der angehende Priester daraus lernen? Wenn man einmal etwas aus tiefer Überzeugung glaubt, ist das aber echt noch lange kein Grund, seine Meinung später nicht noch einmal zu ändern.

(Link zu „Jehova's Kingdom Comes!“ nicht auffindbar, daher hier ein Ersatzvideo)

VIOLENT FEMMES im vaterclinch

2010-08-13T14:27:00.010+02:00

[(RAW RELIGION]

Violent Femmes: "See My Ships"

VIOLENT FEMMES - "3"
(1988)

Mindestens ab Platte Zwei (Hallowed Ground) vertonten die Femmes den zweifelnden und leidenschaftlichen Katholizismus von Gordon Gano, der möglicherweise ein vaterfixiertes Problem hatte, welches er durchaus auch mal in der Violent-Femmes-typischen Art des zynischen Spottliedes beackerte („I'm just like my father/ But I am much worse/ He hurt his mother/ I hurt mine worse“, aus „Just Like My Father“).

Auf dem letzten Song („See My Ships“) begleitet Gordon Gano seine Suche nach Schuld und Erlösung ganz alleine mit Akustikgitarre und erschütternder Ernsthaftigkeit. Dabei vermengt er das offensichtlich tief in ihm verwurzelte Gnadens- und Schuldrepertoire der Bibel mit dem Tod Mavin Gays durch die Hand dessen Vaters. Ich weiß nicht, wie das ganze bei Gano ausging, aber von den Violent Femmes kam danach nicht mehr viel. Schon für „3“ hatte sich damals (1988) niemand mehr interessiert. Aber das Album gehört zu den intensivsten Aufnahmen der Femmes. Die Platte ist übrigens ihre Vierte, die „3“ bezieht sich auf die Anzahl der Bandmitglieder.

KEITH RICHARDS + WINGLESS ANGELS lifes

2010-08-11T00:24:00.003+02:00

Richards Autobiografie wird am 26. Oktober veröffentlicht. Die deutsche Ausgabe erscheint beim Heyne-Verlag und hat 900 Seiten.

Kleiner, spiritueller, wirklich runterstrippender Zeitvertreib bis dahin: Richards alter Freund - der kürzlich verstorbene Justin Hinds - und seine letzten Aufnahmen mit den Wingless Angels. Hier im Stream:

http://www.winglessangels.com/

ZUZEITEN-REDAKTIONSORCHESTER: hancock mountain

2010-06-08T17:20:00.003+02:00

Nicht dass die Zu-Zeiten-Redaktion nicht auch ständig Musik hört. Sie tut es. Den ganzen Tag. Blackshaw, Rose, Prior, Span - akustischen Kram halt. Aber noch lieber spielt die Redaktion im Moment selber was. Auch wenns nicht so gut klingt, auch wenn es wackelt und schlecht sitzt. Aber es ist eben was anderes, wenn man auf der aktiven Seite des Stücks Holz vorm Bauch sitzt. Selber machen ist toll! Ich bin parteiisch. Hier ein Heuler zu Ehren eines Hügels in Chicago, wenn ich mich nicht irre.

Hancock Mountain Clawhammer Banjo from wahr on Vimeo.

ZUZEITEN-REDAKTIONSORCHESTER: west virginia girls

2010-05-31T23:37:00.005+02:00

Langeweile in der Redaktion. Keine sensationelle Meldung springt uns an. „Bundespräsident ist beleidigt und will nicht mehr mitspielen“, nun gut. „19jährige Sängerin gewinnt Liederwettbewerb“, ahja. „Öl läuft weiter aus“, traurig.

Was liegt also näher, als ein Songlein zu pluckern? Es zu umspielen mit den halb-barbarischen Klängen meines tapferen Banjos aus den Wäldern Virginias? Nichts liegt näher.

Als ich mich dann selbst so betrachtete und versuchte, mein Banjospiel in Worte zu fassen, kamen mir ohne Verzögerung Adjektive wie "hölzern", "mechanisch", "leblos" und "steif" zugeflogen. Aber das ist eben mein ganz persönlicher, faszinierender Stil, ihr verdammten Musikkritiker da draußen!

JERRY GARCIA BAND: dear prudence

2010-05-28T00:03:00.004+02:00

Gut beseelte und angereggaete Version von "Dear Prudence" von Jerry Garcia und Band und Sängerinnen im Hintergrund und Entrücktsolo und Dylan-Orgel und Altmännerbauch und runder Nickelbrille und Mittelscheitel und Nichtfrisur und habe ich sonst noch was vergessen, um euren Abscheu zu befeuern?

RONNIE: gitarrenmeister, aber sowas von

2010-05-26T07:16:00.008+02:00

Würde man mir die Augen verbinden, mir Ronnies Gitarrenmusik aus Botswana vorspielen und mich bitten, zu beschreiben, wie die Musik wohl gespielt worden sein müsste, würde ich auf das hier kommen?

THE GHOST THE HOST THE MOST HOLY-O - Geräusche zu Pfingsten

2010-05-25T06:42:00.020+02:00

Geräusche zu Pfingsten?

Geräusche passen gut zu Pfingsten. Das Pfingstfest feiert den Heiligen Geist, also einen Blitz, der in Körper und Geist fährt, ihn entflammt und beGEISTert. Daher feiert Ahrensfeld ebenfalls etwas, das in den Körper fährt, ihn entflammt und beGEISTert. Geräusche nämlich. Nennt man manchmal auch „Musik“. Und da der Heilige Geist und Musik anscheinend Kumpel im äh Geiste sind, weil sie ähnliches anrichten können, hier meine Topliste an Pfingstmusik. Über alle Religionen und Blasphemien hinweg, vereinend und trennend, atheistisch und fanatisch, surrealistisch und mysthisch, geplant und zufällig. In Wallung und total verkopft, stocksteif in Ekstase. Bumm! Bumm! Bumm! Stillstand! So sieht's aus.

Judee Sill: Same (1971)

Singer-Songwriterin mit sanfter Stimme, Folk-Gospel, im Dunkeln verankert, mit Streichern und unwiderstehlichen Songs. Christliche Motive durchtränken die Lyrics. Es geht ums Sehnen und ums Suchen. Auf der Suche nach Sinn fand sie auch zum Heroin. Dem Musikjournalismus wird ja oft vorgeworfen, er würde hemmungelos übertreiben und alles zum Ultimativen hochschreiben. Daher halte ich mich mit meinem Urteil zurück und bleibe sachlich: Judee Sill schrieb die schönsten Melodien des Universums. Am 23. November 1979 starb Judee Sill 35jährig an einer Drogenüberdosis. Einen Tag nach Thanksgiving. Nahm sie sich das Leben nach jahrelangem Rückenleiden und nach nicht mehr wirkenden Schmerzmitteln? Neben der Leiche fand man frische Aufzeichnungen über eine Missbrauchsgeschichte. Möglicherweise waren es Skizzen für eine Songgeschichte. Möglicherweise war es von ihr erlebte Wirklichkeit. Möglicherweise tat ihr das Leben insgesamt zu weh.
Holy-Ghost-Faktor: 8 von 9 Kosmen.

Daniel Higgs: Metempsychotic Melodies (2007)

In den geheimnisvollen, breitflächig tätowierten Maler, Musiker und Lyriker Daniel Higgs ist der Heilige Geist mit solcher Wucht eingefahren, dass sich Higgs vor lauter bibelpathetischen und surrealen Visionen nicht mehr zu retten vermag. Dazu spielt er Musik und Krach auf dem Banjo, der Maultrommel und anderen Instrumenten, die er durch Verzerrer anraut oder die er draußen unter dem Himmel von Vogelgezwitscher begleiten lässt. Higgs singt „wie ein Prediger nach Kabelbrand seine auf Bibel-Ikonografie und -mystizismus basierende Apokalypsen-Lyrik über Liebe, Körper, Transzendenz und Kosmos“ las ich irgendwo. Ich glaube sogar, ich habe es selbst geschrieben.
Holy-Ghost-Faktor: ∞

Kammerflimmer Kollektief: Cicadidae (2003)

Ein taumelnder Ritt durch Musik eines Kollektivs, das Jazz-Improvisationen spielt, aufnimmt, auseinanderreißt und in Zeitlupe nach kosmischen Gesichtspunkten in Heimarbeit wieder zusammenlötet. Idealer Begleiter in 30 Grad heißen Nächten, wenn der Körper und das Denken ganz weich sind und kaum noch Widerstand bieten für geisterhafte Erscheinungen. Spielt es toter Materie nur oft genug vor, dann wird sie schon lebendig werden.
Holy-Ghost-Faktor: 1000 verschwitzte nackte Körper, an denen 1000 verschwitzte Laken kleben.

Brethren Of The Free Spirit: The Wolf Also Shall Dwell with the Lamp (2008)

Nach gewöhnlich gut informierten Kreisen sind die wenigen Infos auf der CD vom Heiligen Geist höchstselbst in die Typographie diktiert worden. Und wenn sich jemand fragen sollte, was „in die Typographie diktiert“ bedeutet, dann kann ich das auch nicht beantworten. Das kann nur der VErantwortliche selbst, und der schweigt seit ein paar Äonen beharrlich. Aber mach dir selbst einen Reim daraus: James Blackshaw spielt eine „12 string Guild Guitar“, er spielt im Todes-Tuning „DADEAD“, Jozef Van Wissem zupft eine „13 course Barock“ Laute. Aufgenommen haben sie „in the Year of Our Lord 2008“, ihren Namen Brethren Of The Free Spirit haben sie einem obskuren Kult religiöser Herätiker aus dem 13. Jahrhundert entnommen. Die Musik: Sich nach nicht durchschaubaren Mustern wiederholende und verschiebende Motive, mesmerisierend und erhebend zugleich. So modern wie uralt. James Blackshaw ist einer der besten zeitgenössischen Gitarristen, die ich kenne. Ich finde ihn nicht eine Millisekunde langweilig und kann guten Gewissens ALLES von ihm empfehlen, obwohl ich gar nicht alles kenne. So einen Vertrauensvorschuss genießt bei mir noch nicht mal der Heilige Geist.
Holy-Ghost-Faktor: 300 Midasberührungen.

James Brown: Give It Up Or Turnit A Loose (von „Sex Machine“, 1970)

Falls der Holy Ghost irgendein Instrument spielen sollte, dann wäre es ein elektrischer Bass. Kein Instrument fährt so gewaltig und doch so geschmeidig in den Körper und die Seele ein. Und elektrischen Strom erzeugt der Heilige Geist doch mit Links! Die Chancen stehen also nicht schlecht, dass uns der Bass des Heiligen Geistes so physisch durchwalkt wie es Bootsy Collins auf „ Give It Up Or Turnit A Loose“ vormacht (oder nachmacht, denn vielleicht hat er ja vorher Bekanntschaft gemacht mit dem Holy-O und spielt deswegen so beseelt?).
Holy-Ghost-Faktor: 643 Phantasien über Körperbewegungen beim Sex.

The Fall: Bury Pts. 1 & 3 (von „Our Future Your Clutter“, 2010)

Mark E. Smith addiert eine weitere Inkarnation seiner Band zu den unendlichen Band-Line-Ups, die in der Summe immer alle so klingen, wie The Fall eben klingen, seit ein entfernter Vorfahre es für eine gute Idee hielt, eine Beutetiersehne zwischen zwei Felsbrocken zu klemmen und erstmals den URAKKORD anzustimmen. So klingen The Fall seit Jahrzehnten, aber so gut haben sie lange nicht geklungen. Bury beginnt im sorgfältigst gewählten, mumpfigsten Mieser-als-eine-Demoaufnahme-Demosound, der Beat klopft stoisch, zwei Akkorde knallen rein, wieder raus, wieder rein, Mark E. lässt seine Lyrikskizzen in den Krach hineinplatzen. Der Sound wird in zwei Schritten klarer, die Band spielt weiter, Mark. E. sprechsingt in unregelmäßigen Abständen in seiner Piratensendernachrichtensprecherstimme – Wir-sind-The-Fall-ihr-bekommt-The-Fall - und du nimmst es oder stirbst. Und so ist der Heilige Geist eben auch: Er fährt auf dich zu und durch dich durch. Ob dabei in dir was hängen bleibt, ist nicht sein Problem. Mach was draus.
Holy-Ghost-Faktor: 60 Millionen Fall-Platten in 6 min 38 sec.

Songbeispiele über youtube, vimeo, myspace, last.fm etc.

SCHRAMMEL-MUSIK: wer schrammelt hier?

2010-05-12T23:55:00.007+02:00

Als meine Frau mich heute beiläufig nach meiner Definition von Schrammelmusik fragte, brabbelte ich spontan etwas von „mit dem Plektrum alle Gitarrensaiten rhythmisch in schnellen Ab- und Aufwärtsbewegungen anschlagen, während mit der Griffhand Akkorde gegriffen werden“. Statt Bewunderung für mein enzyklopädisches musikalisches Wissen erntete ich ein Lachen.

Meine Frau hielt mir das „Musiklexikon“ von Mechthild von Schoenebeck, Gunter Reiß und Justus Noll unter die Augen. Dort stand es Schwarz auf Weiß: Schrammel-Musik ist in Wirklichkeit nach den Brüdern Johann und Josef Schrammel benannt! Deren Ensemble „d'Schrammeln“ erlangte im Wien des ausgehenden 19. Jahrhunderts einige Popularität. „d'Schrammeln“ spielten in Weinlokalen volkstümliches Liedgut, Walzer und Märsche. Teilweise wurden die Stücke von Johann Schrammel selbst komponiert. Die typische Besetzung – zwei Violinen, Gitarre, Klarinette oder Akkordeon – wird als Schrammel-Quartett bezeichnet.

Denkt also bitte das nächste Mal daran, wenn sich eine Indie-Band mal wieder einen zahnlosen Wolf spielt. Sie mag vielleicht schrabbeln, sie schrubbt womöglich Akkorde, sie jingled und jangled ideenlos dahin. Aber schrammeln tut sie nicht. Was ich jetzt, ausgestattet mit frischem Wissen um das Wesen von Schrammel-Musik, eigentlich bedaure.

PSYCHEDELIC FURS: dylan dylan dylan

2010-04-22T16:23:00.021+02:00

THE PSYCHEDELIC FURS - talk talk talk (1981)

Die Psychedelic Furs aus England nannten sich 1979/80 so, weil sie einen Namen suchten, der sie maximal von Punk und Wave abgrenzen sollte. Da passte „bewusstseinserweiternd“ (Iiiiieehh! Hippie!) und „sanft“ (Iiiiieehh! Weichei!) ganz gut: Die Psychedelischen Nerze waren geboren!

Weicheier waren sie trotzdem nicht, jedoch meinten sie auf ihrer ersten, selbstbetitelten Platte (von 1980) das Wort „Psychedelic“ durchaus ernst: Etwas auseinanderdriftende E-Gitarren-Exkursionen, mit okayem Saxophon garniert, insgesamt mit lockeren Knoten zusammengehaltene Songs, die aber durchaus referentiell an Punk und Wave angedockt waren. Nicht zuletzt auch Dank des kehligen Gesangs von Sänger und Texter Richard Butler, der zudem auch noch eine leicht schmierig-nasale Arroganz in seine Stimme zu legen pflegte, ein markantes Erlebnis. Auf dem Live-Shot vor rot angestrahlter Leinwand auf der Cover-Rückseite sehen sie aus wie die New Yorker Band Interpol gut 20 Jahre später, die sich ja sowieso auch das ein oder andere an Musik von dieser ersten LP der Furs abgeschaut hat.

Auf dem zweiten Album, „Talk Talk Talk“ von 1981, machten die Furs einen Riesenschritt vorwärts. Die Songs waren straff organisiert, dazu lauter und filigraner zugleich mit einem Soundwall belegt (der mir erst gar nicht, dann aber umso mehr gefiel). Butler legte viel Wert auf die Texte (die um Beziehungsprobleme und oberflächliches Leben in der Warenwelt kreisten, wenn ich es mal etwas plakativ ausdrücken darf) und die Furs spielten dazu kompakt, gewaltig und dicht, selbst in versöhnlichen Momenten. Kein Song sackte ab in indifferentes Spielen. Butlers Gesangstil hatte sich seine langezogenen Silben vielleicht von Roger McGiunn abgeschaut, auch ansonsten sehe ich in der Gitarrenarbeit gewisse gefühlte Parallelen zu den Byrds (auch wenn sie stark durch den Sound der Band zum Guten hin verbaut werden).

„Pretty In Pink“ steht für mich als Missing Link in einer Linie, die ihren Ausgangspunkt bei „Turn Turn Turn“ von den Byrds nimmt und bis zu „Makes No Sense At All“ von Hüsker Dü verläuft (mir fällt erst jetzt die Analogie von „Turn Turn Turn“ und „Talk Talk Talk“ auf!). Als würde ein und derselbe Song im Laufe der Jahre und der wechselnden Bedingungen mit immer mehr Wut und Zynismus aufgeladen werden. Butler machte offensichtlich eine Trennung durch, als er die Texte für „Talk Talk Talk“ schrieb.

Es gibt noch einige herausragende Momente auf „Talk Talk Talk“. Etwa das aggressive „Mr. Jones“; die Formverletzung durch den Einschub einer Sitar-ähnlichen Gitarre in „Into You Like A Train“; das längere „All Of This And Nothing“, wo Butler die Gegenstände aufzählt, die seine Verflossene ihm in der gemeinsamen Wohnung hinterlassen hat („You didn’t leave me anything/ That I can understand/ Now I’m left with all of this/ A room full of your trash“); das halbversöhnliche „She Is Mine“, und und und.

Danach gingen die Furs nach Amerika - ins Land von Butlers lyrischem Über-Einfluss Bob Dylan - und ließen sich von Todd Rundgren produzieren und von Flo & Eddie im Hintergrund gesanglich unterstützen. Der dabei entstandene Nachfolger von „Talk Talk Talk“ - „Forever Now“ (1982) - gelang ihnen hervorragend, auch wenn manches etwas gewollt auf Erfolgsdurchbruch drückte. Sie hatten die Psychedelik der perlenschnurigen Gitarrenläufe der Byrds gegen das Pathos der großen Geste von David Bowie getauscht (was im Nachhinein lustig ist, denn sie tauschten die Länder im umgekehrten Wechsel zur musikalischen Ausrichtung). Dieses eine Mal tat ihnen das noch gut.

Danach bekam ich noch zwei oder drei Platten von ihnen mit, von denen ich ein oder zwei besaß - und an der Vergangenheitsform kann man abschätzen, inwiefern sie dann noch eine Rolle in meinem Leben spielten. Mit zunehmender Schmiere im Haar von Richard Butler schien der Band die Substanz auszugehen. Aber „Talk Talk Talk“ bleibt ein Großwerk, das so zukunftsfähig geraten ist, dass selbst das Saxophon auch heute noch richtig am Platz klingt.

Und wer sich jetzt fragen sollte, aus welchem Anlass ich eine fast dreißig Jahre alte Musik mit diesem Text aus der Versenkung hole, dem antworte ich ganz locker aus der Hüfte: Nur so. Kein Todesfall ist hier zum Anlass genommen, keine in aktuellen Popkultur-Magazinen oder -Blogs hochgereichte Musik bezieht sich momentan auf die Psychedelic Furs. Es gibt auch keine Jubiläen zu feiern. Es stehen ebensowenig Solo-Aufnahmen ehemaliger Mitglieder kurz vor der Veröffentlichung, noch gibt es eine Reunion-Tour. Dieser Text entstand völlig unabhängig von hochgeschriebenen „Relevanzen“, mit denen sich das Geschäftsfeld "Pop-Kultur" gerne seiner eigenen Wichtigkeit versichert. Wenn ichs mir recht überlege, nehme ich Musik mehr und mehr genau so wahr, als wäre sie aus ihrer Zeit gefallen und in anderen Zeiten gelandet.

JAMAIKA UND SCHWULENFEINDLICHKEIT: wettbewerb ums publikum

2010-04-19T17:59:00.015+02:00

Bildquelle: http://www.homorazzi.com

Neulich tummelte ich mich wieder in der Feuilleton-Nische eines Leserforums einer altbekannten Wochenzeitschrift. Wir hatten das Thema Reggae und Schwulenfeindlichkeit am Wickel (ausgelöst durch ein Interview von Gentleman in der TAZ, in dem er sich ziemlich eierig aus der Affäre ziehen wollte und die in Jamaika weit verbreitete und staatlich sanktionierte Homophobie als kulturelle Eigenart in Schutz zu nehmen versuchte - nicht ohne sich gleichzeitig selbst von jeder Schwulenfeindlichkeit freizusprechen). Ein paar User baten mich um eine detailliertere Stellungnahme. Daraufhin schrieb ich eine stark verkürzte Abhandlung zum kulturellen Kontext jamaikanischer Musikentwicklung, mit Schwerpunkt insbesondere auf die Bedeutung des Wettbewerbs unter den Sound Systems und unter den Sängern um die Gunst des Publikums

Here we go:

Danke für das Vertrauen in mein „enzyklopädisches Wissen“, aber ich kann beim besten Willen nicht in der jamaikanische Musikgeschichte „die dort mehr oder weniger stark anzutreffenden schwulenfeindlichen Elemente“ aufdröseln. Ich finde sie nämlich nur im aktuellen Dancehall thematisiert. Wichtig erscheint mir, dass sich Musik in Jamaika immer einer speziellen Wettbewerbssituation stellen muss.

Ska, Rocksteady, Bluebeat, Reggae, Dancehall, Digital Reggae (Ragga) entwickelten sich immer aus einem ständigen Ringen der jamaikanischen Soundsystems (mobile Discos, wenn ich’s mal verkürzt sagen darf) um das stets nach Neuem jiepernde jamaikanische Publikum. Die Frage war: Wer hatte diejenigen Rhythmen („Riddims“) auf Lager, die in der Lage waren, das schnell gelangweilte Publikum für sich zu gewinnen? So waren die Betreiber der Sound-Systems ständig darum bemüht, Alleinstellungsmerkmale zu generieren. Zu diesem Zweck wurden frisch besorgte Singles (Jamaika war fast ausschließlich ein Singles-Markt) vom Sound System sogar mit falschen Etiketten überklebt, damit „Spione“ anderer Sound Systems nicht dahinter kamen, mit welchen Singles der Konkurrent seine Party schmiss. Zudem heuerten die Soundsystems Sänger (Toaster) an, die über die Musik drübersangen, um das Publikum anzufeuern und bei der Stange zu halten.

Diese Art der Animation hat eine starke Tradition auf der Insel. Erlaubt war, was die Sound-System-Kontrahenten alt aussehen ließ. Erfolgsaussichten hatte eine gute Performance und ein außergewöhnlicher Text. Das konnten simple Animationsrufe sein, oder auch Statements zu aktuellen politischen Themen, Verächtlichmachung anderer Sound Systems, etc. - je nachdem, was gerade beim Publikum angesagt war. Eigene exklusive Singles wurden produziert, um den anderen Soundsystems voraus zu sein. Daraus entwickelten sich dann besondere Studios, die spezielle Mixe oder Singles („Dubplates“) für die Sound Systems produzierten. Oft besaßen die Sound Systems selbst Studios.

An die „Toaster“/Sänger wurden die gleichen alles entscheidenden Maßstäbe angelegt: gelang es ihnen, das Publikum zu halten und von der Konkurrenz wegzulocken, dann durften sie bleiben. Viele erfolgreiche Sänger aus Jamaika sind im Prinzip durch den harten Wettbewerb der Sound Systems geprägt. Auch Bob Marley spielte anfangs (mitte der 1960er) das, was das Sound System von Coxsone Dodd von ihm verlangte (vorwiegend Soulnummern aus den USA-Charts).

Da sich jamaikanische Musik immer am Publikumsgeschmack orientiert hat, und da das jamaikanische Publikum immer nach Neuem verlangte, konnte sich Musik auf Jamaika rasend schnell weiterentwickeln. So entstand aus Ska über Rocksteady und Bluebeat der Roots Reggae der 1970er Jahre, der schließlich neben seinen sozialbezogenen Themen ( „getto sufferer“) ab Mitte der 70er (mit dem riesigen globalen Erfolg von Bob Marley & The Wailers) immer mehr Rasta-Themen (Rückführung nach Afrika, Sklaverei in „Babylon“, Haile Selassie als lebender Messiah, etc.) mit einbezog. Marley und die Wailers waren nämlich allesamt Rastas. Mir ist im Roots-Reggae kein Beispiel von schwulenfeindlichen Texten bekannt. Ich vermute, es waren schlicht andere Themen, die dort verhandelt wurden. Interessanterweise gibt es einen Roots-Song aus der Zeit über „Africa“ (Songtitel) von einer Gruppe namens The Gaylads. :-)

Trotzdem wurde auch im Roots-Reggae-Kontext die Wahl drastischer Ausdrucksformen nicht ausgegrenzt. Ein Beispiel sei das fast eigene Subgenre der „Kill The Barber“-Songs, die den Friseur als natürlichen Feind der mühsam gewachsenen Dreadlocks verstand. Dies hatte aber nur Symbolcharakter. Soviel ich weiß, ist kein Barbier wirklich zu Schaden gekommen – von Umsatzeinbußen durch zum Rastafarianismus konvertierten, ehemaligen Kunden einmal abgesehen.

Ende der siebziger Jahre konzentrierte sich Roots-Reggae immer mehr auf seinen international großen Erfolg, entfernte sich aber gleichzeitig dadurch vom jamaikanischen Publikum. Tatsächlich spielte Marleys Musik in Jamaika zu der Zeit keine große Rolle mehr, dem Publikum stand der Sinn viel mehr nach purem Rhythmus, den der am westlichen Markt orientierte Roots-Reggae nicht bieten konnte. In der Dancehall wurden die Tracks daher noch purer und rhythmischer, die Sänger/Toaster schulten sich im direkteren Animieren des tanzwütigen Publikums.

Dieser allmähliche Switch zu rauerer und direkterer Musik wurde auch von sozialen Veränderungen begleitet und befeuert: Anfang der 1980er verlor die sozialistische Partei Michael Manleys (PNP) die Wahlen an die rechtsgerichtete JLP, angeführt von Edward Seaga (auch „CIAga“ genannt, laut einem Graffiti in West Kingston). Im Wahljahr 1980 kam es zu extremen Gewalttätigkeiten, bei denen mehr als 800 Menschen getötet wurden. Im Zuge von Thatcherism und Reagonomics fuhr die konservative JLP einen Kurs zur Deregulierung der ökonomischen Märkte mit einhergehenden massiven sozialen Einschnitten in der Krankenversorgung und anderer sozialer Leistungen. Die Preisbindung für Lebensmittel fiel ebenfalls weg. Preise stiegen, Löhne fielen, die Zahl der Arbeitslosen erhöhte sich signifikant. Wie immer traf es die ärmsten der Armen am schlimmsten.

Die Dancehall reagierte auf die konservative Regierung mit einem Rückzug ins Innere. Soziale Themen gerieten bei den Dances in den Hintergrund, man versuchte durch eine Konzentration auf interne Dancehall-Themen dem Alltag zu entfliehen. Man kümmerte sich um Tanzstile, explizit sexuelle Texte fanden ihre Widerhall in expliziten Tanzfiguren. Die Soundsystems auf den Dancehalls waren nur damit beschäftigt, in immer neuen „Clashes“ um die Gunst des Publikums zu buhlen. Eine Reihe von Sängern in der Dancehall kamen zu einiger lokaler Berühmtheit, konnten aber auf Tonträger die Energie oft nicht rüberbringen.

Digitaler Reggae kam 1985 auf (mit Wayne Smiths „Under Me Sleng Teng“, produziert von King Jammy) und machte schlagartig eine Generation von Reggae-Musikern arbeitslos. Aus Digital Reggae wurde Ragga, das sich als Stimme der Ghettojugend verstand. Die Gegenstände in den Songs wurden wieder härter, man glorifizierte die Waffenkultur der Ghettos und die Sprache der Texte orientierte sich an Gewaltmetaphern, wie es in Jamaika schon lange nicht unüblich war (schon zu Roots-Zeiten wurden die besten Songs einer Schallplatte als „Killer“ bezeichnet, der Begriff „Fire inna Dancehall“ sollte auch bekannt sein, ebenfalls das symbolische Gedisse von Babylon und dem Papst - „Fire pon di Babylon, fire pon di Vatican“). Der harte Wettbewerb unter den Soundsystems führte dann zu immer expliziteren Verbalangriffen in den Texten (sowohl in Richtung Gewalt als auch Sexualität), um das Publikum für sich zu gewinnen.

Und da auf Jamaika eine staatlich sanktionierte Schwulenfeindlichkeit herrscht, die sich auch Teile des Publikums einverleibt haben, konnte der ein oder andere Sänger eben auch mit möglichst derben, homophoben Sprüchen das Publikum auf seine Seite ziehen. Umso größer wird dann auch die Verwunderung gewesen sein, wenn solche Sänger (die sich gegen die riesige Konkurrenz in Jamaika beim Publikum durchgesetzt haben und sich daher wahrscheinlich ganz „natürlich“ für die Größten halten) im westlichen Ausland plötzlich den gerechten Wind des Widerstands gegen ihre Schwule verachtenden Verse zu spüren bekamen und bekommen. Und ich denke, dass ist auch gut so. Die sollen ruhig mal spüren, was für einen gefährlichen (ja, für Schwule potenziell lebensgefährlichen) Unsinn sie da verzapfen. Ob’s was nützt? Keine Ahnung. Ich gebe ja generell die Hoffnung nicht auf, dass Reisen und der Kontakt mit anderen Menschen bildet.

Und wenn dadurch wirklich der ein oder andere homophoben Dancehall-Musiker ins Grübeln kommen sollte und von dem Schmarrn ablässt, wäre schon viel gewonnen. Ansonsten gilt, was ich schon an anderer Stelle schrieb: Wenn ich erfahre, dass jemand fortgesetzt explizite, schwulenfeindliche Texte ablässt und sich offensichtlich nicht vom Gegenteil überzeugen lässt, dann kaufe ich weder dessen Produkte noch gehe ich auf dessen Konzerte. Und wenn ich so einen Typen mal persönlich treffe, würde ich ihm das auch ins Gesicht sagen. Da muss man gar nicht schüchtern sein.

Jamaika sollte endlich den Paragraphen streichen, der Homosexualität unter Strafe stellt. Dann wäre ein erster Schritt getan, der vielleicht als Endpunkt irgendwann einmal auch die verbreitete Schwulenfeindlichkeit in der jamaikanischen Gesellschaft beenden könnte. Denn wenn das Publikum solche Texte in der Dancehall nicht hören will, wird sie auch kein Sänger dort singen. Im Übrigen ist es wohl auch sowieso eine Minderheit, die schwulenfeindliche Texte besingt. Ich höre jedenfalls seit Jahren immer nur von den üblichen Verdächtigen Sizzla, Buju Banton, Bounty Killer und Beenie Man. Beenie Man hat sich in späteren Interviews auch mal entschuldigend geäußert, soll dann aber bei anderer Gelegenheit wieder ...

Ich habe sicher vieles noch ausgelassen. Wer die jüngere Geschichte Jamaikas nachlesen möchte, dem empfehle ich das Buch „Bass Culture – Der Siegeszug des Reggae“ von Lloyd Bradley. Den 500-Seiten-Wälzer gab’s letztens bei 2001 für 5 Euro. Aus jenem Buch und aus dem „Reggae – The Rough Guide“ von Steve Barrow und Peter Dalton habe ich Informationen gezogen.

BLIND IDIOT GOD: hie im dub und da im krach

2010-04-18T00:29:00.009+02:00

BLIND IDIOT GOD: UNDERTOW (1988)

Lieblingsband vieler Musik-Intellektuellen im ausgehenden 1980er Jahrzehnt. Zu denen ich mich jetzt auch einfach mal zähle, weil „intellektuell“ für mich kein Schimpfwort ist.

Lieblingsband jener Klientel deswegen, weil die konzeptionelle Trennung von Dub-Tracks und Krachstücken bei Blind Idiot God einen abstrakten Kunstanspruch impliziert, der sich sehr überzeugend mit dem verbindet, was man „Eier haben“ nennen könnte (Merke: Die säuberliche Trennung von Sounds und Stilen umgibt eine Band mit der Aura einer sich lohnenden geistreichen Beschäftigung mit ihrer Kunst und ihren Kontexten. Siehe z.B. auch Pere Ubu, Velvet Underground, Jim O’Rourke). Die Dubs dieser drei Typen aus dem SST-Umfeld gehören zu den überzeugendsten Beispielen „gespielter“ Dubs, die ich kenne.

Auf den elegant brachialen Jazzpunkkrachstücken klingt das Trio dann wie die Jimi Hendrix Experience ohne Drogen, ohne Soli und ohne Kotze im Hals - falls Hendrix Ende der 80er Jahre bei SST untergekommen wäre (und das wäre er).

J.J. CALE: leben mit der box

2010-03-31T09:00:00.005+02:00

J.J. CALE: NATURALLY (1971)

Die ersten zehn Sekunden von "Call Me The Breeze" von J.J. Cale gehören für mich zu den schönsten Songanfängen überhaupt. Ich liebe die dumpf-elegante und basslastige Rhythmusmaschine darin (und natürlich Cales Genuschel). Beides verwischt den Sound des Intros, gibt ihm etwas Flirrendes und Undeutliches, fast so wie ein Maler, der über seine frische Pinselarbeit nochmal mit einem Schwamm drübergeht. Überhaupt ist "Naturally" (1971), die erste LP von J.J. Cale, Countryfolk'n'soul von zeitloser Güte. Keine vintage Gimmicks, keine Solo-Parts, dabei aber durchaus mal zupackend. Die Unaufgeregtheit, die sich darüber legt, nimmt "Naturally" aufs Angemehmste jeden Anflug herausgestellter Wichtigkeit.

ALEX CHILTON vom instabilen, leidenschaftlichen und kaputten

2010-03-20T14:04:00.018+01:00

Pitchfork am 17. März 2010: „Alex Chilton, the legendary singer, songwriter, and performer who created music with the Box Tops, Big Star, and as a solo artist, died today“ .
Todesursache: Vermutlich Herzinfakt

59 ist ja nun wirklich kein Alter zum Abtreten. Mein Beileid an die Hinterbliebenen und an Chiltons Mitmusikanten von Big Star auch. Ich hatte immer das Gefühl, dass Chiltons Band "Big Star" ihren Namen viel zu sehr wie ein Klotz am Bein trug, anstatt damit wirklich den großen Sternenhimmel des Erfolgs erklimmen zu können. Zu sehr merkte man Big Star's größenwahnsinniger Marketingstrategie ihren verzweifelten Erfolgswunsch an: Sich selbst zum Star erheben und die erste Platte „Big Star's No. 1 Record“ nennen, als würde man sich damit an die Chartspitze quasi selbstprophezeien können. Vielleicht war ihr Glam-Kunst-Rock-Entwurf auch einfach noch zu sehr in den 1960er verhaftet, wollte die Beatles, Memphis-Soul und ambitionierter Bubblegum-Art-Pop zugleich sein (was ihnen sehr beeindruckend gelang), anstatt sich am Westcoast-Mainstream, Outlaw- oder Soft-Rock zu orientieren, wie es Anfang der 1970er vielleicht ratsam gewesen wäre.

Die dritte Big Star - „Sister Lovers“ - ist sowas wie ein Vorläufer von „Tusk“, eine Selbstdemontage auf hohem Niveau, nicht zum Aushalten an die Grenze gehend. Nur hatten Fleetwood Mac wirklich vorher den Erfolg, den sie dann mit „Tusk“ pulverisieren konnten. Dieser Erfolg ist Big Star (und Chilton solo) nie beschieden worden. Selbst in den letzten Jahren, als es immer mal wieder Reunions gab, haben sie nicht den monetären Lorbeer ernten können, den sie eigentlich verdient gehabt hätten. Auch Alex Chilton konnte mit seinen Solo-Arbeiten kaum kommerziellen Erfolg verbuchen.

Meine Lieblingsplatte von Chilton bleibt neben den Big-Star-Sachen "Bachs Bottom", mit der erschöpftesten Version, die sich von "I'm So Tired" denken lässt und anderen intensiv-kraftlosen Big-Star-Nachwehen und Coverversionen. Und man kann dabei aufs Ergreifendste hören, wie gut es Chilton vermochte, sowohl aus seiner Stimme als auch aus seinem E-Gitarrenspiel das Kaputte, das Leidenschaftliche und das Instabile gleichermaßen zu extrahieren und nebeneinander stehen zu lassen. Vielleicht war es gerade Chiltons Weigerung, die eigenen Widersprüche auflösen zu wollen, die ihn auch für Punk-sozialisierte Hörer interessant werden ließ. In ihren Reihen fand er in den 1980er Jahren ein zwar überschaubares, aber dafür umso dankbareres Publikum.

Zweimal auf „Bachs Bottom“ besingt Chilton ein Freisein - "Oh Baby, I'm Free" und "Free Again" - und man merkt schon in der Titelreihenfolge, dass es vielleicht mit dem ersten Freisein nicht geklappt hat, denn sonst würde er ja seine Freiheit nicht "again" feiern müssen.

Ich wünsche Alex Chilton, dass der Tod wirklich einer Freiheit gleichkommt.

MATERIAL: am punkt voraus

2010-03-20T10:29:00.012+01:00

MATERIAL: TEMPORARY MUSIC
(1980)

Instrumentalrockmusik mit Gitarrensoli war 1980 undenkbar, oder besser: untolerierbar. Instrumentalrockmusik gab es nicht. Es gab Stimmen, die nicht schön oder voll sein wollten, es gab ein Entmenschlichen des Gesangs als Spiegel der „Realität“, es gab Abgründe, aus denen Stimmen verzweifelt heraufschallten. Es gab auch die fröhlich-subversive Mitteilsamkeit von Popsongs: Eine kindische Freude daran, die Charts zu usurpieren. Aber Instrumentalrockmusik gab es in dieser (meiner) Welt nicht.

In dieser Zeit also kam „Temporary Music“ in mein Leben, ohne dass ich wusste, dass sie im Prinzip acht Jahre früher vorwegnahm, was ich dann bei SST (wieder super) fand: Jazz und Gitarrensoli, gespielt als Punk oder Metal, oder NYC-Mutanten-Disco. Ich denke immer noch, dass SST höchstens zu dieser total entwickelten Musik von Material aufschließen konnte. Überwunden hat sie sie nie.

Ich war jedenfalls 1980 nach der vollständigen Pulverisierung von Gitarrensoli als künsterisches Ausdrucksmittel trotzdem davon eingenommen, konnte den Zukunftswert dieser Musik erschließen, auch wenn ich innerlich mit meinen Wave/Punk-Dogmen kämpfte.

Die Soli waren noch nicht mal versteckt, sondern wirkten ganz offensiv vordergründig platziert. Die recht brachial knetenden funky Pattern sahen sich nicht bemüßigt, die Gitarrenarbeit ironisch zu brechen, es war ihnen also ernst mit allem, was man hörte.

„Temporary Music“ war visionär. Nicht nur in punkto Gitarrenarbeit, die sowieso nur die Hälfte des Albums einnimmt, welches eigentlich eine Compilation von Arbeiten der Jahre 1979-80 darstellt. Auch in der fast schon gewaltsamen Rhythmusarbeit lässt sie Disco und Funk gefährlich und präzise um sich schlagen. Höre ich die Musik heute in 2010, dann erscheint sie mir immer noch an einem Punkt, der noch nicht eingeholt worden ist, nur aus dem Zentrum hat er sich weiter entfernt. Aber das ist die Schuld des Zentrums, nicht die Schuld der Musik.

KUCHEN MEETS MAPSTATION: brummkörperbalance

2010-03-13T11:49:00.014+01:00

(ZEROZERO DECADE)

Kuchen meets Mapstation (2003)

Ihr wisst schon, diese Menschen, die sich auf Bühnen, in Galerien, Museen, Theatern und Clubs an Holztischen sitzend über Laptops beugen wie über Glaskugeln, konzentriert alles das machen, wofür man eigentlich garantiert keinen Eintritt zahlen würde, weil es so sterbensöde und publikumsabgewandt aussieht wie anhört. Diese fazinierend stinknormalen Langeweiler interessierten uns Musikinteressierte so von 1997 bis 2004.

Das ist erstaunlich genug, denn sie brachten eigentlich nur Brummen und Klicksen aus ihren kleinen leuchtenden Apparaten hervor. Es war ein einfacher Deal: Die Laptopper verzogen keine Miene, während sie an ihren Spielzeugen Tasten drückten, im Gegenzug kauften wir Musikbegeisterten uns ihre Musik. Wir sprachen über Abstraktionen und serielle Klänge. Wir lasen Interviews mit den Knisterbrüdern und –schwestern und labten uns an der schöntheoretisierten Ödnis ihrer ernsthaften Worte. Ich glaube, was wir am wenigsten taten, war ihre Musik auch nur zweimal zu hören.

Irgendwann kamen ein paar Laptopper auf die Idee, ihre Pieps-, Brumm- und Klickgeräusche mit analogen Instrumenten zusammenzuschalten. In den meisten Fällen war das zwar auch nicht besser als vorher, aber es gab ein paar Tastendrücker, die dadurch ihre Musik in eine gar nicht langweilige Brumm-Balance zu bringen imstande waren.

Und davon haben sich ein paar Klänge gehalten in meiner Erinnerung, sind eingeflossen in meinen persönlichen Kanon nachhaltig beeindruckender Musik. Und auch wenn ich der einzige Mensch auf diesem oder auf einem anderen Planeten sein sollte, dem das so geht: Was sich gehalten hat ist „Kuchen meets Mapstation“.

Auf einschlägigen „Kuchen meets Mapstation“-Websites kann man nachlesen, dass Mapstation eigentlich Stefan Schneider heißt, andere sehr gute Mapstation-Platten gemacht hat (stimmt!), und auch mit To Rococo Rot prima in ähnlich angedubbten Gewässern fährt (stimmt auch!). Ebenfalls erfährt man, dass Kuchen bei den Pale Saints spielte und eigentlich Meriel Barham heißt. Aber um ehrlich zu sein, kann man selbst auf dem „Karaoke Kalk“-Label, wo „Kuchen meets Mapstaion“ herauskam, nichts mehr über Kuchen oder Mapstation erfahren.

Anstatt uns in biografischen Details zu ergehen, konzentrieren wir uns also lieber auf die Musik. Und die ist - das ist ihr großes Plus - sehr körperlich. Sie schwingt um eine dreidimensionale Achse und bleibt dabei ständig veränderlich. Man merkt ihr an, dass sie von Leuten gemacht wurde, die sich am Reggae geschult haben. Die wissen, dass einer elektronischen Fläche eine Physis gut tut, und dass man jene als Hörer besonders dann gut spürt, wenn sie ab und an von Bässen zart aber bestimmt durchblubbert wird. Kuchen zieht dazu ihre Gitarre in die Tracks hinein, lässt sie fast unmerklich herumschlängeln oder singt gar mantraartig immer wieder einen Satz, dem sicher auch der ein oder andere Aasfresser zustimmen würde: „I like your bones. I like your bones. I like your bones.“

Und mögen wir nicht alle unsere Knochen und die Knochen unserer Liebsten ebenfalls, weil wir doch ohne ihre Unterstützung unweigerlich zu Fleischklumpen zusammenfallen würden? Ja, das tun wir. Und so können wir alle ohne das geringste schlechte Gewissen unseren Bewegungsapparat die sehr speziell schwingende Elektroakustik von Kuchen und Mapstation in sich aufnehmen lassen. Denn das kommt ja auch uns als Gesamtorganismus zugute.

Mein Bewegungsapparat jedenfalls dürstet es auch sieben Jahre nach Erscheinen von „Kuchen meets Mapstation“ immer noch und immer mal wieder nach dieser Musik, besonders dann, wenn der Rest meiner Wenigkeit partout nicht weiß, was er jetzt hören möchte. Es ist schön, wenn man sich auf die Entscheidungen von Körperteilen verlassen kann.

Kuchen
meets
Mapstation
.

WOVENHAND: aufm obs

2010-03-09T08:27:00.007+01:00

Nachdem ich letztens an dieser Stelle noch schwor, ich würde bezüglich Wovenhand keine pathosdräuenden, steintafelwürdigen Meißelungen mehr meißeln, bleibt mir nur noch eine nüchterne Feststellung festzustellen:

Die Wovies treten beim diesjährigen OBS auf.

Amen im Namen des HE - äh, nein, "Punkt" wollte ich scheiben. Einfach nur: Punkt.

.

IKARA COLT: lärm im anzug

2010-03-07T19:30:00.009+01:00

(ZEROZERO DECADE)

Ikara Colt: Chat and Business (2002)

Diese lärmigen Briten brachten mich 2002 wieder in die Spur. Auch vom Auftreten her (strengst konzipierte Cover, Anzug-Klamotten) scharf geschnitten. Nach zwei Jahren ist Schluss, kündigte die Band lange vorher an. Und nach zwei Jahren und der zweiten (guten) Platte war dann auch Schluss. Die Musiker wurden nie mehr gehört, sie erledigen jetzt ihr Business auf anderen Geschäftsfeldern. Aber ihren akzentuierten und kantigen, dabei die ein oder andere Übellaunigkeit nicht verschmähenden Mod-Krach werde ich nicht vergessen.

Die kleinen, vorgestanzten Fotos aus dem Inlay herauszubrechen und auf die Vorderfläche in die weißen Quadrate zu kleben, habe ich mich dann aber doch nicht getraut, ich Schisser.

DON VAN VLIET sing high sing low

2010-03-06T08:47:00.007+01:00

Sorry, ich kann mir nicht helfen, aber die beiden Male, in denen Don Van Vliet bei Letterman aufgetreten ist, amüsieren mich immer wieder. Van Vliet (den sie Captain Beefheart nannten, obwohl er kein Boot hatte) ist ganz bei sich, lässt einige Legenden, die Letterman gewissenhaft abfragt, durch geschickt oder zufällig gesetzte Pausen und kryptisch-lustige Antworten auflaufen und ist auch sonst ein sehr aufmerksamer, wenn auch nicht immer ganz einfach zu händelnder Gesprächspartner. Schön ist ebenfalls die Stelle, wo er seine Bilder erkären soll. Van Vliet: „Das Bild heißt 'Button Down Fashion Bow'“. Letterman: „Was bedeutet das exakt?“ Van Vliet: „Exakt? ... ... Keine Ahnung“. Oder diejenige, wo Letterman der Legende um den Stimmumfang des Kapitäns nachgeht.

TINY TIM: die eis-kap-pen schmel-zen/ ho hoo ho hoo ho hooo

2010-03-03T23:08:00.005+01:00

Der besonders besondere Tiny Tim als meisterhafter Kindertraumatisierer:

The ice caps are melting
Ho-ho ho ho-ho
All the world is drowning
Ho-ho ho ho-ho
The ice caps are melting
the tide is rushing in
All the world is drowning
to wash away the sin

Danke an den The Daily Frail-Blog, der mich freundlicherweise mit diesem Video bekannt machte.

WOVENHAND: von spatzen und ringen

2010-03-02T23:32:00.011+01:00

(ZEROZERO DECADE)

Wovenhand: Consider The Birds (2004)

Es gibt Tage, da macht mich diese Platte fertig. Erschöpft wie ausgepeitscht von zopfartig geknüpften Ruten, dessen Hanf vor den Toren Babylons auf trockenen Feldern gezogen wurde. Vor David Eugene Edwards’ Gott kann man sich nur fürchten. Das mag für das reale Leben unvorteilhaft sein, aber der Musik tut das Böse gut. Ich kenne eigentlich niemanden, der vergleichbar präsent ist, inmitten von Pathos vor unserer Zeitrechnung, als es aber immerhin schon Saiteninstrumente, windbetriebene Synthesizer und Studios wie das „Absinthe“ in Colorado gab.

WOODEN VEIL: urhorde schaut dich an

2010-02-23T23:11:00.006+01:00

WOODEN VEIL

Sagt mal, ihr Berliner, was habt ihr denn da eigentlich für eine tolle Freeform-Stammesrock-Urhorde-mit-eigener-Modestrecke am laufen? Da lacht mein Sunburned-Herz, da fürchtet sich mein Kleinbürgerhirn, da begeistert sich mein Traum eines Lebens in der "verbotenen Zone" des Planeten der Affen, wo Tierkadaver - an Holz-Ixen genagelt - den Wanderer abschrecken sollen. Gelten diese Propheten etwas in der eigenen Stadt oder kräht dort kein Hahn danach?

JOANNA NEWSOM: im pfauenfederwald

2010-02-22T18:15:00.009+01:00

JOANNA NEWSOM
have one on me
2010

Ohne auch nur im Entferntesten daran zu denken, mir so ein Konsenswerk herbei zu wünschen: Das neue, Triple-Duper-Dings von Joanna Newsom ist vielleicht mal wieder so ein Werk, auf das sich alle im erwachsenen Popland einigen können, kam es mir heute morgen in den Sinn. Die alten feuilletonistischen Connaisseure (Spiegel, ich), die Indie-Loge (Intro-Magazin), die unfreiwillig das Intellektuellen-Klischee Karikierenden (Spex), die Rockgeschichtsrezipienten (Mojo, Rolling Stone), die freien, etwas drögen Jazzer/ Elektroniker/ Freeformrocker (Wire).

Ein paar Hörer und Journalisten/Blogger wird es geben, denen der 3-LP/3-CD-Overkill und die Medienhyperventilationen so sehr auf den Keks gehen werden, dass sie gegen "Have One On Me" anschreiben werden müssen, auch um so Popscheiß-Schreiberlinge wie mir und den Anderen ein paar Kröten reinzuwürgen.

Sollen se machen, auch so sind se Teil des verhassten Popkrams. Der Rest wird über Joanna Newsoms Iiiiih!-Stimme nicht hinwegkommen.

Ich dagegen mag es mittlerweile, wenn die Stimme die größte Hürde darstellt, die man zwingend nehmen muss. Und weil ich das erst mag, seit ich nämlich die lange als unüberwindbare Hürde wahrgenommene Stimme Bob Dylans überwunden habe, lasse ich diese hingerotzten Zeilen auch mit einem Dylan-Zitat enden: The ghost of electricity howls in the bones of her face/ Where these visions of Johanna have now taken my place.

Soweit meine Prophezeiungen.

Und so sieht die 3-LP-Box aus, die ich mir gleich mal spontan bestellen musste.

MANITOBA: in flammen

2010-02-18T23:49:00.019+01:00

(ZEROZERO DECADE)

Manitoba: Up In Flames (2003)

Mit Manitoba schien was möglich. Ein Gefühlssampling, nicht pulverisierend und nicht bewusst nicht deutend (wie es Jan Jelinek so wunderbar hinbekommt, das Nicht-Deuten nämlich), sondern eine mit der Nase heftig in andere zügellose Zeiten stoßende Musik, die sich irgendwo zwischen 1966-alles-ist-möglich-Gefühl und Asien-alles-was-möglich-ist-scheint-schon-erfüllt-ich-hab-Gott-gesehen-in-dem-Zeug-das ich geschluckt-hab durchpflügt. Ein Sample-Brett aus Drums und westlichen Indie-Indien-Vorstellungen, mit Brian Wilsons Käsemauken im Kunstsand verklärter Fake-Erinnerungen paddelnd. Ein Spielzeug, so verlockend wie eine ferne Erinnerung. Ein Bekannter hat sich tatsächlich mal zu Manitoba total ausgeklinkt und ist ihm Monate auf seiner Reise durch die Welt (und der Sounds) gefolgt. Jeden Abend bis zur Erschöpfung verausgabend.

YABBY YOU (1946-2010): im reggae-superschrein

2010-02-16T22:45:00.004+01:00

Es ist erschreckend, mit welch schiefen Bildern doch der durchschnittliche Mittel- bis Nordeuropäer (also Typen wie ich) an Reggae herangeführt wird, und wie groß der Erkenntnisschock dann ausfällt, wenn man irgendwann Roots-Reggae von der unhaltbaren Wucht des jamaikanischen Produzenten, Sängers und Texters Yabby You zu hören bekommt. Dagegen wirkt Bob Marley wie Engelbert Humperdinck.

Tatsächlich baute Yabby You a.k.a.Vivian Jackson seine erste Single – das religiös konnotierte „Conquering Lion“ - zu jener Zeit, als Bob Marley langsam aber sicher zum Superstar aufstieg. Das Rezept, mit dem Vivian Jackson auch in den folgenden Jahren seinen Reggae anrührte, war schon damals – 1972 - zu erkennen: Einem stampfenden Sound aus Bass, Drums, Keyboard und spiritueller Inbrunst stellten sich kaum Gitarren in den Weg, so konnte die Wucht direkt an die Membranen (der Lautsprecher und der Ohren) weitergegeben werden. Die Single - in 100er-Auflage gepresst und unter dem Namen Vivian Jackson And The Ralph Brothers veröffentlicht – ging auf Jamaika schneller weg als man „King of Kings, Lord of Lords, Conquering Lion of the Tribe of Judah“ aussprechen konnte. Man fragte sich, wer denn da verdammtnochmal singen würde, und so wurde aus den Textzeilen „Yabby U Yabby U“ schließlich der Künstlername Yabby You.

Über die Jahre entstand bis in die 1980er hinein ein unüberschaubarer Output von Vivian-Jackson-Produktionen. Unzählige Versionen seiner Riddims wurden von Djs und Toastern übersungen und/oder von Dub-Meister King Tubby virtuos in den Remix-Himmel gedopt. Trotzdem wurde Vivian Jackson erst einer breiteren Öffentlichlkeit bekannt, als das britische Reggae-Reissue-Label Blood & Fire 1997 eine umfangreiche Werkschau zusammenstellte: Eine mit fast fünfzig Tracks vollgepackte, feinst-wummerig gemasterte CD-Box namens „Jesus Dread – 1972-1977“.

Der Superschrein des Roots-verankerten Reggae - irgendwo in jener Do-CD-Box mit 47 Songs liegt er verborgen, bzw. genau aus dieser gewaltigen Ansammlung an Roots/Dub/Instumentals hat er sich materialisiert. Willst du, lieber Hörer, ihn finden und denkst, du hast ihn verpasst, weil du gerade ein wichtiges Detail akustisch nicht ganz mitbekommen hast, dann vergiss das Zurückskippen. Denn in den folgenden diversen Versionen wirst du genug Gelegenheit bekommen, dich in alle Einzelheiten dieser unbezwingbar rollenden Riddims hineinzufummeln. So wie die Maler des Fuji jeden Tag immer wieder aufs Neue in den Berg schauen und jedes Mal immer wieder ein anderes Bild aus ihm herausmalen. Und ihnen wird nie langweilig dabei.

Apropos Berg. Darf ich assoziieren? Berg. Bergpredigt. Jesus. Moses. Altes Testament. Ok, schon wären wir am Ziel. Denn anders als der gewöhnliche Rasta von nebenan, ist Yabby You nicht der Ansicht, Haile Selassie wäre der kommende Messiahs gewesen. Da hält er es mehr mit dem Klassiker Jesus Christus als Mittler zum HÖchsten. Und so sind seine Lyrics auch drängende Chants zu Ehren des Neuen und Alten Testaments und zum Bezwingen der alten Hure Babylon. Was, etwas vereinfacht ausgedrückt, auf dasselbe hinaus läuft wie bei den I-Jah-Männern: Babylon Kingdom wird down-ge-chanted, Plagen kommen über diejenigen, die vom rechten Weg abkommen, und überhaupt: „Run Away/ Go Away/ From Sodom and Gomorrha!“ Dabei hat Yabby You oftmals ganz weltliche Probleme jamaikanischen Lebens im Sinn, wenn er bespielsweise über „All that you can see now, the big fishes feeding on the small ones“ chatted. Begleitend dazu zerfallen blasphemische Steinmauern durch King Tubbys Mixkünste augenblicklich zu Staub, Tommy McCooks Saxophon bläst Seele in tote Materie, und DJs wie Dillinger, Trinity oder Tapper Zukie beamen den ein oder anderen Track, vereint mit Dub und Original, in die Zukunft (immer noch!). Man höre das unbegreifliche „Freshly“ von Dillinger an. Die pure Magie von Bass und Drums und Stimme und Phasertechnik, die alles zusammenwummert. Vor 34 Jahren!

Das fast Markus-Evangelium-dicke Booklet von „Jesus Dread“, auf extraverstärktem Glanzpapier gedruckt, vergilbt sicher nicht vor Ankunft des neuen Messiah (hält also ewig) - und war dem verdienstvollen „Blood And Fire“-Label wohl ein weiterer Sargnagel zum Bankrott, denn anscheinend hatte man sich bei der Verpackung und Aufmachung der Do-CD finanziell ein wenig übernommen. Aber für die Tonkunst hat es sich gelohnt! Ein Kompendium aller Facetten jamaikanischen Reggaes aus der Blütezeit 1972-1977: Unwiderstehliche Riddims, drängender Roots-Reggae, gigantische Dubs und futuristische Versions. Ein wahrhaftig beseelter Klumpen Lehm (das lächerliche Wörtchen „Monolith“ habe ich aus meinem Wortschatz verbannt).

Und wer davon nicht genug bekommen kann, der besorge sich bitte Yabby You's „King Tubby's Prophecy Of Dub“ (ebenfalls auf Blood & Fire), wo alle wichtigen Yabby-You-Riddims noch einmal mehr durch den Mixmeister Tubby feinfühlig und grobschlächtig zugleich durchgeraspelt werden. Erfüllende Schwerstarbeit für jede Bassmembran.

Leider hat meine Hommage einen traurigen Hintergrund: Vivian Jackson a.k.a. Yabby You starb am 12. Januar 2010 in Clarendon, Jamaika, an einem aufgeplatzten Gehirnaneurysma, wie ich heute erst aus der WIRE erfuhr. Vivian Jackson wurde 63 Jahre alt.

Eine Auswahl klassischer Produktionen von Vivian Jackson habe ich in einem gesonderten Beitrag zusammengestellt.

YABBY YOU: babylon zu staub gechanted

2010-02-16T20:11:00.002+01:00

Womit alles anfing: Conquering Lion von 1972

Trinity und Dillinger lassen sich durch den Bass kneten. 1977.

Dillinger preist auf „Freshly“ den Segen gesunder Ernährung. King Tubby unterlegt die Mahlzeit mit einem seiner gewaltigsten Dubs. 1976.

Another Version: „King Pharoah's Plague“. Nein damit ist nicht der Zahnstein des Pharaos gemeint, sondern die Plagen, die übers Land kommen, wenn ihr vom rechten Weg abkommt, Ungläubige! Aber wenn Plagen in Form unwiderstehlicher Basslines anrollen, solls mir echt sein.

Downchanten von Babylon war sein Hobby. Ich stimme mit ein. Soll doch danach die Sintflut kommen.

Run Come Rally. Ein weiterer Riddim, der später durch viele Versionen variiert wurde. Hier mal im Roots-Original.

BOURSIER-MOUGENOT: installation mit zebrafinken + gitarren

2010-02-14T23:54:00.007+01:00

Ein bezauberndes Beispiel, welch wundervolle Musik aus der Aleatorik entstehen kann, wenn die Versuchsanordnung der Installation ("from here to ear") klug gewählt ist. Laut Céleste Boursier-Mougenot ist es den Zebrafinken anscheinend völlig egal, welche Töne ihre Tun hervorbringt. Ein absolut nicht geleiteter Kompositionsprozess, den Boursier-Mougenot ganz ähnlich auch bei seinem elf Monate alten Sohn Charles feststellte, als der völlig zufällig Töne auf der E-Gitarre generierte. Ohne musikalische Intention klang es trotzdem „really good“. Ich bin erstmal nur fasziniert, glaube aber, man müsste noch mehr dazu schreiben. Wer macht den Anfang?

Ausstellung: London Barbican Curve. 27. Februar - 23. Mai 2010